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BootBooHook Festival [21. + 22. August 2010, Hannover]

2010-09-28T01:24:00.015+02:00

Natürlich war die zuletzt geschriebene Ankündigung nicht nur ein bisschen Werbung, sondern auch eine Hypothese – und ein bisschen Hoffnung. Das BootBooHook hat sich der Prüfung unterzogen und sich, zumindest auf das Nötigste, bewährt.

„BootOoKooHooTooHook – or what?“ (Ninja, The Go! Team)

Unser Festivalwochenende beginnt nicht mit der euphorischen Bändchenabholung. Es beginnt mit dem Drücken der Klingel an einer Neuner-WG, denn: Das BootBooHook ist nur mit raren Campingplätzen ausgestattet, und weil das Campingticket auch noch studentischruinöse acht Euro extra kostet, haben wir uns fürs Couchsurfing entschieden, wobei man bemerken muss, dass wir eigentlich nicht so richtig wussten, auf welchen Host wir uns da einlassen.

Letzteren bekommen wir während des Wochenendes in Hannover in der Wohnung auch gar nicht zu Gesicht, dafür einige andere nette Menschen, die WG ist eigentlich eher ein persönlich eingerichtetes Hostel als ein persönlich belebter Raum – und ist und bleibt deswegen harte Konkurrenz für das schnuckelige Festival, wegen dem wir ja eigentlich von Berlin hierher getuckert sind. Nach Niedersachsen.

Dafür treffen wir auf dem Gelände, das wenige Minuten von unserer Unterkunft entfernt mitten im Studentenviertel Linden liegt, gleich ganz viele Freunde. Das ist ein undiskutierbarer Vorteil jeglicher kleiner Festivals, und auch der Grund aus dem ich sie einfach lieber mag als ihre großen Brüder. Die Musik wird, wie auf jedem Festival, ziemlich schnell eine besonders schöne Nebensache; das Publikum, auf dessen großer Anteil die Bezeichnung Hipster unüberraschenderweise sehr gut passt, die Location, die alte Bettfedernfabrik zwischen Wohnhäusern in Straßen, auf denen kleine türkische Kinder fangen spielen, und der Pizzastand sind mindestens genauso interessant. Wir verlieren uns schnell im Strudel des verlaufenden Tages, der mit Sonne gesegnet ist, und die Auftritte von Friska Viljor und The Notwist rauschen auf der Hauptbühne an uns vorüber. Sie sind legendär feuerwerksähnlich wie erwartet (und erhofft) und fabrizieren Gänsehaut sogar in den Gesichtern.

Als wir am nächsten Mittag ausgeschlafen und gutgelaunt zu unseren Bekannten treffen, die noch verkatert zwischen den Zelten hocken, gibt es Neuigkeiten, die ganz offensichtlich die Stimmung trüben: Nachts hat es Diebstähle gegeben, ganze Zelte wurden komplett ausgeräumt, Wertgegenstände wurden teilweise trotz Anwesenheit der Schlafenden aus den Zelten geklaut – zumindest ist es das, was gemunkelt wird. Jetzt gibt es mehr Ordner und mehr Zäune, die Organisatoren sind selbst schockiert und tun ihr Bestes; das muss man ihnen zugestehen. Es kann wohl nur besser werden. Wir werfen uns eindeutige Blicke zu: Unser Host klaut nicht. Es lebe das Couchsurfing.

Als wir neben der Hauptbühne das erste Bier erwerben, kommt statt Bambi Kino Teles Frontsänger, Francesco Wilking, auf ebendiese. Bambi Kino fallen aus, aber der Ersatz ist nicht schlecht, also: Alle zufrieden. Bernd Begemann hebt befreiend die Stimmung noch weiter hoch, denn er ist lustig und dreht ganz nebenbei auf dem BootBooHook den Trailer für den Bundesvision Song Contest, an dem er dieses Jahr augenscheinlich aktiv beteiligt ist. Dafür muss das Publikum sich natürlich von seiner besten Seite zeigen, deswegen ziehen wir uns mit unseren Pornobrillen in den Schatten zurück und jubeln von weiter hinten.

Den ganzen Nachmittag verbringen wir auf der großen, vollen Wiese vor der Blue Stage und freuen uns ganz besonders über The Go! Team: Die Briten beweisen wieder einmal, dass Gott sie auf der Bühne sehen will. Während der ersten drei Lieder ist Fotografieren im Graben erlaubt, und natürlich können es nur fantastische Bilder werden. Diese Frontsängerin! Sie kann nicht von dieser Welt sein. Ihre Energie ergreift die leuchtenden Gesichter der Menge, die fasziniert von unten heraufstarren und gar nicht verstehen, wieso ihre Beine sich ganz von selbst bewegen.

Die „Atmo“, wie Frank Spilker (Die Sterne) sagt, verändert sich, sobald Hot Chip die Bühne betreten – natürlich, die Jungs sind eben keine Ninjas, aber die Musik wirkt erfüllend und irgendwie befriedigend. Kurz bei Fertig, Los! Reingehört, zwei Lieder genügen, wir sind glücklich. Wir denken, nach diesen Auftritten kann es eigentlich nur schlechter werden, denn eine Steigerung ist kaum noch möglich – und leider haben wir auch Recht damit. Denn von der übrigen Musik sehen wir nicht mehr viel.

Die Hauptbühne wird geschlossen. Ein Hereinkommen in die Green Stage, die Bratze und Egotronic bereichern sollen, ist schier unmöglich. Wir versuchen es zwischen 24 und 3 Uhr ständig, aber die Schlange wird nur länger. Bratze wird, spontan scheinbar, auf eine Leinwand übertragen, die auf der Hauptbühne draußen hängt, aber wegen der Anwohner wird der Ton auf kaummehrhörbar gedreht. Wie sie aussehen wissen wir doch.

Tatsächlich schaffen wir es kurz bevor Egotronic Good-Bye sagen doch noch, uns irgendwie hereinzuquetschen, und das Quetschen hat sich gelohnt. Egotronic überziehen als könnten sie unsere Gedanken lesen, und wir kommen in den Genuss eines fast kompletten Konzerts. Wir kommen verschwitzt und euphorisiert zurück in die WG und freuen uns, dass wir am nächsten Tag an einem riesigen Tisch in Ruhe frühstücken können und kein Zelt abbauen müssen. So ein Festival mitten in der Stadt stellt alle anderen in der Pampa in den Schatten.

Tapete Records, die das BootBooHook-Festival dieses Jahr zum dritten Mal auf die Beine gestellt haben, entschuldigen sich auf ihrer Homepage offiziell für alles, was so schiefgelaufen ist. Natürlich läuft auf einem Festival immer etwas schief, aber meistens ist es vor allem das Wetter, zumindest in dieser Hinsicht ist das BootBooHook 2010 davongekommen. Aufgrund des Staus vor der Green Stage soll zu 2011 das Konzept nochmals stark durchdacht werden; was das für das BootBooHook, das sich ja gerade durch seine Lage und die Location definiert und außerhalb dieser Gemäuer kaum vorstellbar ist, bedeutet, wird sich wohl in naher Zukunft klären. Wie auch immer: Solang sich der tolle Name nicht ändert, werde ich auch nächstes Jahr wieder dort sein.

Ankündigung: BootBooHook Festival [Hannover, 20.+21.08.2010]

2010-08-16T12:21:00.000+02:00

Aller guten Dinge sind drei. Das BootBooHook wird beim dritten Mal nicht nur gut, sondern immer besser: In aller Hinsicht steigert sich das Festival in der Hannoveraner Innenstadt im Vergleich zum Vorjahr.

„Boot Boo Hook! Boot Boo Hook!“
(Montag, BootBooHook 2009)

In Linden-Nord, dem alternativen Studentenviertel der niedersächsischen Hauptstadt, wackeln in einer Woche die Wände. Direkt neben Supermärkten, Dönerbuden und der Straßenbahnhaltestelle findet – versteckt und geschützt – ein Festival statt, das immerhin 5000 Leute und 32 Bands beherbergen kann. Im Gebäude einer alten Bettfedernfabrik, der FAUST, finden drei Bühnen Platz für alteingesessene, kleine, große, neue, laute und leise Bands.

Dabei aufzuzählen sind zum einen Hot Chip, pflichterwähnenswert, wenn es um die britische Electroszene geht. Mit ihnen ziehen The Notwist, Die Sterne, Friska Viljor, Anajo und Superpunk aufs Gelände; Tocotronic und Bonaparte ließen sich 2009 unter anderem blicken. Bratze müssen angesichts ihrer Festivalauftrittsrate 2010 kaum erwähnt werden – der Auftritt von Bernd Begemann & Die Befreiung ist da doch eher überraschend, wenn man bedenkt, dass Herr Begemann ja eigentlich nicht nach Hannover wollte. Egotronic pumpen den Bass durch die Boxen. Als bunt, aber fein darf man diese Veranstaltung durchaus beschreiben.

Organisiert wird das Festival vom Label tapeterecords, die natürlich auch einige ihrer Schützlinge, die bereits Erwähnung gefunden haben, voraus schicken. Wie auch Men Among Animals, die sich schon auf dem Rokskilde beweisen konnten, beehren Bambi Kino das Festival mit einem Besuch. Diese Band, die sich aus ehemaligen Mitgliedern von Nada Surf, Maplewood und Cat Power zusammensetzt, interpretiert die Beatles neu: Vor dem Festival spielen sie in Hamburg die originale Setlist des ersten Hamburg-Gigs der Beatles am 17. August 1960.

Für nur 41 Euro (inkl. VVK-Gebühren) darf man, vorausgesetzt man verzichtet auf einen Fleck für sein Zelt, das Spektakel bewundern, für acht Euro mehr ist man einer der Auserwählten, die den Campingplatz direkt an der Ihme nutzen dürfen. Wer die acht Euro sparen will, kann sich auf der Website eine Liste billiger Hostels und Jugendherbergen runterladen – dort gibt es auch die Tickets, bei spät-dranner Ticketbestellung empfielt sich aber doch der Kauf an örtlichen VVK-Stellen.

Es darf gebootboohookt werden!
Und hoffentlich sieht man sich dann dort.

Herpes [Das Kommt Vom Küssen]

2010-03-31T10:11:00.019+02:00

"Herpes? Hatte ich auch schon mal. War keine gute Erfahrung!" Heute wird das alles anders. Versprochen.

"wir tanzten bis zum ende / zum herzschlag der besten musik / jeden abend jeden tag / wir dachten fast es wär ein sieg." (fehlfarben, "das war vor jahren")

Alles dreht sich. Wirklich alles. Ich stehe nur stumpf herum und staune. Über das, was dort passiert. Über die Reibungswärme im Publikum. Die zuckenden Leiber. Die Punks. Die Mädchen. Über die, die noch nicht genug bekommen haben vom Bier und nochmal nachlegen müssen. Und über die, die noch immer über den Namen der Band kichern: "Herpes? Hatte ich auch schon mal. War keine gute Erfahrung!“ Heute wird das alles anders. Versprochen.

Mit dem ersten Basston schmilzt der Raum zwischen Bühne und Tanzfläche. Wird immer kleiner. Verschwindet. Es wird noch eilig zugeprostet bevor die ersten quietschenden Turnschuhe auf dem Parkett eine Art Tanz hörbar machen. Überlagert werden diese ersten Gehversuche im Saal von Herpes und ihrem hysterisch-verspulten Artpunk, der sich Note um Note aus den Boxen schält und dabei immer wieder an 30 Jahren Musikgeschichte nach Punk vorbeischrammt: Von Devo die Reduktion, von den Fehlfarben die Gleichsetzung von Banalität und Politik, von der neuen deutschen Welle die Ironie. Herpes verwuseln diese Elemente auf Das Kommt Vom Küssen in zehn Songs, die so dringlich daher kommen als hätte man schon immer auf sie gewartet. Mit den Fehlfarben und 1000 robota teilt man sich nun auch das gleiche Label (Tapete), worauf man sicherlich sehr stolz sein wird. Für die Erstgenannten und das sollte man durchaus als Kompliment auffassen, dürfen Herpes sogar als Support einspringen.

Herpes haben sich also für 2010 prächtig positioniert. Und dennoch: sieht man von diesen ganzen internen Labelbefruchtungen und dem zunehmenden Fahrtwind ab, mit dem die Berliner auf der Spree in Richtung Ozean schippern, so ist dieser ganze Trubel keinesfalls unbegründet. Auf Tapete blüht ein Pflänzchen, das sich arg nach einem größeren Topf sehnt. Da passt einfach alles: der PR-Gag mit dem Namen, zusammenhängend damit, all die ganzen Infektionsmetaphern, die sich herrlich in Sätze packen lassen und letztlich auch die druckvollen Songs.

Weniger ist mehr. Und besser.

Sinn macht auch der musikalische Ansatz von Herpes. Dieser dreht sich um die Pole Reduktion und Verdichtung. Ein Kniff, den auch schon Devo vom Punk und Dadaismus gelernt und noch weiter verfeinert haben. Gut, dass das heute auch noch funktioniert. Doch wohingegen Devo den Minimalismus zum alleingültigen Prinzip erhoben haben, ist die Verkürzung bei Herpes nur ein Versatzstück aus einem großen Ganzen und fungiert als ausbalancierte Betonfläche für die hysterischen Worthülsen von florian pühs, der es versteht Intelligenz und Banalität auf kongeniale Weise miteinander zu verbinden. Pühs bettet zweckentfremdete lebensphilosophische Phrasen in Sätze, welche keine Angst vor Milieus oder Klischees haben. Und obgleich Zeilen wie "Der Kühlschrank ist leer / und ich nehm alles schwer" (Verzettelt) im ersten Augenblick den Reim-Dich-Oder-Ich-Hau-Dich-Knopf zum Aufleuchten bringen werden, so stimmig sind diese Floskeln im musikalischen Kontext. Denn was bei dieser Reduktion übrig bleibt ist das Wesentliche, in das sich auch keine Metaebene mehr einziehen lässt. Was gesagt werden soll, wird gesagt. So deutlich wie möglich.

An anderer Stelle ist genau das Gegenteilige der Fall. Während Synthesizer und Bass die immer gleichen Töne von sich geben und dabei keineswegs langweilig werden, schafft es Pühs sich in Rage zu reden und holt die Postmoderne für circa zwei Minuten an ihren angestammten Platz zurück. Wie eilig zusammengefügte Collagen wirken daher die Berlin-Stücke von Herpes (An Einem Sonntag Im August, Galeristin, Very Berlin), die das Banale dem Politischen gegenüberstellen. Das kennt man natürlich von den Goldenen Zitronen oder von Peter Hein, aber Herpes bewahren sich hier ihre eigene Ausdrucksweise, ohne als billige Epigone durchzugehen.

foto: tapete records

herpes
"das kommt vom küssen"
tapete records, 2010, cd
herpes

600 Wörter [Nachbarn]

2010-02-21T15:18:00.001+01:00

Sorry, aber du hast den geilsten Arsch der Welt.

Als die beiden einzogen, es war gegen elf Uhr abends, fielen sie uns zunächst durch die lebendige Art auf, in der sie ihre Sachen – vermutlich riesige Kisten mit tonnenschwerem Inhalt – die Stufen des Treppenhauses hinauf in ihre Wohnung wuchteten.

Nach den ersten beiden Wochen sporadischem doch gleichwohl konstantem Lärmens – welches ich fälschlicher und wie ich später eingestehen musste auch unvorsichtiger Weise als Eingewöhnungszeit abtat – klingelte ich das erste Mal an der Wohnungstür. Es war nur ein paar Tage nachdem der Lange seinerseits bei uns klingelte und bat unser WLan mitbenutzen zu können, da das Ihre noch nicht eingerichtet sei. Nachdem wir dies arrangierten, wähnte ich mich – völlig fehleingeschätzt – in gewisser nachbarschaftlicher Solidarität. Ich wies ihn, nachdem der Lange die Tür öffnete, auf das Übertragen des dumpfen Basses aufgrund der häuslichen Bauweise hin und bat ihn darum die Musik leiser zu drehen. Sicher, das sei kein Problem. "Aber", fügte er hinzu als ich bereits im Begriff war mich zu bedanken und umzudrehen, er höre nun einmal gern Elektro und dabei wären die Bässe eben notwendig.

Als ich eines nachts aus dem Schlaf gerissen wurde, kapitulierte mein Unterbewußtsein längst davor, die Geschehnisse wie sonst üblich, in meinen Traum einzuarbeiten. Als ich soweit wach war zu verstehen was sich begab, hatte sich diese eine Zeile bereits irgendwo in meinem Hinterkopf festgesetzt: Du hast den geilsten Arsch der Welt. Ich konnte, obgleich mir das seltsame Stück zuvor niemals begegnet war, jedes Wort des unerträglich eingängigen und gleichwohl unseligen Textes verstehen; schließlich spielte sich alles so ab, als fände es tatsächlich in unserem Zimmer statt. Hellwach und gleichwohl mürrisch stieg ich die Treppe hinunter, klingelte und der Kleine betrachtete mich nach dem Öffnen der Tür mit seinem stets aus einer Mischung von Unsicherheit, Angst und Abwesenheit zusammengesetzten Blick. Noch bevor ich etwas sagen konnte wendete er sich nach hinten: "Deine Musik". Der Grund meines nächtlichen Besuchs schien offenkundig, sicherheitshalber stellte mir der Lange dennoch die vermeintlich rhetorische Frage: "Zu laut?" Als ich erwiderte, das Stück problemlos in unserem Zimmer mitsingen zu können, ließ er es zum ersten Mal fallen, dieses salopp hingenäselte "Sorry", welches so vielversprechend wie das Schaben von Fingernägeln auf einer Tafel klang.

Als ich einmal Vormittags die verschiedenen Angebote von Klingeltonvertreibern durch den Fußboden unseres Wohnzimmers wabern hörte, wusste ich zwar, dass die beiden fern sahen, dass dies allerdings die musikalische Untermalung beim Duschen war ergab sich mir erst, als mir der Lange in Unterhose und nassen Haaren aus dessen Bad anstelle - wie von mir erwartet - aus dem Wohnzimmer, wo sich der Fernseher – mitsamt der Subwooferei - befinden musste, entgegen trat. Das "Sorry" entglitt ihm, ohne dass ich etwas sagen musste.

Die vielversprechende Hoffnung die bei meiner Freundin an einem sonnigen Frühlingsmorgen aufkeimte, als wir vom donnernden Rumpeln unter uns geweckt wurden, glich zunächst dem süßen Wunsch, die beiden würden überraschend ausziehen – und diese Hoffnung erhellte sich noch einmal, als wir beim aus dem Fenster schauen tatsächlich einen Umzugswagen sahen, nur um alsbald einzusehen, dass dieser zu jemand anderem gehörte - nicht jedoch das Geräusch. Wir konnten niemals tatsächlich in Erfahrung bringen, was dieses ungewöhnliche, mit dem ein oder anderen freudigem Jauchzen begleitete Rumpeln, Quietschen und Poltern war, doch würde ich noch immer eine gehörige Summe darauf verwetten, dass die beiden sich an besagtem morgen einen elektrischen Bullen gekauft und in Betrieb genommen hatten.

Marcel Proust bemerkte einmal, es gäbe etwas, „das einen so sehr zur Verzweiflung treiben kann, wie ein Mensch es niemals könnte: ein Klavier“. Ich freue mich nachträglich für ihn, dass er nur einen Klavierspieler als Nachbarn hatte.
Text: Cosmo Kramer
illustration: j.e. støresund

Teen Vogue [An Insider's Guide to Careers in Fashion]

2010-01-14T18:28:00.002+01:00

Ein buntes und wild bebildertes Buch über Mode als Branchenzweig. Der selbsternannte „Insider's Guide“ gibt durch Berichte über Designer, Redakteure & Co preis, wie man sich einen Platz im Modebusiness erkämpfen kann und gibt dabei Ratschläge, die teilweise so banal sind, dass man sie von Mama nie ernst genommen hätte, es jetzt aber tut. Danke Karl, Anna und Stella.

"i think it's very important to be open and listen to other people's advice. but you have to make a judgment about what makes sense for you. you have to go with your instincts."
(alexander wang)

Mode ist ein kurzes Wort das gut klingt und einen jeden betrifft. Ob gewollt oder ungewollt, man hat mit ihr zu tun und kann ihr nicht entkommen. Selbst Nacktheit gilt streckenweise als Mode, betrachtet man Bilder des amerikanischen Fotografen Terry Richardson, die nur selten Getragenes zur Geltung bringen. Mode existiert schon immer, auch wenn es nie sofort diesem Titel zugeordnet wurde, und wird es immer geben. Das, was mit der Zeit entstand und sich immer ändern wird, sind die Geschmäcker, wie man Mode definiert. Was gilt als schön und trendbewusst und was als einfach untragbar.

Und weil es jeden betrifft, lässt sich auch so scheinbar einfach darüber schreiben. Eine Tatsache, die sich in den letzten Jahren in Form von etlichen Modeblogs verdeutlicht zu haben scheint. Weltweit präsentieren Kids, Jugendliche und zumeist junge Erwachsene sich und ihr Verständnis von Mode im Internet. Outfitposts, Laufsteganalysen, Kleidungswunschlisten und die neusten Errungenschaften werden online gestellt für jedermann. Und so lautet auch die Devise: jedermann. Denn jeder kann es sehen, jeder kann sich beteiligen und jeder kann es selbst machen. Die einen erfolgreicher als die anderen, die einen mit mehr Geist als die anderen, aber jeder kann es nun mal machen und das ist die Krux am weltweit grenzenlosen Internet. Könnte man meinen. Doch ist Mode nicht erst mit dem Internet interessant geworden, denn Mama trug schon vorher Moschinogürtel und wusste, was sich schickt.

Zudem bietet das Internet dem jungen Mensch von heute die Möglichkeit sich von der schwer greifbaren und schnelllebigen Welt abzuheben. Sein Ding zu machen und sich dies beispielsweise durch einen eigenen Blog zu visualisieren. Nämlich dass man etwas ist in dieser Welt und eigentlich gar nicht so alleine ist, wie man oft meinen könnte. Zumindest mit den Dingen, die einen alltäglich, sowie kulturell interessieren und inspirieren. Man fühlt sich gewissermaßen mit anderen verbunden, die ähnlich in der Mode ticken und es entsteht dadurch eine weltweite Gemeinschaft von jungen Menschen, für die das Hobby Mode entstanden ist.

In einer Zeit, in der der Arbeitsmarkt durchweg mies gemacht wird und es womöglich auch ist, haben junge Erwachsene dennoch den Anspruch einen Beruf zu finden, der sie erfüllt. Der ihren Interessen entspricht und auch Spaß bringen könnte, komme was wolle. Nur wie kommt man beruflich überhaupt dahin, wenn Mode mehr als nur ein Hobby sein soll?

Dieser Tatsache hat sich Big Boy Condé Nast angenommen und Ende letzten Jahres das "Teen Vogue Hand Book – An Insider's Guide to Careers in Fashion" rausgebracht. Knapp 270 buntgestaltete Seiten sollen dem Leser einen Eindruck davon geben, welche zahlreichen Berufsmöglichkeiten man im Modebusiness finden und wie man womöglich selbst ein Teil davon werden kann. Bekannte und weniger bekannte Gesichter der Branche erzählen von ihrem Werdegang, ihrem Arbeitsalltag und betonen strikt und oft, dass man an sich glauben und hartnäckig sein muss, um erfolgreich zu sein. Letzteres überrascht zwar nicht wirklich, dennoch kann ich nicht verleugnen, dass mir der ein oder andere Bericht Mut und Lust gemacht hat. Das Meer an Berufsmöglichkeiten dieser Branche zeigt sich in Interviews und Berichten der für das Buch ausgewählten Rubriken Designers, Editors, Stylists, Models, Beauty oder Photo. Die Liste der Designer ist die wahrscheinlich Gängigste von allen, bei der man an Namen wie Karl Lagerfeld, Stella McCartney, Philipp Lim, Marc Jacobs oder Alexander Wang nicht umher kommt. Doch wie schon erwähnt, nicht nur bekannte Persönlichkeiten geben etwas aus ihrer Arbeitswelt preis, auch weniger bis hin zu unbekannte Gesichter, wie beispielsweise Praktikantinnen, geben ihre Erfahrungen an den Leser weiter.

Für jemanden ohne Erfahrungen und wenig Wissen über die Modebranche, ist dieses Buch durchaus ein lesenswerter und informativer Einstieg und mit Sicherheit ist es auch für Modeaffine besonders spannend zu erfahren, was beispielsweise Designer Marc Jacobs oder US-Vogue Chefin Anna Wintour über die Branche und sich selbst zu sagen haben. Allerdings sollte man mit genug Abstand und Ernsthaftigkeit seine angestrebte Karriere in der Modewelt in Angriff nehmen und dieses Buch nicht als tägliche Bibel für seinen Traumberuf ansehen. Zudem ist es mit der Modebranche wie mit den meisten kreativen Branchen auch: es führen viele und viele verschiedene Wege zum Ziel, man muss nur Talent, Zielstrebigkeit, Leidenschaft und manchmal eine Portion Glück haben. Und auch mal auf Mamas Rat hören.
foto:

teen vogue
"the teen vogue handbook - an insider's guide to careers in fashion"
teen vogue

Woog Riots [Interview: "Ein bisschen Frieden"]

2009-11-13T09:12:00.012+01:00

Wie subversiv sind Irokesen? Warum lachen Amerikaner über Elefanten? Und warum kann man mit Nicoles „Ein bisschen Frieden“ keine Revolte mehr starten? Die Woog Riots haben sich für uns die Zeit genommen, um diese und andere Fragen zu beantworten. Mehr nach dem Klick!

"once i made a record / i did it for you all"
(woog riots)

Der Akt der juvenilen Verweigerung gegenüber dem – nicht immer im Einklang mit dem eigenem Weltbild befindlichen – Kodex der Elterngeneration wird zugegebenermaßen immer schwieriger. Selbst Irokesen verlieren ihren Reiz in einer dezidiert heterogenen Gesellschaft. Womit soll man noch schocken, wenn selbst der Schock ins Nachmittagsprogramm überführt wurde? Gestern erst wieder einen tapezierten Bankier mit mittellangen Haaren gesehen. Endlich, will man da sagen! Doch: gegen was und womit soll man nur rebellieren, wenn selbst Frisuren keinen subversiven Charakter vermitteln können? Geschlechterdispositionen? Anbiederung? Niedlichkeit? Nichts? Bitte kreuzen Sie an!

Die Formelhaftigkeit der Rebellion tragen Silvana Battisti-Rudow und Marc Herbert alias Woog Riots bereits im Namen und mag man den vielen Rezensenten ihres aktuellen Albums PASP vertrauen, so scheinen sie auch eine aktive, kritische Ader für sich gepachtet zu haben. Das will man gerne glauben, denn hinter PASP (People, Animals, Society, Places) verbergen sich wahrlich unumgängliche kritische Positionen, die es erst einmal aufzuzeigen gilt. Der Song „People Working With Computers“ ist in etwa eine stoische Allegorie auf den Fabrikarbeiter, der seinen Blaumann gegen eine Tastatur eingetauscht hat; ein anderes Beispiel ist „Paul McCartney“ – ein Abgesang auf den Patriotismus. Die Liste ließe sich fortsetzen.

Und sie fortzusetzen würde bedeuten den eigentlichen Akteuren hinter den Texten nicht gerecht zu werden. Denn die Woog Riots sind weit mehr als bloße Problemaufzeiger und weit mehr als systemkritischer DIY-Riot-Pop. Silvana Battisti-Rudow und Marc Herbert haben sich ihr eigenes Referenzsystem geschaffen, in dem es vor allem um gleichberechtigte Bereiche geht. Da steht Kritik neben Komik neben Authentizität und der eigenen musikalischen Sozialisation. Ständig blinzelt es von der Bühne, ständig wird versucht einen ebenen Raum zwischen Künstler und Publikum zu schaffen, ja die Grenzen aufzuweichen. Um diese Bereiche geht es auch in unserem Interview, dass wir mit den Woog Riots geführt haben.

Live

Ihr ward vor kurzem für ein paar Gigs auf der Insel. Im Prinzip war das ja nicht euer erster Ausflug in das vereinigte Königreich. Wie werdet ihr in England aufgenommen?
Woog Riots: Das war unsere dritte Woog Riots Tour durch UK, abgesehen von ein paar vereinzelten Konzerten, die wir zuvor bereits in London hatten. Gerade die letzte Tour wurde sehr euphorisch vom Publikum aufgenommen. Die „Crowds“ waren nicht riesig, was aber eher daran lag, dass wir die Tour über Freunde und befreundete Bands organisiert hatten, ohne große PR Unterstützung.

Gibt es Unterschiede zwischen dem deutschen und dem englischen Publikum?
WG: Die „native speaker“ freuen sich über die Texte und wir werden ganz oft nach den Konzerten begeistert angesprochen. Da kommen Doppeldeutigkeiten zutage, die uns selbst noch gar nicht aufgefallen sind. So geschehen auf unserer diesjährigen USA-Tournee, wo der Song „Elephants & Mirrors“ wegen der Textzeile „my trunk is so long“ besonders gut ankam. Im UK hat die Popkultur einen viel größeren Stellenwert als bei uns. Da kann man noch mit der Oma des Veranstalters über z.B. The Smiths fachsimpeln.

Wenn man euch live erlebt, kommt man nicht um den Begriff der Intimität umhin. Ihr erzählt persönliche Anekdoten, verteilt Instrumente und sucht den Kontakt zum Publikum. Dass allerdings ganz unkonventionell und unprätentiös – was durchaus als Kompliment aufzufassen ist. Das Ganze mutet auch oft wie ein Versuch an, die Grenzen zwischen Publikum und Künstler aufzuheben. Den Raum, sozusagen in einen ebenen zu verwandeln, in dem die Größenunterschiede nur noch anatomischer und nicht mehr künstlicher Natur sind. Ist das ein bewusster Akt?
WG: Es ist ein bewusster Akt, da wir uns nicht mit gespielter Coolness über unser Publikum stellen möchten. Je mehr Publikum vorhanden, desto schwieriger wird das dann allerdings. Das Publikum soll teilhaben an dem, was auf der Bühne geschieht. Das finden wir auch gut, wenn wir selbst im Publikum stehen, da wir sehr oft auf Konzerte anderer Künstler gehen. Da wird das Rock’n’Roll Schema schnell mal langweilig. Am liebsten ist es uns natürlich, wenn wir es schaffen, dass alle tanzen.

Wie wichtig ist euch Authentizität auf der Bühne? Oder anders gefragt: was versteht ihr unter Authentizität?
WG: Die eigene Ausstrahlung ist wichtig. Was nützt ein aufgesetztes Hochglanz-Image, wenn es nicht zu unseren kritischen Texten passt. Wir verstehen uns in gewisser weise ja auch als politisch. Manchmal sind wir allerdings schon hin- und hergerissen und überlegen, ob wir mal so auftreten sollten wie Kraftwerk oder Who Made Who. Wir hatten bereits ein Arbeitsgespräch mit einer befreundeten Theater-Regisseurin und da kam genau diese Frage auf, wie authentisch wir sein möchten. Schafft man eine Kunstfigur geht der enge Kontakt zum Publikum verloren. Da spricht dich keiner mehr an nach dem Konzert, das wäre dann auch schade.

Wie wichtig ist euch der Dialog mit dem Publikum?
WG: Nach dem Konzert unterhalten wir uns sehr gerne und sind offen für Fragen und Gespräche. Während des Konzerts animieren wir, mit uns in musikalischen oder tänzerischen Dialog zu treten. Der Dialog mit dem Publikum ist uns also sehr wichtig.

PASP

Auf eurem aktuellen Album PASP nehmt ihr vielfach Stellung zu zeitgeschichtlichen oder prekären Fragen. Das allerdings in einer ziemlich ungewöhnlichen Art und Weise. Manchmal werden Geschichten erzählt. Manchmal verhandelt ihr ziemlich hintersinnig alltägliche Probleme und stellt diese in einen ungewöhnlichen Kontext. Und des Öfteren erhält der Text häufig durch die musikalische Umsetzung eine durchaus ironische Brechung. In „People Working With Computers“ oder „Backstage Lemonade“ kann man das beispielsweise sehr schön nachhören. Habt ihr solche Interpretationsansätze im Kopf, wenn ihr an den Songs arbeitet?
WG: Wir mögen es, in unseren Songs, Position zu beziehen. So werden Themen und Sichtweisen vorgegeben, wobei noch Raum für weitere Interpretationen bleiben soll. In „Backstage Lemonade“ beschreiben wir Rollenerwartungen an Mütter und wie diese angeblich nicht mit einem Leben als Künstlerin zu verbinden sind. Im catchy Refrain singen wir dann aber nur über die Limonade, die Backstage zusammen mit der Mutter getrunken wird.

Wie entstand eigentlich die Idee euer aktuelles Album in die vier Kernbereiche People, Animals, Society und Places einzuteilen bzw. was bezweckt ihr damit?
WG: Die Kernbereiche haben sich beim Schreiben der ersten Songs bereits herauskristallisiert. Es gab Stücke über Menschen, Tiere und Orte. Die Idee daraus ein Konzept zu machen entstand also in der ganz frühen Entwicklung des Albums. Dank des roten Fadens, kann man die Platte als Gesamtwerk sehen. Wer PASP verstehen will, braucht mehr als nur einzelne Downloads der besten Songs.

Wie erarbeitet ihr euch eure Texte?
WG: Zuerst gibt es Akkordfolgen, die mit Blindtext zu Melodien zusammen gefügt werden. Der Blindtext besteht aus Fantasie-Englisch und hat schon den passenden Flow zum Groove. Im nächsten Schritt wird der Blindtext mit Worten gefüllt. Die Themen ergeben sich aus alltäglichen Erfahrungen, Beobachtungen und Gesprächen zwischen uns. Wir schreiben die Texte dann tatsächlich im Zwiegespräch.

Welchen Stellenwert hat Komik bei den Woog Riots?
WG: Wir sind humorvolle Menschen. Daher tragen wir ernste Themen auch gerne mit einem Augenzwinkern vor. Reines Lamentieren und Anklagen ist nicht unser Ding.

Musikalische Sozialisation

Wo würdet ihr eure Wurzeln verorten? Was sind eure Einflüsse?
WG: Da gibt es vielfältige Wurzeln und Einflüsse. Vom musikalischen Pop und Underground der Sechziger bis hin zur Gegenwart. Beeindruckt sind wir von der Gegenkultur der 60er Jahre als Kunst, Literatur, Komik und Musik mehr miteinander verwoben waren. Beim Punk gab es zum ersten Mal die Ermächtigung Musik mit einem Do-It-Yourself Ansatz zu machen. Die Bandvorbilder reichen von Velvet Underground, Television Personalites bis zu LCD Soundsystem und Hot Chip.

Ich würde gern noch ein wenig bei eurer musikalischen Sozialisation verweilen. Unter anderem habt ihr 2004 eine eigens initiierte Compilation in die Wege geleitet und herausgebracht auf der ihr The Fall und im Speziellen Mark E. Smith huldigt („Perverted by Mark E“). Ein Blick in das Booklet und auf die Riege der vertretenen Künstler (u.a. Barabra Manning, Jeffrey Lewis, Rockformation Diskokugel, Preston School of Industry und Tocotronic) lässt erahnen, dass ihr in dieses Projekt eine Menge Herzblut und Zeit investiert habt. Was ist das Besondere an The Fall?
WG: Wir haben schon seit den 80ern The Fall gehört und waren fasziniert von Mark E. Smith. Die Radikalität seines nöligen Sprechgesangs, die permanente Repetition in Text und Musik, das Offensein für diverse Stilmittel wie z.B. Elektronika und Danceelemente ist wohl einzigartig. Die Idee zum Sampler kam nach einer Woog Riots Probe zustande. Wir stellten damals fest, dass wir schon einige Songs von befreundeten Bands über The Fall kannten. Zusammen mit unserem damaligen Bassisten Mathias Hill (Rockformation Diskokugel) haben wir dann alle möglichen Bands angeschrieben und um Songs über oder Coverversionen von The Fall gebeten. So kam dann schnell eine Doppel-CD zusammen.

Eure Zuneigung zum New Yorker Anti-Folk lässt sich nicht verheimlichen. Für den Song „Backstage Lemonade“ konntet ihr sogar Kimya Dawson gewinnen. Wie kam zu dieser Kooperation?
WG: Die Zuordnung zum New Yorker Antifolk ist eigentlich nie beabsichtigt gewesen. Wir mögen Moldy Peaches, weil die Art und Weise, wie der Gesang zwischen Kimya Dawson und Adam Green aufgeteilt wurde, uns sehr gut gefiel. Das interessanteste an der Antifolk-Szene ist das „Networking“. Man tauscht sich aus, geht gegenseitig auf Konzerte und hilft beim Buchen von Konzerten. Als Kimya auf Deutschland-Tournee war, hat sie einen „childsafe“ Übernachtungsplatz gesucht. Silvana hatte angeboten, dass sie bei ihr übernachten könne, da sie selbst Kinder hat. Der Song „Backstage Lemonade“ hat Kimya gleich gefallen, sie kannte die Problematik aus eigener Erfahrung. Wir haben ihre Vocals dann direkt nach dem Frühstück aufgenommen.

Mit wem aus der New Yorker Anti-Folk-Riege würdet ihr sonst noch gerne eine Kooperation eingehen?
WG: Am ehesten noch mit Beck, weil er es geschafft hat, klassisches Songwriting mit Dance- und Elektro-Elementen zu verbinden. Adam Green haben wir ja bereits auf unserer ersten Single mit „Friends of Mine“ gecovert.

In einem Interview soll Jonathan Richman mal gesagt haben: „Es gab in den Siebzigern keine größere Provokation, als nett zu sein!“ Etwas Ähnliches hat Intro-Redakteur Benjamin Walter über euch gesagt. Auf der einen Seite, beschreibt er einige eurer Songs vom Inhalt her als gesellschaftskritisch und auf der anderen Seite lobt er, dass man euch vordergründig auch einfach nur charmant finden kann. Liegt gerade in der Niedlichkeit ein Akt der Rebellion?
WG: Uns hat die Zuschreibung „Niedlichkeit“ eher geschadet. Wir hatten den Eindruck, dass wir in Deutschland dadurch weniger ernst genommen wurden und der Hörerkreis begrenzt blieb. In den Siebzigern mag das vielleicht noch provokant gewesen sein, aber seit Nicoles „Ein bisschen Frieden“ kann man damit auch keine Riots mehr starten.

Vielleicht verbirgt sich hinter dieser „Niedlichkeit“ auch eine sehr subversive Art der Kritik. Da kommt zum Beispiel so ein Song wie „People Working With Computers“, der unheimlich rhythmisch und tanzbar ist. Vom Text her wirkt er jedoch fast stoisch und beschreibt den modernen Fabrikarbeiter, der seinen Blaumann gegen eine Tastatur eingetauscht hat. Doch auch dieses Konzept geht auf, denn die Vortragsweise passt sich vielmehr dem Inhalt an. Wie schwierig ist es direkte Kritik zu üben?
WG: „Autobahn“ von Kraftwerk wurde nie als niedlich bezeichnet, obwohl der Text sehr einfach und eingängig war. So gesehen finden wir den Begriff „stoisch“ passender. „Click, Click, Click“, der Refrain von „People Working with Computers“ ist sehr einprägsam und funktioniert mittlerweile unter Fans wie ein Code. Gleichzeitig beschreibt „Click, Click, Click“ aber tatsächlich auch die Monotonie an vielen Bildschirmarbeitsplätzen. Also liegst Du ganz richtig mit Deiner Vermutung, dass wir eher subversive Kritik üben wollten, als falsch verstandene Niedlichkeit zu vermitteln. Direkte Kritik klingt dann eher nach Polit-Barde oder Deutsch-Punk, das ist uns zu wenig Pop. Direkte Kritik nach Art der Goldenen Zitronen finden wir allerdings sehr gut.

Noch eine Frage zum Schluss: Wann wird man wieder ein neues Album von den Woog Riots erwarten können?
WG: Im Herbst 2010 soll unser neues Album „Futurology“ erscheinen. Natürlich auch wieder ein Konzeptalbum ...

Danke für das Interview!
fotos: per schorn

woog riots
"pasp"
what's so funny about / indigo, 2008 CD
woog riots zuhause

woog riots
"strangelove tv"
what's so funny about / indigo, 2006 CD

Telekaster [The Silent Anagram]

2009-11-07T08:32:00.005+01:00

The Silent Anagram ist ein Gebilde aus Klangräumen, das beruhigender in seiner Unruhe kaum sein könnte. ‚All is sound’. Und so verliert sich auch die Stille im Klang und lässt das, was zwischen Kopf und Herz ist, im Gleichklang aus dem Takt schlagen.

"all that is solid melts into noise."

Es ist Nacht. Ich greife meine Kopfhörer, lege die Platte vorsichtig auf den Plattenspieler, warte bis die Nadel sich senkt und höre. Der erste Raum öffnet sich. Es fängt an zu Klackern, zu Rasseln. Ein Klavier schleicht sich dazu und beginnt ein niemals enden wollendes Intervall. Immer wieder finden sich dazu neue Klänge, Geräusche. Eine Melodica spielt eine scheinbare Melodie, die doch keine ist. Rauschen, Klappern, es regnet, drückende Störgeräusche, Instrumente. Sie spielen, stehen nebeneinander und bilden darin ein verlässliches Gefüge, das in seiner Monotonie beruhigend klingt (A Shift Full Of Shapes). Dann plötzlich der nächste Raum. Noch im Nachhall des vorigen wird es sphärischer, dröhnender. Dann Klangspiele. Tief und voll wie Kirchenglocken, hoch und metallisch hallend wie kleine Glöckchen. Es klingelt ruhig aber scheinbar willkürlich aus allen Richtungen. Doch auch hier findet sich ein Gerüst, das verhindert ins Haltlose zu fallen und das mit der Zeit unterschiedliche Assoziationen und Erinnerungen wachrufen kann (We Are All Balloons).

Im dritten Raum (Pyramids) ist es ruhiger. Er steht für sich, umgrenzt von den anderen. Wieder ein Klavier. Ein neues ewiges Intervall. Der Fall ist tiefer, die Geräusche dazu wieder rauschig und elektronisch, aber angepasster. Warm und wohlig. Entspannung. Zurücklehnen. Und wirken lassen. Das Klavier pendelt wie eine Lebensader ruhig vor und zurück. Immer weiter, wie tiefe Atemzüge. Ich sitze da, schließe die Augen und werde aufgesogen. Das Rauschen und Flirren nimmt zu und übertönt fast das Klavier, aber es findet zurück zur einfachen Melodie einer Geige. Der Raum ist erfüllt und es gelingt nur schwer in den nächsten einzutauchen.

In diesen werde ich hineingeworfen. Tauche wieder auf und höre den Lebensklang vom Klavier zuvor auf elektronischen Saiten. Es hat sich umgekehrt. Klingt fordernder. Dann gebrochene Gitarrenakkorde, wieder keine wirkliche Melodie. Aber auch hier das Gefühl bleiben zu wollen. Doch der Raum zieht sich plötzlich in sich zusammen und verschwindet (A World Full Of Ordinary Things). Die Nadel hebt sich und ich sitze da und höre die Stille. Sie rauscht.

Auf der zweiten Seite tauchen neue Räume auf. Sie kommen mir bekannt vor und sind doch neu. Stille Anagramme. Manches verdichtet sich noch mehr, anderes löst sich. Es wird orchestral und kurz hallt eine Stimme fern zwischen all dem Klang, wie ein Klagelied. (All That Is Solid Melts Into Noise). Dann wieder Knistern und Flirren. Ein Raum mit schönen Klängen und Störgeräuschen die an entfernte Presslufthammer erinnern (Where Driving Bells Are Ringing). Dann, nach einem Dröhnen im Kopf, wieder das ambientartige elektronisch Schwebende. (Your Fireworks Brighten My Sky). Zum Schluss der letzte Raum. Man betritt ihn nach einem sanften Übergang und wird dann durch diesen Klang überrascht. Etwas das so vertraut klingt und doch nicht einordbar ist. Ein bisschen wie knirschende Frösche an einem Sommerabend. Aber eben auch nicht wirklich. Es ist anders und mehr. Afrikanische Insekten sind es in Wirklichkeit. Ein unglaublicher Klang. In dem Raum wirkt alles schneller und lebendiger als vorher. Wie ein Aufbruch und ein Finale. Die Ruhe darin geht trotzdem nicht verloren. Klangspiele, die Frösche, gezupfte Saiten, Klingeln, die ewigen Wiederholungen. Nach vier Minuten reduziert sich langsam alles und zurück bleibt die Konzentration auf dieses Geräusch, bis sich die Nadel erneut hebt (No Moving Parts Contained). Die Stille rauscht immer noch. Aber sie ist sehr bewusst.

Eine unruhig beruhigende Platte. Sie bewegt sich zwischen geerdet warm und elektronisch kühl, ist schön und beschleichend, rauschig störend, melodiös ohne Melodie, tonal und atonal. „Monotony is intensity“ – die Intensität der Monotonie. Je genauer man hinhört, desto mehr wird es. Je weiter man sich entfernt, desto einheitlicher wirkt es. Und manchmal ist es auch umgekehrt. Immer wieder neue Geräusche, neue Klänge. Sie bilden Räume ohne feste Wände und letztlich immer auch Gefühl. Denn es gibt keinen Text, keine konkreten Melodien an denen man sich festhalten kann. Es gibt nur das, was die Musik mit einem macht. Es ist Musik für die Nacht, denn die Dunkelheit schluckt alles was ablenken könnte. Und so kann zwischen dem Störenden und Rauschenden in der Musik das gefunden werden, was sich durch alle Klangräume durchzieht. Etwas universell Lebendiges und gleichzeitig Verwurzeltes. Ein Klang für sich alleine. Teilbar, aber allein vielleicht doch am schönsten.

Telekaster ist ein Projekt von Matthias Grübel. Als phon°noir hat er bereits zwei Platten veröffentlicht, arbeitet an verschiedenen Theaterprojekten mit und geht mit seinem neuen Soloprojekt Telekaster einen weiteren eigenwilligen Weg. Unterstützt wird er dabei von dem Videokünstler Stefan Bünnig, der auch bei Liveauftritten die Musik visuell untermalt. Das Album The Silent Anagram ist ausschließlich als Vinyl auf dem britischen Label Panic Arrest erschienen.

Das naheliegendste und vielleicht auch schönste Anagramm von silent ist übrigens listen. So listen. Silently…
foto: mike ruiz

telekaster
"the silent anagram"
panic arrest, 2009 lp
telekaster

3 Kurze [Culture Reject, Eamon McGrath, Clorinde]

2009-10-22T14:59:00.013+02:00

"come culture reject expect respect / you protect what is good ."
(inside the cinema, culture reject)

Immer wieder schön, wenn man in den allmonatlichen Veröffentlichungen noch kleine Perlen entdeckt, die von solcher Strahlkraft sind, dass man sie am liebsten an einem bedächtigen Ort für die Nachwelt ausstellen möchte. Platten, auf die man verweisen kann, wenn wieder die Rede ist vom Nachlassen der Qualität in der Popkultur. Platten, die nicht nachträglich als Staubfänger im Regal landen. Eine Platte wie zum Beispiel das selbstbetitelte Album des Kanadiers Michael O’Connell, der unter dem Pseudonym Culture Reject sein Debütalbum kürzlich bei White Whale Records vorgelegt hat.

Bei Culture Reject bekommt man wirklich Lust die LP wieder als Ganzes wahrzunehmen, anstatt sich von Single zu Single zu hangeln und sich im Vorfeld erst einmal durch halbgare bis mittelprächtige Songs wühlen zu müssen. Dieses ganze Selektieren wird man bei Culture Reject vermissen, denn konzeptuell dreht sich bei dem Kanadier alles um einen homogen Sound, um Anknüpfungspunkte zwischen den Songs und um Motive, die in veränderter Form von Track zu Track getragen werden. "Fast schon klassisch" könnte man da in den Raum werfen. Und so intuitiv diese erste Vermutung auch anmuten mag, um den Sound von Culture Reject zu beschreiben, so greifbar und triftig ist sie jedoch auch. Schon der Opening Track "Ain’t it on the Floor" wird von einem durchaus präsenten Glockenspiel begleitet, welches immer wieder durch andere Instrumente durchbrochen wird. Nicht mehr ganz so minimalistisch wirkt "Inside The Cinema" – direkt im Anschluss. Das Glockenspiel hört man hier vergeblich, ansonsten aber Bombast und repetitive Motive, die nacheinander von verschiedenen Instrumenten aufgenommen werden, sich ablösen, wiederkehren und später für immer im unteren Frequenzbereich der Lautsprecher verstummen.

Die einzige Komponente, die in dieses Schema nicht so ganz reinpasst ist der Bandname. Culture Reject beschreibt, im übertragenden Sinne, ein kulturelles Abfallprodukt, das man in den 11 Songs des Albums vergeblich suchen wird. Ein anderes kleines Manko mag sich auch bei der Umsetzung der Songs ergeben, denn Culture Reject ist in erster Linie der Multiinstrumentalist Michael O’Connell, der einfach gerne seine Bekannten zu sich ins Studio einlädt, um dann die inspirierendsten dieser Momente auf Band festzuhalten. Auf Tour wird er, wenn er nicht gerade mit allerlei Samplern und Sequenzern solo unterwegs ist, von Benji Perosin und Bernardo Padron (verantwortlich für die Bläsersektion), Paul Costello (Bass/Percussion) und Dylin North (Schlagzeug) unterstützt.

Bleibt nur noch abzuwarten, wie sich Michael O’Connell im November hierzulande präsentieren wird. Der Bonus im gleichem Atemzug mit Chad VanGaalen genannt zu werden, wird ihm hoffentlich volle Häuser bescheren. Culture Reject Live: 01.11. Galao (Stuttgart) /// 03.11. Mme. Claude (Berlin) /// 04.11. Keller Kunsthochschule (Kassel) /// 05.11. Schokoladen (Berlin)

Eamon McGrath hat mit Michael O’Connell jedoch nur wenig gemeinsam. Na klar, beide sind Kanadier, beide haben sich einen Ehrenplatz in der Riege von White Whale Records verdient und beide werden sich den Herbst über in Europa den Arsch abspielen. Aber so allmählich versickern auch schon die Argumente des Vergleichbaren. Eamon McGrath ist im Gegensatz zu Michael O’Connell ein bierseliger Geschichtenerzähler, der sich vielmehr in zwielichtigen Kaschemmen zuhause fühlt, als in der Gesellschaft von Kunststudenten jenseits der Festanstellung.

Gerüchten zufolge soll der nicht mal Zwanzigjährige McGrath schon unglaubliche 18 Alben mit gerade mal 100 Songs in seinem Kämmerlein produziert haben. Davor sollte man getrost den Hut ziehen, das heißt wenn diese Infos ihre Richtigkeit besitzen. Was man jedoch ohne Zweifel sagen muss, ist der Fakt, dass McGrath auf "13 Songs of Whiskey and Light" eine unglaublich rohe, alles vereinnahmende Energie versprüht, die hoffentlich der Anfang einer großen Karriere als erdiger Singer-Songwriter mit Hang zum psychedelischem Punk und Karohemden sein wird. Vergleichsweise könnte da der junge Bruce Springsteen herhalten, dessen Alben "Greetings from Asbury Park, N.J." (1973), "The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle" (1973) und "Born to Run" (1975) so etwas wie ein Blaupause für bluesige Singer-Songwriter sind. Doch wobei Springsteen in diesen Jahren immer wieder die Nähe zum Soul gesucht hat, gibt es bei Eamon McGrath soulige Momente nur als Reibungswärme auf der Tanzfläche: roh, kurzweilig und kathartisch. Gitarre einstöpseln. Gain hoch drehen. Einzählen. Fertig.

Doch das soll nicht heißen, dass McGrath nur Testosteron und juvenile Energie versprüht und dass nach der großen Verpuffung keine großen Taten folgen. Ganz im Gegenteil. McGrath ist, wie auch sein herbeizitiertes Vorbild Springsteen, ein exzellenter, bisweilen sogar ausdrucksstarker Geschichtenerzähler, der seine Zuhörer durch lebensnahe Berichte von der Talsohle des Lebens in den Bann zieht. Addiert man dazu noch seine charismatischen Live-Performances wird man sicherlich besser verstehen, warum McGrath seine Texte eher schreit als singt. Er will sich Gehör verschaffen, obwohl er das eigentlich nicht müsste. Die betörende Lautstarke ist eher ein Nebenprodukt. Notfalls lässt sich die Bedächtigkeit, die die Geschichten, wie McGrath sie erzählt, eigentlich verlangen, zuhause herstellen - auf der heimischen Stereoanlage.

Bedächtigkeit ist allerdings auch ein gutes Stichwort, um den Ansatz des italienischen Ambiet-Duos Clorinde zu beschreiben, die derzeit auf "The Creative Listener" die Rückkehr zur Langsamkeit feiern.

Clorinde haben ihren Namen vermutlich einem Asteroiden zu verdanken, der 1889 von Auguste Charlois entdeckt wurde. Falls das jedoch nicht der Fall sein sollte, dann haben sich die Brüder Andrea Salvatici and Simone Salvatici wenigstens einen wirklich wohl klingenden Namen für ihr Projekt ausgewählt. Homogen ist auch ihr Ansatz von Musik, der immer wieder verschiedene Instrumente miteinander kombiniert, die in dieser Form höchstens bei den experimentellen Isländerinnen von Amiina oder bei Hauschka zu hören sind. Da finden sich neben den herkömmlichen Saiteninstrumenten, die die Popmusik für sich gepachtet zu haben scheint unter anderem auch Xylophone, Glockenspiele, analoge und digitale Synthesizer und auch diverses Schlagwerk.

In der Summe fallen die kleinsten Teile jedoch nur noch als bloße Geräusche auf. Als Versatzstücke, die miteinander spielen und sich umkreisen, die sich ohne Herkunft in den cinemascopen Sound von Clorinde einspeisen lassen. Bei der Fülle an Instrumenten, die auf "The Creative Listener" verwendet werden, hört man auch irgendwann auf, nach ihren eigentlichen Namen zu forschen und gibt sich ganz der Versenkung hin. Man lässt sich in den Strom hineinziehen.

Culture Reject
"s/t"
white whale records, cargo 2009 cd
Culture Reject

Eamon McGrath
"13 songs of whiskey and light"
white whale records, cargo, 2009, cd
Eamon McGrath

Clorinde
"the creative listener"
etruscan records, 2009, cd
Clorinde

кожа [Lebensborn]

2009-09-25T13:47:00.009+02:00

Lebensborn fordert heraus und bringt seinen Hörer an die Grenzen dessen, was man sich selber zumuten möchte. Denn mit Lebenbsborn zieht кожа den Hörer hinab in die schattig-schwarzen Abgründe, die unsere Gesellschaft heute, ebenso wie in der Vergangenheit, zu bieten hat. Lebensborn holt einen mitten hinein in alles, vor dem es viel einfacher ist die Augen zu verschließen.

"There is no control of what can’t be controlled."
(meatmarkets II)

Mit Lebensborn betitelten die Nazis Heime, in denen "erbgesunde", "reinrassige" Kinder verschwiegen geboren werden konnten. Ziel dahinter war es die "arische" Rasse anwachsen zu lassen. Ein absurdes wie beklemmendes Vorhaben. Ebenso beklemmend breitet sich Lebensborn als zweites eigen -ständiges Album des Musikers und Produzenten Mirco Dalos aus, der zunächst als Koza und mittlerweile unter dem Namen кожа (russisch: Haut) arbeitet. Musikalisch wird er unterstützt von einer, von ihm selbst so bezeichneten, Biomasse an Musikern, bei der es sich zum Großteil um von ihm bereits produzierte Künstler handelt.

Sich Lebensborn zu nähern bedeutet sich in erster Linie inhaltlich einzulassen. Nur musikalisch verfehlt es seinen Sinn. Denn in sieben Stücken leitet кожа in sieben Abgründe, in die der Hörer mal subtil mal sehr deutlich gelenkt wird. Die Musik tritt dabei fast in den Hintergrund, ist aber dennoch präsent und wohl gewählt. Sie zu greifen ist schwer. Jedes Stück hat nicht nur inhaltlich sondern auch musikalisch einen eigenen Charakter. Mal düster, mal stampfend, mal kriechend, mal barsch. Die jeweils unterschiedlichen Sänger unterstützten diesen Eindruck zusätzlich.

In den ersten Abgrund (Meridian) fällt man blindlings und ahnt nicht, wie tief der Fall wird. Zunächst spricht Adorno in einer Art Prolog über die nahezu Unmöglichkeit wirklicher Kunst in der verwalteten Welt nach der europäischen Katastrophe in Form des Holocaust. Es kann keine wirkliche Kunst geben ohne die Auseinandersetzung mit dem was geschehen ist. Und nach Adorno schafft es kaum jemand, sich dieses Hinsehens zu stellen. Aber dann wird hingesehen und erzählt. Zu stampfendem Rhythmus von dem Geburtstag eines kleinen Jungen. Es geht um schwere Kindesmisshandlung und die Hölle, die ein Elternhaus sein kann. Und die Narben, die niemals wirklich verschwinden. Zu ahnen, dass eine Last an autobiographischen Erinnerungen in diesem Text verarbeitet ist, lässt einen kaum aushalten, was in die Ohren drückt. Es ist vielleicht der härteste Einstieg, den man für eine CD wählen kann. Nicht weiter hören wollen ist ein großer Impuls. Aber in Verbindung mit den Worten Adornos erhält Meridian nach mehrfachem Hören eine weiterreichende Fragestellung, die über die CD hinaus wirkt. Ist das ‚Abnormale’ doch gewollt in einer verwalteten und kontrollierten Welt, und gilt dann selbst Kindesmisshandlung als tolerierte, aber kontrollierte Nische? Und wenn ja, wer profitiert dann davon? Etwas das jeder für sich selber beantworten muss. "Lebensborn" widmet sich dem scheinbar Abnormalem und gleichzeitig dem verwaltet Normalen und es wird deutlich, wie milchig die Grenzen dazwischen liegen.

Nach Meridian wird die Platte anders. Nicht leicht, nicht hell, das wird sie nie, aber anders. Melodischer, musikalischer. Die Themen bleiben weiter bedrückend. Der gewollt genormte identitätslose Mensch (Lebensborn), die Indoktrinierung durch medial verfügbaren Dreck (Your Televangelist), die Fäulnis zwischenmenschlicher Beziehungen (Sound fingers).
In Fearsome Freezone mischen sich vordergründig harmlose Volkslieder mit Zeitzeugen-Aussagen über das KZ Treblinka sowie Auszügen aus einem Interview mit Raul Hilberg zu einem grotesken Blick auf das, was Menschen bereit sind zu verdrängen, obwohl es so deutlich vor ihnen liegt.

кожа scheut sich nicht den Finger gesellschaftskritisch in die Wunden zu legen, verzichtet dabei aber darauf den moralischen Zeigefinger in die Höhe zu recken. Im Gegenteil fordert "Lebensborn" den Hörer heraus sich nicht nur bedienen und beschallen zu lassen, sondern sich mit dem Gehörten auseinander zu setzen und schließlich auch sich selbst zu hinterfragen. Denn es ist sicherlich nicht verwerflich sich gegen Lebensborn zu entscheiden. Manchmal kann man nichts anderes als die Augen zu schließen. Zu verschließen. Weil es unaushaltbar ist immer hin zu sehen, hin zu hören. Aber letztlich sind wir auch erfahren genug um zu wissen, dass das, vor dem man die Augen verschließt, dennoch da ist.
foto:

кожа
"lebensborn"
data file music, 2009 cd
кожа

Essay [Wer hat Angst vorm schwarzen Mann?]

2009-09-20T15:17:00.021+02:00

Morbides Kinderspiel oder kollektive Angstpsychose? Die Figur des schwarzen Mannes ist ein ambivalenter Topos in der Literatur- und Filmgeschichte. Ob als Gewaltverbrecher in M – Eine Stadt sucht einen Mörder oder als Sandmann bei E.T.A. Hoffmann, der schwarze Mann ist stets pathologisch.

welches Recht habt ihr zu urteilen! wer seid ihr denn… alle miteinander? verbrecher!
(peter lorre in m – eine stadt sucht einen mörder)

Wer hat Angst vorm schwarzen Mann? ist der Titel eines Kinderspiels, welches sich in mehreren Variationen bis in die heutige Zeit gerettet hat. Der schwarze Mann ist dabei der Häscher. Derjenige, der die anderen Mitspieler immer wieder auffordert, in die Ecke drängt und auf seine Seite zieht. Und obwohl seine Gegner auf die Frage, ob noch jemand Angst vor ihm hat, beständig mit „Niemand“ antworten, so zieht der schwarze Mann im Spielverlauf seine Kreise, tippt seine Gegner an, die dann durch Aufforderung für ihn agieren.

Psychoanalytisch gilt der schwarze Mann jedoch als Inbegriff der kindlichen Angst – eines kollektiven Unbewussten. Jener wird deshalb auch von manchen Eltern eingesetzt, um die Kinder zur Raison zu bringen und sie im Endeffekt auch einzuschüchtern. Das Szenario wird vermutlich jeder kennen: Nach dem Sandmännchen kommt die allseits bekannte Frage: „Darf ich noch ein bisschen fernsehen?“ Mutter und Vater suchen dann händeringend nach Formeln, um das Kind ins Bett zu bewegen. Wenn gar keine Argumente mehr fruchten, versuchen sie es mit dem schwarzen Mann oder einer anderen Kinderschreckfigur: „Tu was ich sage oder der schwarze Mann wird dich holen.“ Das Kind wird dann nörgelnd die Segel streichen und sich fügen. Was die Autorität der Eltern nicht vermochte, wird durch eine fiktive Gestalt erreicht.

Eine Figur ähnlicher Prägung ist der Sandmann, der entgegen der heutigen Annahme, im 19. Jahrhundert noch deutlich abgründigere Charakterzüge trug. In E.T.A. Hoffmanns gleichnamiger Erzählung ist der Sandmann ein Schreckgebilde mit wandelbarem Gesicht, das nachts den Kindern Sand in die Augen streut und im schlimmsten Fall diese dann herausreißt. Was an dieser Erzählung fehlt, ist die Illusion einer intakten Welt: der lange schlohweiße Zottelbart des kleinen Männchens, das wir heute Sandmann nennen, die Heimeligkeit beim Betrachten desselben und die darauffolgenden Kindergeschichten vor dem Fernseher. Der Sandmann Hoffmanns ist ein albtraumhaftes Gegenstück, das nicht viel mit seinem modernen Vertreter gemeinsam hat.

In Jon J. Muth Graphic Novel M (erstmalig 1990 publiziert, seitdem leider vergriffen, jüngst wiederveröffentlicht bei Cross Cult) fehlt ebenso die Illusion einer intakten Welt, denn der schwarze Mann ist in diesem düsteren Szenario in der Gestalt eines Kindermörders Realität geworden. Während Hoffmanns Figur des Sandmanns noch Teil einer psychotischen Traumwelt zu sein scheint, tritt der schwarze Mann in M als ein Albtraum in die reale Welt.

Nach Klaus und Klara Klawitzky wird nun auch Elsie Beckmann vermisst, die mit ihren Freundinnen Ball spielen war und danach nicht zurückgekehrt ist. Alles deutet auf ein Verbrechen. Die städtische Bevölkerung gerät daraufhin in einen andauernden Alarmzustand, doch er, der schwarze Mann ist nicht aufzufinden, denn er hat kein Gesicht. Alle sprechen darüber und keiner weiß, was geschehen ist. Es folgen psychotische Szenen auf der Straße. Bekannte werden denunziert etwas mit dem Morden zu tun zu haben, Passanten werden auf dem Bürgersteig angehalten, weil diese sich mit Kindern unterhalten haben. Als die Polizei weiterhin im Dunkeln tappt, obgleich sie den Fahndungsbereich bin ins Unermessliche ausweitet und immer öfter Razzien im Rotlichtviertel durchführt, beschließen die Barone der Unterwelt selbst nach dem Täter zu suchen. Daraufhin werden an jeder Straße und an jedem öffentlichen Ort Posten aufgestellt, um die Umgebung zu scannen. Mit verschiedenen Mitteln kommen Kriminalisten sowie Kriminelle auf die Spur des Täters. Doch wohingegen die Polizei lediglich die Wohnung und den Namen des Täters ermittelt hat, wird der Mörder von den Baronen der Unterwelt gestellt und soll in einem Prozess der Schuld überführt werden.

In diesem film noir-ähnlichen Setting verbirgt sich ein düsteres Sittengebilde, das Jon J. Muth in gedeckten Braun- und Grautönen nachzeichnet. Inspiriert wurde die Graphic Novel von der gleichnamigen, filmischen Vorlage von Fritz Lang aus dem Jahre 1931. Textlich hält sich Muth dabei sehr stark an das Originaldrehbuch von Lang und Thea von Harbou. Doch M ist – bildlich gesehen – keineswegs eine Kopie des Originals, denn Muth hat die prägnantesten Szenen und Einstellungen aus Langs Film mit einer Gruppe von Schauspielern in Cincinnati nachgestellt. Diese Eindrücke hat er fotografiert und später mit Tusche und Pinsel reinszeniert. So treffen in der Graphic Novel fotorealistische Szenen auf nachgefärbte Hintergründe und einzelne Figuren und Objekte erhalten so eine völlig neue Akzentuierung. Im letzten Kapitel beispielsweise, in dem die Geschichte ihren Höhepunkt erreicht und der Mörder Hans Beckert verurteilt werden soll, scheinen sich die Panels mehr als sonst aus dem Seitenkontext herauszulösen. Sie verschwimmen in einem Film aus Ölfarbe, zwischen Mimesis und Verfremdung, zwischen Ohnmacht und Angst.

Fritz Langs filmische Vorlage

M ist ein wahrer Motivschatz – bildlich wie inhaltlich – und überaus interessant für Comic-Liebhaber. Doch dies ist nicht einzig Jon J. Muth zu verdanken, sondern resultiert auch aus der wirklich dichten Atmosphäre des Films von Fritz Lang. Lang wiederum ist einer der großen Regisseure des europäischen Kinos (Metropolis, Das Cabinett des Dr. Caligari, Die Frau im Mond) und kreierte mit M – eine Stadt sucht einen Mörder nicht nur einen der ersten Tonfilme, sondern auch ein klaustrophobisches Meisterwerk des expressionistischen Kinos.

Bei der Recherche interessierte Lang vor allem das gesellschaftliche Klima der Weimarer Republik und im Speziellen die Auswirkungen von Gewaltverbrechen auf das gesellschaftliche Miteinander: „In den meisten Fällen findet man eine fast gesetzmäßige sich wiederholende Erscheinung der Begleitumstände, wie die entsetzliche Angstpsychose der Bevölkerung, die Selbstbezichtigung geistig Minderwertiger, Denunziationen, in denen sich der Hass und die ganze Eifersucht, die sich im jahrelangen Nebeneinanderleben aufgespeichert hat, zu entladen scheinen, Versuche zur Irreführung der Kriminalpolizei teils aus böswilligen Motiven, teils aus Übereifer.“

Daher beginnen Film und Graphic Novel mit einer befremdlichen Sequenz. Man erblickt die Skyline einer unbekannten Stadt – vom Dialekt ihrer Bewohner durchaus mit Berlin vergleichbar –, im nächsten Strip sieht man spielende Kinder, die dabei ein morbides Lied singen: „Warte, warte nur ein Weilchen, / bald kommt der schwarze Mann zu dir, / mit dem kleinen Hackebeilchen, / macht er Schabefleisch aus dir.“ Vorlage dieses schrecklichen Liedes ist Fritz Haarmann, der von 1918 bis 1924 24 Jungen ermordet hat. Die breite Berichterstattung des Falles Haarmann alarmierte die Öffentlichkeit in der Mitte der 1920er Jahre und schuf, neben einer Sensibilität für das Thema des sexuellen Missbrauchs, eine flächendeckende Angstpsychose in der Bevölkerung, denn was Haarmann getan hatte, schien auf einmal überall möglich.

M – Ein moralischer Appell?

Der Haarmann in M ist ein Mann aus der Mittelschicht, der eine ganze Stadt in den Alarmzustand versetzt. Als Hans Beckert (In Fritz Langs Film wird dieser durch Peter Lorre verkörpert) erhält er seine bürgerliche Identität, sein wahrer Charakter ist jedoch weitaus psychotischer und absolut gefährlich. Beckert ist klar ersichtlich ein Wahnsinniger mit einer multiplen Persönlichkeit. Während sein bürgerliches Ich unter seinen Taten leidet, sichtet sein psychotisches Ich schon das nächste Opfer. Dieser Umstand verleiht der Figur eine moralische Ambivalenz, die sich am Offensichtlichsten in der Gerichtsverhandlung zeigt. Beckert wird von den Baronen der Unterwelt zur Rede gestellt. Die Absicht des Wortführers Schänker – selbst wegen Totschlag in drei Fällen gesucht – ist klar ersichtlich: „Wir wollen dich unschädlich machen.“ Doch Beckert zweifelt an der Glaubwürdigkeit des Gerichts: „Welches Recht habt ihr zu urteilen! Wer seid ihr denn… alle miteinander? Verbrecher!“ Folgt man dieser Argumentation so ist die Schuld auch auf der Seite des Klägers zu suchen. Der moralischen Ambivalenz dieser Szene folgt ein Zusammenbruch der Ordnungen von Gut und Böse, von falsch und richtig. „Am Ende“, so schreibt der Filmwissenschaftler Georg Seeßlen „sind alle schuldig, aber niemand ist verantwortlich (schon weil wir niemandem begegnen, der in der Lage wäre, Verantwortung zu übernehmen)“.

Die Figurengeschichte des schwarzen Mannes wird also auch in M – Eine Stadt sucht einen Mörder fortgesetzt. Doch im Gegensatz zum ungreifbaren, weil konturlosen Sandmann bei E.T.A. Hoffmann tritt der schwarze Mann in M wie ein zum Leben erweckter Albtraum in die wirkliche Welt. M ist zugleich jedoch auch ein Rekurs auf die kollektiven Ängste, die nicht nur die Weimarer Republik geprägt haben, sondern beinahe zeitlos sind. Muth und Lang greifen diese Ängste auf und verpflechten sie in eine moribde Geschichte, die leider genauso zeitlos ist wie die Figur des schwarzen Mannes.

oberes Foto: Peter Lorre als Hans Beckert
Portrait: Fritz Lang (Bild von goldenageofhollywood.co.uk)

jon j. muth
"M"
cross cult, 2009

fritz lang
"M - Eine Stadt sucht einen Mörder"
UFA
peter lorre

e.t.a: hoffmann
"Der Sandmann"
Reclam

Haldern Pop [Rees-Haldern, 13.-15.08.2009]

2009-09-17T15:34:00.009+02:00

Vom Glück der Sekunde

"Commuplication"
(festival motto 2009)

Jeder weiß dass es die permanente Glückseligkeit nur in Rosamunde Pilcher Filmen und in der Imagination zweifelhafter Kitschromane gibt. Im realen Leben kommt das pure Gefühl des Glücks eher selten vor und in der Popmusik noch ein bisschen weniger. Vielleicht würden wir es gar nicht bemerken, wenn wir es nicht mit der Lupe suchen müssten, darauf warten könnten um es im Limit des Momentes voll auszuschöpfen.

Es sind ganz unterschiedliche Dinge, die jeden von uns auf eine eigene Weise berühren, aufregen, bewegen. Für den einen ist es das Wiedersehen mit dem Freund am Flughafen, der erste Urlaubstag in einem fremden Land, die erste Currywurst nach 4 Jahren vegetarischer Enthaltsamkeit. Wiederrum andere beziehen ihre Ration Glück und Zufriedenheit aus Musik, aus Akkorden, Melodien, Harmoniken, Stimmen und Rhythmen.

Eine Musikveranstaltung wie das Haldern Pop Festival strotzt regelmäßig nur so vor denk und feierwürdigen Glücksmomenten, Umgebung, Örtlichkeiten und Ambiente sind ebenso hervorragende Indikatoren wie die zurückhaltende Organisation. Seit 26 Jahren reift in Haldern ein beständiges Team dass immer wieder Wagnisse eingeht um die Qualität des Festivals zu bewahren oder sogar zu anzuheben.

Man spürt die Erfahrung und den sicheren Umgang mit Künstlern, Technik und Zuschauern an allen Ecken und Enden, das Konzept wirkt routinierter denn je, entbehrt jedoch nie einem amateurhaften und sorgfältig gepflegtem Charme, auf den Verantwortliche wie Besucher großen Wert legen. Während man sich bei anderen Großfestivals getrost auf die Devise „alle Jahre wieder“ verlassen kann, beschert das Haldern ihren Fans regelmäßig kleine oder größere aufregende, bei manchen sogar zur Sorge ausartende Änderungen und innovative Ideen, die in den Augen einiger an der Verlässlichkeit des Festivals kratzen. Dieses Jahr wurden auffällig viele Singer/Songwriter gebucht, für manche Besucher nach Schema F: Typ bärtiger Melancholiker an der Klampfe. Im Vorfeld wurden vermehrt Rufe nach brüllenden Gitarren, reissenden Riffs und einer fetten Rhythmusmaschine laut. Kurz; man verlangte nach waschechtem Rock. Was manchen als Manko erschien wurde für die allermeisten zu einem roten Faden, der das Haldern gepaart mit dem Sonnenwetter dieses Jahr zu einem vollkommen runden und in sich schlüssigem Wochenende machte. Es gehört eine gesunde Portion Selbstvertrauen und Mut dazu auf einem Festival - wohlgemerkt eine Massenveranstaltung - den Fokus auf das Leisere, etwas Schlichtere in der Popmusik zu legen, und sich nicht davor zu scheuen Künstler wie Bon Iver und die erstaunlich zurückhaltenden und bisweilen belanglosen Noah And The Whale auf die Hauptbühne zu stellen, immer mit dem festen Vertrauen auf ein zivilisiertes und dankbares Publikum. Die Rechnung ging auf, die Auftritte von dem hochmusikalischen Andrew Bird, William Fitzsimmons (demnächst im lichter-Interview!) und Bon Iver wurden trotz manch verwirrender Programmänderung bestens angenommen und fügten sich wunderbar in die rotzigen und experimentellen Sets, die es natürlich auch in ausreichender Zahl gab. Ein für sicher sehr viele prägender Moment war der in der Nachmittagssonne spielende Bon Iver, der bei völliger Stille im Publikum ein höchst intimes und intensives Konzert lieferte, und bei den Zuhörern den Eindruck eines vollkommen unaffektierten Menschen und Musikers hinterließ, der in Haldern wie die Faust auf das sprichwörtliche Auge passte.

Dieses Jahr gab es wie üblich auch wieder einige Wiederkehrer auf den Bühnen, als perfekte Festivalband erwiesen sich am Samstagvormittag die Maccabees, mit neuem Album und gewohntem Charme im Gepäck war ihr Auftritt ein Höhepunkt des Wochenendes. Ebenso Anna Ternheim, die mit vollem Bandaufgebot und (leider unmöglicher)Backgroundsängerin genauso eindringlich und authentisch war wie alleine am Klavier. Weitere atmosphärisch dichte und erinnerungswürdige Konzerte boten Wintersleep, Woodpigeon sowie Grizzly Bear, drei junge aufsteigende Bands, die den Trubel um sich redlich verdienen und sich psychodelische Experimente und ausufernde Songlängen leisten können ohne zu langweilen.

Bei so viel künstlerischem Potential und der absolut geglückten Zusammenstellung der Bands bleibt nur eine Frage: Was hatten Fettes Brot als Headliner und Abschlusskonzert auf der Haldernbühne zu suchen? Ähnlich wie bei Jan Delay vor zwei Jahren passte der Auftritt der Hamburger Feierproleten nicht in das sonst so glasklare Konzept und die Stimmung des Wochenendes.

Dennoch war das Haldern wieder ein Platz zum glücklich sein, sei es für das abgezapfte Popwasser, die Dusche vor der Bühne, den See, die Sonne, die Spiegelzeltleinwand oder einfach nur für den Refrain, den Schlussakkord oder den Bart des Sängers.
Wir kommen wieder!
foto:

haldern pop

Talons [Songs for Babes]

2009-08-29T12:33:00.002+02:00

Ein paar wörtlich zu nehmende Anekdoten, eine Ansammlung von Frauennamen und ein Repertoire an eigentlich ganz alltäglichen Hintergrundgeräuschen zaubern ein Album zusammen, das berauscht – und viel verrät.

"There is a lot in these songs that is recorded and then mixed just below the level of being audible. I hoped it would have some unconscious effect, but it probably is just inaudible."
(mike talon)

1. Natalie
Von Genres halte ich nicht besonders viel. Aus diesem Grund möchte ich das Album mit einer Genrebezeichnung betiteln, die sich von üblichen abhebt, und die ich auf einem Blog namens slowcoustic.com fand: Bedroom folk. Denn Folk ist nicht gleich Bedroom folk, und es steht außer Frage, dass Mike Talons kleines, zusammen geschnippeltes Album zum Thema (Ex-)Freundinnen keiner besseren Bezeichnung gerecht werden könnte, ist es doch auch größtenteils in einem Schlafzimmer geschrieben und aufgenommen worden. Eigentlich kann "Songs for Babes" nirgendwo anders hinpassen.

2. Maddy
Auf dieser Platte findet sich eine ganz neue Definition von Musik: Wurde unter diesem Begriff bisher doch das Zusammenspiel verschiedener Instrumente und Gesang verstanden, schneidert Mike Talon gemeinsam mit Freunden Musik aus einer ganzen Bibliothek von Sounds. Hier wird Musik mit markanten Polizeisirenen – wie in Maddy -, dem Rauschen vorbeirasender Züge, Regenprasseln, Möwenschreien, Meeresrauschen und allerlei anderen Nebengeräuschen gemacht, die nicht immer mit Absicht dort gelandet sind, wo man sie im Endeffekt hören kann.

3. Erin
So hört man ganz versteckt, ganz fern, in Erin jemand anderen ein anderes Lied singen – sein Freund Keith nahm einen Stock unter ihm ebenfalls ein Lied auf, wie Mike Talon in einer kleinen Stellungnahme verrät. Auch erfahre ich, dass das Lied Erin einer Frau mit selbigem Namen, die er auf einem Konzert kennenlernte und die ihn faszinierte, gewidmet ist, der er aber aus verschiedenen Gründen nicht nach Hause folgen konnte. „Oh Erin, I wish I would have followed you home“ - und ein mysteriöser Hinweis auf den elften September.

4. Angela
Ganz offensichtlich ist Talon ein Mann, der seine Musik nicht unkommentiert lassen kann. So gibt es ein Dokument zu lesen, in dem zu jedem einzelnen seiner bisher veröffentlichten Songs eine Erklärung niedergeschrieben steht. Ich erfahre, dass die Geschichten hinter den Liedern auf "Songs for Babes" alle wahr sind – Mike Talon verwendet nicht einmal Metaphern.

5. Rachel
Langsam sollte klar geworden sein, dass "Songs for Babes" rezensieren auch Mike Talon porträtieren heißt. Dass Künstler in einer direkten Verbindung zu ihrem Werk stehen, muss hier nicht gesagt werden, aber selten geschieht das auf so bewusste und konfrontale Weise wie auf diesem Album.

6. Mich
Mike Talon will nicht, dass irgendjemand dieses Album hört, ohne nur an ihn zu denken – denn er will über Wahrheit singen, sagt er selbst, „also war der leichteste und schwerste Weg zugleich, über mich selbst zu schreiben“. Demnach ist Talon ein Einzelkämpfer und sein Album ein wandelndes Selbstporträt. Dennoch stecken hinter diesem Album mehr Köpfe noch als bloß dieser eine.

7. Juice
Der Song Juice zeigt dies besonders deutlich. Nicht nur widmet sich dieses Lied einer jungen Frau, die die „Creative Community“, in der Talon sich in Akron, Ohio, bewegt, stark beeinflusst; es wurde ursprünglich auch für eine andere Band, Black Clover, geschrieben, in der er sich hin und wieder, aber niemals fest, bewegte. An diesem Lied sind außerdem, wie an vielen anderen des Albums auch, seine Freunde beteiligt. Keith Freund (ja, so heißt er wirklich!) hat sich mit Klavier und Gitarre dazugesellt.

8. Sam
Der obligatorische Vergleich mit bekannteren Künstlern soll hier nicht wegfallen, aber kurz gehalten werden: "Songs for Babes" erinnert im Stil an Neil Young und Will Oldham.

9. Taz
Veröffentlicht wird Songs for Babes am zweiten September bei Own Records. Innerhalb der USA ist es beim Label „Bark And Hiss“ bereits erschienen, welches auch schon einige andere Platten wie das Debutalbum "Falls' Chagrin" aus dem Jahre 2005 an den Mann brachte. Mike Talon rät auf der Website von Bark and Hiss dazu, die Platte "Rustic Bullshit" zuerst zu hören – einen Grund nennt er nicht, aber es könnte angenommen werden, dass es sich hierbei einfach um das beste Album handelt. Meiner Beobachtung entsprechend ist es das bisher vielfältigste und facettenreichste Album, das Mike Talon aufgenommen hat. Verschiedene Demos für selbiges sind, wie das Album auch, zum freien Download verfügbar.

10. (Ni)'cole
Sowieso scheint Herr Talon traurig zu sein, dass ihm die Veröffentlichung von "Songs for Babes" im Internet von Own Records noch vorenthalten wird – er stellt stattdessen ähnliche Versionen der Lieder online. Jeder, der ein wenig Zeit investiert, kann hier deutlich eine Entwicklung feststellen. Mike Talon ist stilsicherer geworden, seine Musik hat an Konsistenz – wenn dieser Begriff im Bereich Musik zutreffen kann – gewonnen.

11. Lula
Besonders das Albumkonzept von "Songs for Babes" sei hier noch einmal hervorgehoben: Es ist das erste Album von Talons, das so offensichtlich ein Ganzes bildet, das nicht funktioniert, wenn ein Track fehlt. Aus diesem Grund finden sich in dieser Rezension auch die Songtitel und ihre Reihenfolge wieder. Das Lied Lula wirkt hier besonders, denn es enthält noch einmal alle Stilmittel und Melodien, die die anderen Lieder ausmachen. Talons bezeichnet es selbst als eine Art Collage des Albums, die eigentlich am Schluss gestanden haben sollte.

12. Sommer
Doch es kam anders, denn die einzige junge Dame, die immer noch an Mike Talons Seite steht, ist Sommer Miller – offensichtlich kam diese Entwicklung für Mike überraschend. Sie ist Künstlerin und ist für das großartige Artwork des Albums verantwortlich. Allerdings war sie bestimmt nicht begeistert, als sie erfuhr, dass Mike in Gedanken noch an so vielen verschiedenen Frauen hängt. Mit denen muss sie sich jetzt eine Platte teilen.
foto:

talons'
"songs for babes"
own records, 2009 cd
talons

600 Wörter [Popliteraten und ihr Sport]

2009-08-10T13:08:00.001+02:00

Wie sportlich ist der Schriftsteller?

Vor kurzem habe ich in meinem Blog einen kleinen Eintrag geschrieben unter dem Titel "Wie sportlich ist der Schriftsteller". Darin ging es um die Notwendigkeit der sportlichen Ertüchtigung als Beitrag zur Senkung der Gesundheitskosten im Anbetracht dieses Berufes, der nahezu nur im Sitzen ausgeübt wird, die von den AutorInnen nie diskutiert wird.

Einzig Ausnahmen wie John Irving mit seiner Vergangenheit als Ringer, die er in seinen Büchern immer wieder gerne literarisch verwertet (mittlerweile wissen wir es, John), bestätigen die Regel. Noch einer mit einem Faible für Sport, der mir gerade einfiel, war Friedrich Torberg, der bekanntlich Wasserball spielte und das angeblich gar nicht mal so schlecht. Ein Leser hat darauf hin in einem Kommentar den Gedanken angeregt, ein Buch mit dem Titel "Schriftsteller und ihr Sport" herauszugeben. Sollte sich ein Verleger nun inspiriert fühlen: Die Idee verbuche ich für mich, als Bezahlung bitte ich um nichts weiter als ein Freiexemplar.

In dem Moment, in dem ich mir dieses Buch vorstellte, kam mir der Gedanken, ganz in der Tradition der Schubladisierung, ob in den verschiedenen Sparten der Literatur den Schriftstellern eindeutige Vorlieben zuordenbar wären. Wie zum Beispiel: LyrikerInnen bevorzugen Meditatives wie TaiChi, Bestsellerautoren der Belletristiklisten treffen sich beim Golf und Tennis, die Esoteriker lieben Capoeira und Zen-Bogenschießen.

Schreibende sind gerne aufgefordert mir zum Zweck der Verifizierung dieser Theorien statistisches Material zu senden und zwar in der Form: Alter / Literatursparte / Ausgeübte Sportarten / Breiten- oder Leistungssport. Ergebnisse veröffentliche ich gerne in Zahlen in meinem Blog.

Bei allen diesen Überlegungen machte ich mir Gedanken darüber, was die entsprechende Sportart für einen Popliteraten wäre. Der Popliterat als Gattung gesehen ist mir noch nie von Angesicht zu Angesicht begegnet, er manifestiert sich in meiner Umgebung lediglich als temporäre Erscheinungsform bei Jungliteraten, die sich von zwölf bis (manchmal über) fünfundzwanzig Jahren darin gefallen, zum Ausdruck ihres - und der ihrer Hauptfiguren - Charakters Liedtexte zu zitieren. Auch mir wurde einmal „Popschreibe“ unterstellt, was sich aber nicht mehr wiederholte, nachdem in meinen Texten fast nie wieder Musik vor kam.

Die auf diesem Gebiet Unbewanderten werden jetzt sagen: Man muss doch nicht Popmusik zitieren, man kann doch auch auf weniger bekannte Liedtexte oder auf die alternativer Musikrichtungen zurück greifen. Ja. Man kann. Allerdings muss man dabei berücksichtigen, dass sich der Leser nicht gerne dumm vorkommt. Erwähnt man nun oft etwas, was der Leser nicht kennt, mutiert er im Bezug zum Text zum Außenseiter, der nichts mehr versteht, auch auf der Gefühlsebene – da die Liedtexte auch verwendet werden um Stimmungen zu transportieren.

Popmusik ist aber genau das, was im Wort steckt: Populär. Also meistens dem Leser bekannt, auch wenn es nicht seine Lieblingsmusik sein muss. Aber ich schweife etwas vom Thema ab.

Am Ende meines Gedankenganges stand, dass ein Popliterat und sein weibliches Pendant mit aller Wahrscheinlichkeit exzessiv dem Discotanz frönen und darum keinen Sport treiben. Warum? Aus reiner Zweckmäßigkeit. Immerhin muss man am Puls der Masse bleiben, die neuesten Beats kennen, die Stimmung im Club zur Musik abchecken, den Puls der tanzenden Menge aufnehmen und die schweißige Tanzbodenluft einsaugen wie ein Schwamm.

Vielleicht haben einige der Kollegen der Sparte Popliteratur dazu auch schon einen Dancemove erfunden: Den „Notetaker“. Mit schwungvoller Geste wird aus der Gesäßtasche ein Notizbuch hervor geholt, in das mit ausholenden Bewegungen Namen der Band, Songtitel und Stimmung notiert werden. Dabei immer weiter rhythmisch mit den Hüften wackeln. Fortgeschrittene können am Ende eine kleine Drehung einbauen, bei der das Notizbüchlein unauffällig verstaut wird.

Somit kann von einer rein im Sitzen zu erledigenden Arbeit keine Rede mehr sein und die angesprochenen Kollegen sind von sportlichen Ertüchtigungsmaßnahmen weitgehend befreit. Als Attest gelten Veröffentlichungen in Zeitschriften und Anthologien.
Text: Cornelia Travnicek. Hier findet sich Frau Travniceks Blog.
illustration: j.e. støresund

Judith Hermann [Alice]

2009-08-05T10:25:00.000+02:00

Zwischen Leben und Tod, Vergangenheit und Gegenwart, (Er)leben und Erinnern, Alltag und Abschiednehmen – Judith Hermanns Protagonisten oszillieren in ihrem dritten Prosaband "Alice" zwischen fünf Erzählungen und eindeutigen Zuständen. Als einzig sichere Komponente des Lebens ist der Tod allgegenwärtig.

"astronauten, dachte alice, wir sind wie astronauten, es gibt nirgends einen halt."
(alice)

Geht es in der Literatur um den Tod, wird zumeist laut geklagt und getobt; die Grauzone zwischen dem Eintreffen der Nachricht und dem Beginn des Verarbeitens - das Gefühl vor dem großen Bewusstsein, dass ein Mensch nicht mehr wiederkommen wird, wird selten thematisiert. Judith Hermanns Protagonistin Alice hat gleich fünf Verluste zu beklagen und tut es doch nicht laut. An unterschiedlichen Stationen ihres Lebens stößt der Leser zu ihr, um sie in der kurzen Sequenz des Abschiednehmens zu begleiten – von alten Liebschaften, einem väterlichen Freund, Verwandten. Genaue Definitionen der zwischenmenschlichen Beziehungen bleiben aus – genau wie umfassende Charakterisierungen der Scheidenden. "Alice" ist kein Nachruf auf die Toten, sondern eine Bestandsaufnahme von dem, was zurückbleibt, wenn da einer nicht sterben kann, einer überraschend geht oder freiwillig gegangen ist.

Judith Hermann schreibt um die „zentrierte Leere“ herum, wie sie sie nennt. Um das Gefühlsvakuum, die Taub- und Stummheit, die zuschlägt wie ein Gegenstand, der dem Zurückbleibenden dumpf auf den Kopf fällt – und schafft dabei das (fast) Unmögliche, diese Sprachlosigkeit in Worte zu fassen. Im Japanischen wird der Zustand des „Dazwischenseins“, der (Wahrnehmungs-) Raum zwischen Personen, Ereignissen, Räumen und Zeiten mit dem Begriff 'ma' eingefasst; wie im Buddhismus wird eine Aufmerksamkeit für Übergänge entwickelt, wird diesen ein besonderer Stellenwert eingeräumt. In Hermanns Prosa drückt sich diese Achtsamkeit in den für sie typischen subtilen Beobachtungen aus, die man bereits aus ihren ersten Werken "Sommerhaus, später" und "Nichts als Gespenster" kennt.

Während. Zu denken, dass während sie an der Tankstelle gehalten hatten, der Rumäne in den Himmel geschaut hatte, ein Falke ein Adler ein Bussard. Während Alice die Tür der Eistruhe aufgeschoben, Anna das Wort Cornetto gesagt hatte, der Tankwart mit den Fingern auf dem Tresen und Lotte im Auto, ihr Profil vor dem Berg, unbewegt hinter den getönten Scheiben, und Alices Hand in slow motion in der Tiefe der Eistruhe in einem Pappkarton, aufgerissen voller Wassereis, Himbeere, Zitrone und Waldmeister, wie heißt dieses Eis, hatte der Rumäne gefragt, Dolomiti hatte Alice gesagt, da war Conrad gegangen. In einem heißen Zimmer am Ende des Ganges mit gleißendem Licht hatte sein Herz geflimmert und dann aufgehört zu schlagen, einfach so, und kein auf Wiedersehen, das war es gewesen.

In ihren oft seltsam sperrigen Sätzen hallt immer wieder die Überraschung darüber nach, dass der Tod nicht mit lautem Getöse in den Alltag einbricht, sondern sich vielmehr mit leiser Selbstverständlichkeit hineinschleicht - ein Versuch, dessen unprätentiöse Gestalt mit der Größe des nachklingenden Gefühls zu vereinbaren. Man mag Judith Hermanns spröde Sprache besonders in Bezug auf diese Thematik als distanziert oder gar emotionslos wahrnehmen – oder aber es als wohltuend empfinden, dass sie dem Leser durch die oft nicht ganz greifbare Bedeutung der Worte genug Raum lässt für eigene Überlegungen und Empfindungen. Ein Gespür dafür zu entwickeln, wie viele unterschiedliche Formen Trauer annehmen kann, wie groß der Irrtum wirklich ist, unsere Nächsten für unverwundbar zu halten und auch, wie nebensächlich die Dinge wirken können, die letztlich Schmerz oder Trost bedeuten können. In der Erzählung Raymond beispielsweise geht Alice zwar mit beinahe ungeheurem Pragmatismus an das Aussortieren dessen zurückgelassener Sachen, doch als sie in einer seiner Jacken den Rest eines Mandelhörnchens findet, bricht völlig unvorbereitet alles um sie herum zusammen.

Raymond. Hatte Hunger gehabt. Lebendigen, einfachen Hunger. Sich ein Mandelhörnchen gekauft. Das hatte er nur in einer einzigen Bäckerei getan, sonst nirgends. [...] Wie früher. Im Winter – die Tüte steckte in der Tasche seiner Winterjacke neben einem Handschuh, wo war der andere Handschuh hin, und war Alice dabeigewesen? War sie dabeigewesen, als Raymond das Mandelhörnchen gekauft hatte, hatte er ihr ein Stück abgebrochen, abgegeben oder in den Mund gesteckt, am Mittag oder Nachmittag oder Morgen eines Tages mit Kälte und Wind und während sie nebeneinanderher gegangen waren, Alices Arm in Raymonds Arm und ihre Hand mit hinein in seinen Handschuh geschoben; möchtest du noch, nein danke, und das letzte Stück in die Tüte zurückfallen lassen, sie zusammengedreht, in die Jackentasche gesteckt. Wann.

Dass das, was einem letztlich das Genick bricht, die Erinnerungen an die kleinen Details sind, die einen geliebten Menschen ausgemacht haben, zieht sich wie ein feiner Haarriss durch die Seiten; die Erkenntnis, dass der Weg eines Zurückgebliebenen ein schmaler Grat ist, ein Dazwischen, das wie im Japanischen „nichts“, „dazwischen“, „Beziehung“, „Leerstelle“ oder „etwas“ bedeuten kann.

Weit entfernt zog ein spätes Flugzeug hoch in den Himmel, und sie dachte daran, wie Raymond in einer der ersten Nächte, die sie so zusammensaßen, gesagt hatte, das Geräusch eines Flugzeuges in der Nacht mache ihn traurig. Wieso, hatte Alice gesagt. Weil es so ist, als wäre es das letzte mögliche Flugzeug gewesen. Für mich, hatte Raymond gesagt, und Alice hatte etwas daran verstanden und etwas anderes nicht, und etwas hatte sie auch gekränkt. Wann immer sie ein Flugzeug sah in der Nacht, musste sie daran denken.
foto: juergen bauer

judith hermann
"alice"
s. fischer verlag, 2009

Thomas Hall, Daniel Bradford [Robot 13]

2009-08-01T10:20:00.021+02:00

Würde ein künstliches Wesen von Menschenhand erschaffen, das tatsächlich zu denken fähig wäre, was würde es über sich selbst denken? Vielleicht ist dies der Grundgedanke, der hinter dem mignolaesken Comic-Debüt Robot 13 steckt. Und zu beeindrucken weiß!

"what is it cap? could be a diver, yeah?"
(ein matrose)

Ein ruppiger Kapitän, dessen weißes Haar im Wind weht, steht an Bord eines Fischkutters und richtet einen ernsten Blick auf seine Crew. Kurz zuvor machte ihn einer seiner Matrosen auf einen mehr als ungewöhnlichen Fang aufmerksam. Kapitän und Crew scheinen sich in einer Welt zu befinden, in welcher man es sich nur in zwielichtigen Tavernen und bloß hinter vorgehaltener Hand wagt, über einen fremdartigen Harpunier namens Queequeg zu erzählen, oder sich gar bei einem Krug Rum mit haarsträubenden Geschichten über einen gewissen Kapitän Nemo und dessen sagenumwobenen Schiff Nautilus zu überbieten versucht. Eine Sekundärwelt, verortet irgendwo zwischen der überbordenden Zeit der Romantik und den Anfängen der industriellen Revolution. Und der seltsame Fang, von dem eben jener Matrose seinem Kapitän berichtet, ist ein metallener Apparat mit menschlichen Gliedern und einer großen Glaskuppel auf dem Rumpf, in welcher ein menschlicher Schädel zu schwimmen scheint. Eine große 13 ist auf dessen Stirnbein zu lesen und diese gibt nicht nur dem seltsamen Geschöpf, sondern auch der jungen Comic-Reihe ihren Titel, deren beeindruckende Erstausgabe gerade im New Yorker Museum of Comic and Cartoon Art der Öffentlichkeit vorgestellt wurde.

Hinter "Robot 13" stecken Autor Thomas Hall und Zeichner Daniel Bradford, die sich 2003 dadurch kennen lernten, dass sie Fan der Arbeit des jeweils anderen waren und nun miteinander kooperieren wollten. Beide gründeten den unabhängigen Comic Verlag Blacklist Studios, um auch im Angesicht der finanziellen Nöte größerer Verlage ihre Arbeiten veröffentlichen zu können. Dank der modernen Telekommunikationstechniken bereitet auch die Tatsache, dass die beiden an den jeweils entgegengesetzten Küsten der USA leben, der Zusammenarbeit keine größeren Probleme. „With technology, we can work very smoothly together in this way“, erklärt Thomas Hall, obwohl beide es genießen zusammen auf Comic Conventions zu fahren, um dort gemeinsam ihre Arbeiten vorzustellen; wie eben kürzlich im New Yorker MoCCA.

Während Bradfords beeindruckende Arbeiten fraglos von Mike Mignolas kantigen Zeichnungen, ikonischen Schlagschatten und holzschnittartigen Konturen inspiriert sind, vereint Hall in seinen Erzählungen so unterschiedliche Einflüsse wie Mary Shelleys Frankenstein, den innovativen Erzählstil von Comicautoren wie Grant Morrison und Neil Gaiman, sowie Strukturelemente Homers griechischer Mythen. In der Tat partizipiert der metallene Protagonist an der traurigen Schwermut von Frankensteins Monster, ist er doch selbst ein künstliches Wesen, dem Leben eingehaucht wurde. Und auf Homers Odyssee bezieht sich Hall sogar explizit, wenn er die ersten drei Ausgaben von "Robot 13" anspricht, welche als Mini Serie eine abgeschlossene Handlung umspannen werden: „Die Odyssee ist eine epische Erzählung, aber sie ist auch eine Geschichtensammlung kürzerer Episoden. Von jedem Schauplatz an den Odysseus getrieben wird, berichtet Homer als eigenständige Geschichte mit einer eigenen Exposition, einer Verwicklung und einer Auflösung.“ Ähnlich dieses Ansatzes wollen die beiden auch mit ihrem Helden und dessen Geschichte umgehen; Jede Miniserie soll für sich verständlich und abgeschlossen sein, doch wird man im Laufe der Zeit ein immer größeres Bild der geschaffenen Welt bekommen; auch dies erinnert nicht von ungefähr and Großmeister Mignola. Zumindest hoffen beide, dass das Interesse an ihrer Serie groß genug ist, um all die Geschichten zu erzählen, die darauf warten erzählt zu werden. Schließlich schwebt den beiden der Rahmen der großen, umfassenden Heldenreise bereits vor. Bradfords außergewöhnliches Talent für athomspärische Darstellungen mit liebevollen Details und beeindruckenden Hintergrundcollagen komplimentiert Halls Erzählungen dabei fantastisch.

Interessanter Weise ist nach Halls Ansicht die Welt von "Robot 13" in ihren wesentlichen, phantastischen Zügen der unseren gar nicht so unähnlich. Der Riesenkrake zum Beispiel, der wie einer Ray Harryhausen nachempfundenen Kreatur in der ersten Ausgabe eine beängstigende Rolle spielt, sei ein Wesen aus den Mythen und Geschichten, die sich Menschen seit ewigen Zeiten überall auf der Welt erzählen, um das Unerklärliche verständlich zu machen. „Menschen haben vor langer Zeit wirklich an diesen Kraken geglaubt, obwohl sie ihn niemals gesehen haben. Wir haben hingegen aufgehört daran zu glauben, weil wir ihn niemals gesehen haben. Auf eine bestimmte Weise sind dies zwei Perspektiven der selben Welt. Und mit 'Robot 13' versuchen wir eine dritte Sichtweise zu erfassen. Der größte Unterschied zwischen unserer 'echten' Welt und der in den Büchern ist, dass das Unerwartete dort tagtäglich geschieht.“

Etwas solch Unerwartetes ist eben auch jener seltsame Fang auf besagtem Fischerboot. Bradford und Hall wollten einen sympathischen Charakter erschaffen, von dem der Leser von Beginn an mehr erfahren möchte. Und mehr erfahren möchte man in der Tat, denn die Figur ist so unkonventionell, dass man immer wieder erstaunt ist. Gerade sein erster Auftritt ist mehr als sehenswert und macht deutlich, dass die beiden mit Klischees zu spielen wissen, diese jedoch auch jederzeit überwinden können. So erinnern die ersten Worte des steampunkesquen Roboters nach dem Kampf mit bereits erwähntem Riesenkraken weitaus mehr an einen englischen Gentleman des 19. Jahrhunderts als an einen tumben Blechhaufen. Mehr belesener C-3PO als kraftstotzender T-800. Um der beinahe unzerstörbaren und mit bloßen Händen gegen mythologische Monster ringenden Figur dennoch mehr charakterliche Tiefe zu verleihen, versahen ihn die beiden Macher mit einer Schwäche: er weiß weder wer noch was er ist, womit er eine enge Verbindung mit dem Leser eingeht, der sozusagen gemeinsam mit dem Roboter nach und nach mittels Rückblenden mehr über dessen eigene Geschichte lernt. „Unser Roboter ist in dieser Hinsicht programmatisch für das menschliche Bedürfnis Antworten auf die Frage nach der eigenen Existenz zu erhalten.“

Selten kam die Debüt-Ausgabe einer neuen Comic Reihe so beeindruckend und vielversprechend daher. Ich kann mich der Empfehlung des amerikanischen Eat.Sleep.Geek nur anschließen: "You need 'Robot 13' in your hands, and the guy you buy your comics from needs it in his (or her) store". Und in Deutschland scheint noch kein Verlag auf die beiden aufmerksam geworden zu sein. Dies ist als über deutlicher Wink mit der Harpune zu betrachten!
zeichnung: daniel bradford

thomas hall, daniel bradford
"robot 13"
blacklist studios 2009
thomas hall
daniel bradford
MoCCA

Thomas Gilke [Leroy & Dexter]

2009-07-26T16:16:00.016+02:00

Weltall-Erde-Mensch-Metaphysik!
Die Antworten liegen irgendwo dazwischen.

„ein nanometer entspricht in einem stück metall ungefähr einer strecke von vier benachbarten atomen oder ist ungefähr 70.000 mal dünner als ein menschliches haar" (wikipedia, definition 10^-9 m)

Ich weiß nicht, ob es schon jemandem aufgefallen ist, aber wenn man die Augen ganz langsam schließt, wird die Welt immer kleiner. Wenn man dann noch die Ohren mit Watte verschließt, dann fehlt einem nicht nur die visuelle Weltkomponente, sondern auch die akustische. Doch existieren Dinge, die man weder hören noch sehen kann? Wer nichts mit rhetorischen Fragen anfangen kann, dem sei dieses physikalische Beispiel ans Herz gelegt. Bis 1897 glaubte man noch, dass Atome die kleinsten Bestandteile der Materie sind, bis ein gewisser Herr Thomson das Elektron entdeckte und die Theorie vom kleinsten Bestandteil der Materie widerlegte. Niemand kann mir erzählen, dass er mit bloßen Augen – und seien sie noch so geschult – ein Atom erkennen kann, geschweige denn ein Elektron und doch existieren sie.

Ebenso diffus, wo die Linien zwischen sichtbarer und unsichtbarer Welt und letztendlich auch der eigenen Wahrnehmung verlaufen, gestaltet sich der mikroskopische Makrokosmos von "Leroy & Dexter", welcher jüngst in einem Sammelbändchen im avant-verlag veröffentlicht wurde. Autor dieser vorab als Webcomic erschienen Serie (wöchentliche Strips auf electromics.com) ist Thomas Gilke, der nun schon seit etwa fünfzehn Jahren durch die Comic-Stratosphäre tingelt und hin und wieder als Freier Illustrator für diverse Agenturen, Zeitschriften und Zeitungen tätig ist.

Pastiche und Glorifizierung

Für Gilke beginnt die Geschichte von „Leroy & Dexter“ im Jahre 2005. Im brandenburgischen Rüdersdorf. Um genau zu sein übt sich Gilke als Tourist des mittlerweile zum Freilichtmuseum umfunktionierten Kalksteinwerkes. Stehen am Beginn des Tages noch die riesigen Dimensionen des Kalksteinabbaus im Fokus des Illustrators, so verschiebt sich die Aufmerksamkeit Gilkes. Ein Karton mit aussortierten Beständen des Kulturhauses „Martin Andersen Nexö“ wird dabei als besonders großer Fund gewertet, denn neben einem Pilzführer und einem Lada-Selbsthilfebuch befinden sich in ihm noch einige Ausgaben des „Pressedigest“ Sputnik – herausgegeben von der sowjetischen Nachrichtenagentur Nowosti – und drei Ausgaben des sowjetischen Jugendmagazins Sputnitschik (Koseform des russischen Sputnik, übersetzt: Begleiterchen) mit, man mag es kaum glauben, einigen Ausgaben des sowjetischen Comics „Leroy & Dexter“.

Wohingegen Mütterchen Russland schon lange in den Ruhestand geschickt wurde, überlebten ihre Erzeugnisse in Magazinform die große Umstrukturierungsphase. Was jedoch viel wichtiger ist und uns zum eigentlichen Thema führt: die besagten Magazine konservierten einen unverfälschten Blick auf ein politisches System, das dem Westen in nichts nachstehen wollte und seine eigene Bildästhetik entworfen hat. Als Ergebnis einer angestrebten Internationalität ist nicht nur der Versuch zu werten mit Sputnik und Sputnitschik (Sputnitschik – internationales Magazin in Russischer Sprache) internationale Jugendmagazine auf die Beine zu stellen, welche mit mutlilingualem Charme die Ideologie in Häppchenform über die Grenzen des eisernen Vorhanges tragen soll, sondern auch ein Comic-Strip als Beilage in die Heftchen zu integrieren.

Obgleich der Name der Comics ("Leroy & Dexter") später dem bleiernen Ernst weichen muss und in "Hämmerchen und Sichelchen" umbenannt wird, hat sich in ihnen dennoch ein kruder Humor und ein schlampig-sympathisches Layout erhalten, welches mit einem liebenswerten Purismus überzeugt. Das weckt auch die Neugier Gilkes und er beschließt die Zukunft dieser verschollenen Serie in seinen gleichnamigen Comic-Strips fortzuschreiben. Ein Happy End für Comic-Enthusiasten!

Vom Hundertsten ins Tausendste

Wie schön, dass "Leroy & Dexter" den kalten Krieg überlebt haben und Thomas Gilke den beiden Nano-Wesen auf electrocomics.com und jüngst auch im avant-verlag ein neues zuhause gegeben hat. Letztlich ist dies auch ein großes Geschenk für den Leser, denn die Lebenswirklichkeit von "Leroy & Dexter" ist eine sehr eigentümliche, fast schon surrealistische. Die beiden ungleichen Charaktere sind, gelinde gesagt, ziemlich winzig und stehen damit vor wirklich ernst zu nehmenden Herausforderungen. In einer Episode erhält die Phrase "Von hier aus betrachtet, sehen alle aus wie Ameisen" eine ganz neue Bedeutung. Während sich die Redewendung im Normalfall nur auf große Höhen und dementsprechend auf kleiner werdende Menschen anwenden lässt, bezieht sich der Ausspruch bei Leroy und Dexter auf eine wirkliche Ameise, die die beiden wimmernden Protagonisten um einiges überragt. Von dort an gilt es die Beine in die Hand zu nehmen und wegzurennen. Gefahr droht auch von giftigen Pilzsporen und mannsgroßen Blütenpollen. Dauernd verschieben sich Zeitebenen; erscheinen noch größere Wesen und neue Affronts. Dank Kathi Mogels Gastzeichnungen kann man in verschiedenen Strips sogar zum Zuschauer der Zellteilung werden. Was will man mehr?

Leroy und Dexter funktionieren übrigens auch ziemlich gut als komische Figuren. Obgleich man im ersten Moment vielleicht über den Begriff stolpert, so bieten die beiden Charaktere zahlreiche Referenzen zu anderen Pärchen der Popkultur. Leroy folgt beispielsweise dem Pastiche des überschlauen, kaltschnäuzigen Zynikers, der wild in der Geistesgeschichte herumwildert und der die Welt in ihrer Komplexität zu ergründen versucht. Dexter ist sein Kontrapunkt. Als trotteliger Gehilfe zottelt er Leroy hinterher, lässt sich von ihm die Welt erklären und stellt Fragen über Fragen. Die Rollenverteilung ist dabei ebenso klar ersichtlich wie die komischen Effekte, die diese Muster auslösen. Komik entsteht auch hierbei aus der Gegensätzlichkeit, so ähnlich wie bei Laurel und Hardy oder Didi und Stulle. Es werden stereotype Charakteristika eingesetzt um Schenkelklopfer zu erzeugen. Wie soll man auch sonst handeln, schließlich bietet ein Strip meist nur Platz für 4-8 Panels?

Doch hin und wieder werden diese stereotypen Muster zu Testzwecken verwendet, um auf viel größere Problemstellungen hinzuweisen. Gibt es Parallelwelten? Wie groß ist das Universum? Heißen linksdrehende Milchsäurebakterien deshalb so, weil sie im Karussel linksherum fahren? Warum steht dem Koch der Mund offen, obwohl er gar nichts sagt? Weltall-Erde-Mensch-Metaphysik – Die Antworten liegen irgendwo dazwischen. Die Fragen darauf findet man in "Leroy & Dexter".

Die abgebildeten Strips stammen von electrocomics.com. Zum Vergrößern einfach auf die Bilder klicken.

thomas gilke
"leroy & dexter"
[134 Seiten, vierfarbig, HC]
avant-verlag 2009

empfehlung:
electrocomics.com

Haldern Pop [Rees-Haldern, 13.-15.08.2009: Vorschau]

2009-07-19T19:30:00.001+02:00

Alle Jahre wieder treffen sich 6000 Musikfreunde am Niederrhein und leben drei Tage lang von Musik, Luft und hoffentlichem gutem Wetter. Das 26. Haldern Pop- Festival steht an, und ist mit höchst speziellen und liebevoll ausgesuchten Kleinoden des Indiemarktes bestens aufgestellt - ein Vorbericht.

"two atoms in a molecule, inseperately combined."
(two atoms in a molecule, noah and the whale)

1x1 macht 1, das weiß jedes Kind - eine einfache Angelegenheit. Doch aus Einzelnen können ein paar werden, oder auch viele. Die Zahlen potenzieren sich, das Ergebnis hinter dem Äquivalent wird immer komplizierter und aus klaren Gleichungen werden unüberschaubare Gebilde aus Zahlen und Zeichen. Was in der Mathematik funktioniert, gilt auch im konkreten Leben derjenigen, die etwas planen, was über das Nachbargrillen im Garten hinausgeht.

Besonders für Festivalbetreiber - und hier besonders für die Haldern-Organisatoren - gestaltet es sich bisweilen kompliziert, gleichzeitig als Musikliebhaber und Eventmanager zu agieren, mit Bilanzen, Rechnungen, Kalkulationen ebenso zu hantieren wie mit dem großen Herz eines Plattensammlers.

Das Motto des diesjährigen Haldern–Pop Festivals am Niederrhein lautet „Commuplication“, ein Neologismus, der in einem Wort soviel Symptomatisches aus der Sicht der Besucher und im besonderen Maße auch der Betreiber wiedergibt. Neben den rein formalen Aspekten der Bewältigung von Menschenmassen ist den Haldern-Machern der für den Charakter des Festivals so grundlegende Austausch mit Bands und Besuchern oberstes Gebot: die Kommunikation.

Dass zwischen den rahmenspendenden Wörtchen Multiplikation und Kommunikation auch noch das semantische Feld des „komplizierten“ in der Namensgebung mitschwingt ist nur allzu logische Folge der Auffassung von Stefan Reichman und Co., wie man für alle Beteiligten eine angenehme und freundliche Atmosphäre schafft. Ein Festival wie ein Familienurlaub, in dem der Feuererwehrmann eben so viel zählt wie der Gitarrenheld auf dem Reitplatz.

In diesem Jahr noch mehr als in den vorausgegangenen, stürzen sich die Booker mit offenen Ohren auf das kleinexperimentelle Dasein der Nischenbands, die häufig im Wald der großen Headliner verschwinden und auf anderen Festivals - wenn überhaupt - nur als Kleingedrucktes erscheinen. Das Haldern Pop steht im Ruf regelmäßig musikalische Schätze zu heben, das Näschen der Dorfbewohner und Inhaber von Raum 3 ist Gold wert und stellt die Besucher auf eine wie vorweihnachtlich anmutende Belastbarkeitsprobe. Wer einen Blick in das Forum der Festival-Webpräsenz wirft, stellt fest, dass sich Dutzende von Festivalfreunden monatelang vor Anpfiff die Münder fusselig reden, virtuell Bands wünschen, sich die Haare raufen in ungeduldiger Erwartung der nächsten Bestätigungen. Und je später es wird desto lauter werden die Rufe nach großen Namen; Man möchte beruhigt schlafen können, wissen worauf man sich einlässt. Wer schon ein paar Jahre dabei ist weiß, dass das Haldern da nicht mitspielt, Hörgewohnheiten werden partout nicht bedient, die Neugier und Vorabrecherche des Einzelnen herausgefordert. Das Haldern ist ein Festival für Leute die sich von 15 ihnen nicht geläufigen Bandnamen nicht abschrecken lassen, sondern darauf brennen zu entdecken, was sich hinter ihnen verbirgt. Und so reihen sich neben bereits etablierten oder frisch entdeckten Perlen des Indie immer wieder ganz neue Gesichter des Musikmarkts. Und Gewinner sind bei dieser Strategie alle; die Bands, die in familiärer Atmosphäre bedingungslos angenommen werden, die Zuschauer, die den Bands von morgen schon heute im Spiegelzelt lauschen können, und die Organisatoren, die Jahr um Jahr bestätigt wissen, dass Masse nicht gleich Klasse ist, und dass eine treue Festivalgemeinde mehr wert ist als 20.000 verkaufte Tickets.

Dieses Jahr spielen unter anderen: Grizzly Bear, Andrew Bird, Noah and the Whale, Soundtrack Of Our Lives, William Fitzsimmons, The Maccabees, Bon Iver, Patrick Watson, Wintersleep und Anna Ternheim.

haldern pop

The Soundtrack Of Our Lives [Communion]

2009-06-29T10:11:00.012+02:00

Das sechste Album der Schweden kommt als Doppel-CD mit gelecktem Wellness-Pärchen auf dem Cover daher. Kann man seinen Fans soviel zumuten? TSOOL können und reihen eine Perle an die andere. Ein unbeabsichtigtes best-of Album.

"here we are floating again."
(songs of the ocean)

Ja, sie treiben wieder, fließen wieder. Eigentlich stünde die Veröffentlichung des Nachfolgers der 2004 erschienenen Origins Vol. 1 an. Vol. 2 liegt auch schon in der Schublade, aber warum nicht ein episches Hymnenwerk dazwischen schieben. “This was the easiest, most natural thing we’ve ever recorded,” sagt Sänger Ebbot Lundberg. “It really felt like the album created itself, like we had a dream of what the album was supposed to be and then the album became that.” Und genau so hört es sich auch an. Als hätten sie gar nichts anderes machen können. Und weil schlicht zu viele Stücke für ein einfaches Album da waren, wurde ein Doppel-Album daraus. Das fordert den Hörer heraus, natürlich, aber es lohnt sich dran zu bleiben. Es geht um eine Auseinandersetzung mit der Realität, hinter der die Botschaft steht, die schlechten Dinge nicht fortzusetzen. Aber es darf auch einfach die Musik genossen werden. Denn laut The Soundtrack Of Our Lives selbst, ist die Platte das Positivste, was sie je gemacht haben.

Gleich der Opener der ersten CD Babel On lässt Großes erwarten und entpuppt sich als erste Perle der langen Kette. Der rasselig-erdige Rhythmus schleppt sich scheinbar endlos dahin, nimmt aber stetig an Fahrt auf und spätestens beim Gesang von Lundberg wähnt man sich zurückgesetzt in Papas Plattenschrank (sofern man denn alt genug ist und jener nicht eben Schlager vorzog in den 60ern und 70ern). Oder man sieht sich in einem dieser alten Filme jener Zeit mit diesen bestimmten Farben und Stimmungen. Mit Joint in der Hand. Die Assoziation bleibt dann auch nicht aus. Egal ob man je geraucht hat oder nicht.

Diese Stimmung ändert sich nie wirklich. Zwei CDs, 24 Stücke lang. Es fliegen einem gewohnt rockig preschende Gitarren-Perlen um die Ohren wie Thrill Me, Mensa’s Marauders oder RA 88. Dann wird es auch mal swingender mit der Tuschkapellen-Perle Pictures of Youth oder der Tanz-Pop-Perle und gleichzeitigen Single Flipside. Aber es gibt auch die ruhigeren Perlen mit sehr feinem Glanz wie das schöne Without Warning oder Lifeline. Eines der besten Stücke jedoch ist zweifellos das Meisterwerk Second Life Replay. Man möchte ausblenden, dass es um Selbstmordattentäter geht, denn die Musik entwickelt sich so unglaublich gut, dass man eigentlich nur hören will. Wie sich aus scheinbarer Ruhe Dramatik entwickelt, wie das Cembalo den Mittelteil bestreitet bevor der Chor mit der betörenden Melodie anfängt und schließlich das finale Geschrei losgeht. Großartig!

Insgesamt gibt es kein Stück, das wirklich langweilt oder nicht wenigstens einen Teil in sich hat, der besonders gefällt. Überhaupt scheint es eine Qualität von TSOOL zu sein, dass fast jedes Stück Momente hat, Melodien, Riffs, besondere Drehungen, was auch immer, über die man sich freuen kann beim Hören, die auffallen. Es passiert immer etwas, nichts bleibt stehen. Auch ein Gefälle zwischen den beiden CDs fällt nicht auf. Beide bieten eine gute Bandbreite und die Perlen sind ausgewogen verteilt.

Die musikalischen Einflüsse sind eindeutig. Das ist nicht neu. Man kann viele alte Rockgrößen durchhören. Aber auch neuere Musik. Fast jedes Stück erinnert durch bestimmte Stellen an irgendetwas anderes. Aber es stört nicht. Vielleicht sogar im Gegenteil. Es freut durchzuhören, was TSOOL nun mal gut finden, woran sie sich orientieren und was sie dann daraus machen. Sie wollen bewusst zeitlos klingen, ohne zu wiederholen, und schaffen das besser als viele ihrer Mitspieler. Sie wirken wie die perfekte Reinkarnation mit eigenem Charakter und "Communion" bildet da keine Ausnahme.

Und das Cover? Man kann es als bissigen Geniestreich sehen oder als fürchterlich hässlich. Der Auftrag an den Gestalter war etwas zum Thema ‚Besser Leben’ zu konstruieren und die Absurdität dessen kommt im Cover doch perfekt rüber. „These people represent the alienation. The living dead.“ Dem ist nichts hinzufügen.

Das Album als Ganzes ist in jedem Fall ein Geniestreich und verdient es in Ruhe gehört zu werden. Denn wirkliche Perlen brauchen ihre Zeit.
foto: Fredrik Wennerlund

the soundtrack of our lives
"communion"
haldern pop recordings, 2009 2cd
the soundtrack of our lives

Guy Delisle [Aufzeichnungen Aus Birma]

2009-06-20T15:40:00.007+02:00

Was wissen wir eigentlich über Birma? Wie lebt es sich dort? Schon der Name des Staates, über den in Europa nur Schreckensmeldungen von quasi-diktatorischen Armeegenerälen kursieren, gibt Anlass zum Nachdenken. Heißt das jetzt Birma, Burma oder Myanmar?

"au weia, ist das schlecht! heutzutage würden die so einen mist nicht mehr veröffentlichen. halt's maul. ich mach, was ich will."

(guy delisle)

Na klar. Myanmar, auch Birma oder Burma genannt, ist ein Vielvölkerstaat in Südostasien und grenzt an Thailand, Laos, der Volksrepublik China, Indien und Bangladesh. Das liegt doch auf der Hand. Ebenso der Fakt, dass das Land seit 1962 unter einer Militärjunta steht und sein Staatsoberhaupt Than Shwe sich auch gerne mal als Vorsitzender des Staatsrates für Frieden und Entwicklung bezeichnet, was im politisch korrekten Wortlaut so viel heißt wie Diktator. Birma hat auch eine Friedensnobelpreisträgerin zu vermelden, namentlich Aung San Suu Kyi. Sun Kyi informiert die Weltöffentlichkeit seit Mitte der 1970er Jahre über die politische Lage in Birma.

Erwähnenswert sei dies in zweifacher Hinsicht. Suu Kyi eröffnet mit der National League for Democracy (NLD) ab 1988 einen demokratischen Gegenpol zum totalitären Regime des Landes. Schnell wird ihr Anerkennung in der birmanischen Bevölkerung zuteil. Ihr Einsatz für ein unabhängiges und demokratisches Birma überzeugt letztlich auch das Komitee des Friedensnobelpreises. Doch die Biografie der Suu Kyi ist auch eine schmerzhafte. Seit 1990 steht die ikonische Friedensnobelpreisträgerin unter Hausarrest, welcher von Zeit zu Zeit aufgehoben und wieder eingesetzt wird. Jüngst auch wieder im Mai 2009, als ein US-Amerikaner sich Zutritt zu ihrem Anwesen in Rangun verschafft. Wegen Missachtung der Hausarrestbestimmungen wird ihr seitdem der Prozess gemacht und das nur wenige Wochen vor Auslaufen ihres Hausarrestes. Es folgten Protestmärsche in Europa, Nordamerika und Australien, doch die unbestimmte Zukunft der Suu Kyi wird damit nicht verändert.

Über Birma reden heißt die Welt einteilen. In ein Gut und Böse, in ein Wir und Die. Condolezza Rice beispielsweise prägt während ihrer Amtszeit als Außenministerin der Bush-Regierung das Schlagwort der "Vorposten der Tyrannei". Diese Klassifizierung wendet sich in erster Linie gegen korrupte und despotische Systeme wie Iran, Kuba und eben auch Myanmar. Mit welcher Absicht Rice dies tut, muss man letztlich differenziert bewerten. Doch letztlich ändert dieses Werteurteil nichts an der Tatsache, dass das Wissen um Birma – wenn man von den politischen und sozialen Gegebenheiten absieht – noch recht unzureichend ist. Dies führt uns zurück zu unserer ersten Frage: Wie lebt es sich in Birma?

Der franco-kanadische Comizeichner Guy Delisle versucht diese Frage in seinem aktuellen Comic "Aufzeichnungen Aus Birma" auf 262 Seiten zu beantworten. In zahlreichen, lakonisch-bebilderten Panels zeichnet Delisle ein Alltagsgemälde der birmanischen Kultur, dass er am eigenen Leib erlebt hat. "Chroniques Birmanes", so der Originaltitel des Werks, entstand während eines 14-monatigen Aufenthalts in der birmanischen Stadt Rangun und ist die Fortführung einer Reihe von immanent-politischen Comics (siehe "Shenzhen" und "Pjöngjang" via Reprodukt) über das Leben in autoritären Regimes in Asien.

Fingerzeig und Kulturpoetik

Doch das Werk, des 1966 in Quebec geborenen, Franco-Kanadiers mit amtlichem Wohnsitz im französischen Montpellier lässt sich nicht nur auf figurative Fingerzeige beschränken. Neben seinen politischen Comics bietet Delisle eine breite Palette an Themen und Stilmitteln, die er eloquent und fassettenreich einzusetzen weis. Auf der Erzählebene arbeitet Delisle häufig mit alltäglichen Begebenheiten, die detailliert und oft auch sehr subtil ausgefüllt werden. Damit nimmt er seinen Charakteren zwar häufig ihre ikonografisch-überhöhte Stellung, dennoch führt er sie zurück zu ihren Ausgangspunkten: dem "wirklichen" Leben, welches sich wie eine große schicksalsträchtige Blaupause über alles andere legt und erst einmal bewältigt werden muss. Verwunderlich ist daher auch nicht, dass dadurch einige sehr witzige Begebenheiten erzählt werden können, die im ersten Augenblick zwar ziemlich banal erscheinen, aber im zweiten Anlauf von einem tiefer greifenden Verständnis der geschilderten Situationen begleitet werden.

"Aufzeichnungen Aus Birma" beginnt daher nicht etwa mit einem Exkurs über die politische und gesellschaftliche Lage in Myanmar, sondern mit einem zappenden Protagonisten, der sich – nicht ganz kommunikativ – mit seiner Frau Nadège über die Abreisevorbereitungen unterhält. Nadège arbeitet bei Médecins Sans Frontières und wird in unregelmäßigen Abständen in Krisen- und Kriegsgebiete versetzt, um dort medizinische und aufklärerische Hilfe zu leisten und Krankenschwestern und Hebammen zu rekrutieren und auszubilden. Diesmal wird es also nach Birma gehen. Erst nachdem der stressige Umzug überstanden ist, beginnt Delisle allmählich kleine Schnipsel der birmanischen Kultur mit in das Erzählgeschehen einzuweben.

Teils autobiografisch, teils fiktiv eröffnet Guy Delisle danach in weiteren Episoden einen kulturpoetischen, hauptsächlich mit Anekdoten über den Alltag gespickten, Dialog über Birma, in dem sich das Nachdenken über Land und Leute in gewissem Maße über die unbewussten stillen Dinge des Lebens erschließt. Von den pragmatischen Zensurmethoden der staatlichen Autoritäten bis hin zum exotischen Blick in das zuerst fremde Supermarktregal in Rangun, Delisle schichtet Banalitäten auf politische Unheimlichkeiten und entwirft dadurch ein vielschichtiges gesellschaftliches Abbild von Myanmar.

guy delisle
"aufzeichnungen aus birma"
reprodukt 2009

empfehlung:
pjöngjang
shenzhen

We vs. Death [A Black House, A Coloured Home]

2009-06-11T14:04:00.006+02:00

We vs. Death.
"The name is 10 years old, and became a sound more than a name with a meaning. It was intented as an ironic slogan." Soviel sagt die Band selbst zu ihrem geheimnisvollen Namen und präsentiert nun ihr zweites Album.

"now you are the sun!"
(the sun)

In den heutigen Tagen des allgegenwärtig angepriesenen Musicdownloads fällt eine Veröffentlichung immer dann besonders ins Auge, wenn sie in ihrer Variante als "physisches Produkt" - eine Bezeichnung die gegenwärtig in vielen Pressemitteilungen voller stolz Erwähnung findet - neben dem eigentlichen Tonträger in seiner bewährten, durchsichtigen Platsikhülle, weitaus mehr bietet, als ein schlichtes Cover. „Wir denken einfach, dass ein Jewelcase heute einfach nicht mehr genügt“, erklärt mir Wouter Kors, Gitarrist der Niederländer We Vs. Death. „Warum sollte irgendjemand seine Musik in einer hässlichen Hülle verpacken nur weil das der Standard ist? Wir lieben Platten und wir lieben das dazugehörige Art(work) und deshalb stecken wir gern Mühe in unsere Alben.“ Diese Mühe, die bei ihrem Debüt Album "We Too Are Concerned / We Are Too Concerned" neben dem Faltcover aus einem Poster und einer Video-DVD bestand, stellt sich bei "A Black House, A Coloured Home" als eine Reihe von Postkarten und einem 24-seitigen Katalog im DinA 5 Format mit Zeichnungen, Fotografien und Bildern verschiedener Raum-Installationen heraus. „Der Großteil unseres Artworks stammt von unserem langjährigen Freund Roel Dalhuisen. Er weiß genau was wir versuchen umzusetzen, weshalb wir ihm meist eine Carte blanche geben.“

Das gegenwärtige Artwork unterscheidet sich stark von dem Vorgänger. Was dort dunkel und distanziert in einem unbekannten Draußen stattfand, scheint hier in bunten Skizzen und mit dem Betrachter kommunizierenden Installationen aufzugehen, hat sich das Darußen einen konkreten Raum gesucht, ohne sich dabei tatsächlich irgendwie verorten zu lassen. Dalhuisens Fotografien und Installationen treffen auf abstrakte, urban anmutende Zeichungen. „Wir baten Sander Polderman das Artwork zu entwerfen und er entwickelte dieses wunderschöne, abstrakte, bunte Zeug. Wir stellten uns 'A Black House, A Coloured Home' anders als das letzte Album vor, expressiver, roher, weniger sicher und eindeutig und dachten dass er diesem Gedanken gerecht würde. Es war eine Zusammenarbeit bei der alle beteiligten viel und gründlich diskutiert haben.“

Das urbane Moment stellte die Band schon im Debüt heraus in dem in den begleitenden Videos endlose Fahrten durch Metropolen nicht von ungefähr kamen. Wie der mäandernde Soundtrack zu den nächtlichen Reisen, in denen die Scheinwerfer wie Spuren auf einer verwaschenen Landkarte wirken, erschien die Musik des Quintetts. Das hat sich auf dem neuen Album nicht maßgeblich verändert, und doch scheint vieles neu und ungewohnt.

Nachdem man sich 2006 vollständig im postrockschen Schweigen verlor, machen We Vs. Death plötzlich den Mund auf. Selbstverständlich entfalten sich die dieben Stücke immer noch in einer unberechenbaren Langsamkeit, tritt immer noch der erlösende Klang der Trompete zwischen teilweise nervösen, teilweise sehr nüchternen Gitarren hervor. Neben den „noisy and more quiet songs“ sei man vermutlich dennoch am ehesten von „some distinct singing“ überrascht, erklärt die Band selbst. Doch so überraschend der Gesang für den Zuhörer ist, so wenig umstürzlerisch und programmatisch erscheint der Umstand für die Band selbst. „We Vs. Death war nie ein vollständig durchdachtes Konzept. Als wir die Band gründeten gab es hin und wieder Gesang, dann verschwand er plötzlich. Im Augenblick erscheint es uns als etwas, dass wir gern machen würden und er ermöglicht es uns unseren Songs – zumindest aus unserer Sicht – eine neue Nuance zu verleihen“, erklärt Wouter. Sowohl die Sprache der Texte als auch der Titel sollen den Songs einen Raum geben, in dem sie sich konkretisieren können. „It draws a cricle around the music.“ Jener Raum, der sich aus dem gesamten Werk, dem Klang, dem Artwork, der Verpackung ergibt.

Dennoch verlangt Sprache einen ganz besonderen Augenmerk vom Zuhörer ab. Es ist nicht leicht Textzeilen lediglich als musikalische Schattierung, als zusätzliches Klangmuster zu erachten, ohne sie entschlüsseln zu wollen, ihnen einen Sinn abzuringen. Jedenfalls solange man sich einer lebendigen Sprache bedient und nicht auf Laute im Stile des Hopelandish zurückgreift. Collection Of Stones erscheint in dieser Hinsicht wie der Klagegesang einer Moderne die sich ihrer Probleme und dessen Auswirkungen bewusst wird und bleibt dabei dennoch undeutlich genug, um nicht als agitieren, als tatsächliche Kritik verstanden zu werden. „Wir sind nicht daran interessiert klare Statements in irgendeiner Hinsicht zu machen. Politik wird weniger in unseren Texten als vielmehr in der Art und Weise wie wir arbeiten deutlich: wir buchen all unsere Konzerte selbst, wir gestalten unsere Aufnahmen selbstständig, wir achten in der Art auf unsere Arbeit, wie wir es für richtig halten.“

Dennoch lässt sich eben dieses Schwermütige, Wehklagende Moment im Gesang, besonders dann, wenn die ganze Band in dieses mit einstimmt, nicht von der Hand weisen und vielleicht ist dies auch der schwächste Aspekt eines ansonsten gelungenen Albums: Wenn der Gesang lediglich als eine Facette unter vielen den Klang bereichern soll, dann ist er wann immer er in seinem vollentfaltetem Pathos auftritt zu dominant, und bindet die ansonsten vielschichtigen Stimmungen und Qualitäten der Stücke an sich. "Hätten sie besser mal den Mund gehalten" ist an dieser Stelle natürlich eine Floskel die sich anbietet, aber selbstverständlich ist sie nicht so gemeint.
foto: zankyo records

we vs. death
"a black house, a coloured home"
beep! beep! 2009 cd
we vs. death
roel dalhuisen
sander polderman

Trailhead [The Road To Salamanca]

2009-06-01T15:16:00.002+02:00

Trailhead erzählt über das Reisen und die Liebe, den Weg, den man dabei geht und verpackt alles in eingängige Melodien, die Teil des eigenen Weges werden.

"i think i walk a while with you."
(road to salamanca)

Beim Hören der Platte fühlt man sich wie vom Sonnenuntergang beschienen. Schon bei den ersten Akkorden könnte man meinen, die rote Ballsonne wärmt den Bauch und das Herz und ob es einem liegt oder nicht, pfeift oder summt man plötzlich vor sich hin. Das kann man mögen oder nicht. Aber wem es gefällt, der ist hier gut aufgehoben. Und geht die Straße nach Salamanca mit. Sie ist staubig und führt über viele Umwege und Verirrungen, aber man ist gut gewappnet mit festem Schuhwerk, der Wasserflasche im Rucksack und der Musik im Ohr. Und so läuft man los, findet ein wenig sehnsüchtige Ruhe nach dem, wie einfach schön einst doch vieles war (Plastic Beads). Aber nicht zu lange aufhalten. Der Weg ist noch lang. Es geht weiter in forscheren Schritten, zum hüpfenden Schlagzeug, mit einer freundliche Wegbegleitung neben sich. Und auch wenn sie wieder verschwindet, bleibt die Liebe trotzdem im Kopf. Sie ist immer irgendwie da. Das kann stören oder freuen. Aber man darf es auch einfach so hinnehmen. Denn nichts ist für ewig. Aber heute kann ewig sein (Won’t Be The One).

Mit dieser Weisheit kreuzt ein Pilgerpfad den eigenen Weg. Es ist Zeit für eine kurze Rast und eine Begegnung mit denen, die suchen und finden wollen. Die Gitarre spielt ruhig und die Stimme wird es auch (Walking The Camino). Andächtig wird klar, dass es weiter gehen muss. Lässig trottet man dahin. Die fussfreundlichen Wanderschuhe getauscht gegen ausgetretene Stiefel, vorbei an der unerreichbaren Oase (Speed Of Sound) und hin zum Meer. Die Wellen umspülen die geschundenen Beine. Das Klavier spielt sein Lied dazu und lässt alles für einen Moment fließen (Waves). Die Gedanken rauschen und kreisen um Vergangenes, um Orte und natürlich um die Liebe,ums Begehren und Zerfließen. Der Weg gerät aus den Augen und es fällt schwer weiter zu gehen.

Aber dann verlässt man das Meer und läuft und läuft. Die Wasserflasche ist leer, der Kopf auch, die Füße haben Blasen, aber die Musik führt weiter. Mal leise mal schneller und dann plötzlich liegt Salamanca vor einem. Gleißend in der Abendsonne. Aber ist man nun wirklich angekommen? Das entscheidet man wohl besser erst am nächsten Morgen. Vielleicht war ja auch alles nur ein Traum und man sitzt längst im Flugzeug zurück. Dahin wo man hergekommen ist. Denn so wirklich halten kann einen das, was man so lange ersehnte, dann doch nicht (Morning Light).

Beeinflusst durch jahrelanges Herumreisen, und die Suche nach dem, was im Leben hält, legt Trailhead eine Platte vor, die mal Folk, mal Singer/Songwriter und auch Country ist. Sie zeichnet Bilder von Landschaften, Begegnungen und Sehnsüchten. Die Melodien sind groß durch ihre Einfachheit, der warme Gesang ist gespickt von schöner harmonischer Mehrstimmigkeit. Es gibt viel Gitarre, manchmal Band und manchmal auch ein Klavier. Alles ist in sich stimmig arrangiert und glänzt durch wunderbar unaufdringliche Eingängigkeit. Manchmal braucht es eben nicht mehr als eine gute Melodie und Stimme und die passenden Instrumente.

Hinter Trailhead steckt der Liederschreiber Tobias Panwitz, wohnhaft in Berlin, der mal solo, mal mit Band und Gastmusikern seine Musik spielt. Er war lange auf der Suche nach dem, was ihn vor der Langeweile des Konstanten bewahrt und übrig blieb die Musik. Orientiert an Größen wie Tom Petty oder Neil Young geht er seither seinen musikalischen Weg und hat nun mit "The Road to Salamanca" ein Kleinod erschaffen, dass in der ganzen aufgeregten Musiklandschaft zur Ruhe einlädt und sich auf das Wesentliche konzentriert.

Und wer, wie ich, nicht spontan einzuordnen weiß, wo die Straße nach Salamanca zu finden ist, der kann die Gelegenheit nutzen und mal wieder den alten Weltatlas aus Schulzeiten hervorkramen und in Erinnerungen schwelgend abdriften und gucken, wohin einen der eigene Weg einst schon führte oder wohin er noch mal führen soll. Wo Salamanca liegt, weiß man dann auch. Und vielleicht hat man auch eine Melodie im Ohr.
foto:

trailhead
"the road to Salamanca"
cannery row records, 2009 cd
trailhead

Sportfreunde Stiller [MTV Unplugged In New York]

2009-05-21T13:00:00.004+02:00

Mit einer gewissen unbekümmerten Kauzigkeit trat das bayerische Trio 1996 das erste Mal auf eine Bühne. Über eine Dekade später liefern die drei Herren mit einer unplugged Aufnahme im (Dativ!) New York der Bavaria Filmstudios eine Art Best-Of Platte ab, die nicht viel an Kommentar verlangt.

"wenn man so will, bist du meine chill-out area"
(ein kompliment)

Ach du Scheisse.

foto: universal

sportfreunde stiller
"mtv unplugged in new york"
vertigo, 2009 cd, 2cd
sportfreunde stiller

3 Kurze [Madeleine Peyroux, Melody Gardot, Eleni Mandell]

2009-05-17T14:24:00.008+02:00

In einem kleinen Café bei einer Tasse heißem Milchkaffee treffe ich nacheinander auf drei US-amerikanische Damen, die genau jene Musik spielen, die für die Stimmung an einem solchen Ort vermutlich die trefflichste ist; Sanfter Jazz, vielfältig instrumentiert, zurückhaltend, attraktiv und vor allem äußerst charmant.

"my baby dreams when he's awake - my baby laughs when he's asleep."
(right side, eleni mandell)

Die erste der drei jungen Damen die ich treffe ist die aus Georgia stammende Madeleine Peyroux. Sie scheint ein wenig unnahbar, niemals gelangt ein direkter Augenkontakt, ohne dass die Mittdreißigerin unsicher wäre oder Blicken ausweicht, bleibt sie doch ungreifbar. Vielleicht versucht man sie deshalb mit den allgegenwärtigen Billie Holliday Vergleichen einzufangen, die, so muss man nach den ersten Takten jedes ihrer Alben gestehen, sich nicht als grober Unfug abtun lassen. Vielleicht verzichtet Mrs. Peyroux deshalb auch, um sich weiter zu emanzipieren, in "Bare Bones" auf die ansonsten viel gelobten Coverversionen und Interpretation die ihre vier vorherigen Alben stets bereicherten. Doch auch ohne diese bleibt hier erneut alles in jener Schwebe einer verspielten Leichtigkeit, die neben ihrer bezaubernden Stimme durch Hammond Orgel, Slide Guitar und Bläsern verstärkt wird. Inhaltlich muss man jedoch anfügen, sind die Stücke doch eher belanglos wenn sich "you do" auf "get blue" reimt oder man sie romantisch verklärt von Homeless Happiness singen hört und sich dabei in Nostalgie der Kindertage verliert. Aber das sei ihr ruhig gegönnt.

Überhaupt nicht schüchtern und zurückhaltend im Auftreten hingegen ist die zehn Jahre jüngere Melody Gardot, deren Sex-And-The-City affines Erscheinen sich schnell vieler Blicke gewahr sein kann. Vielleicht ist dies auch eine Gegenreaktion auf ihre eigene Vergangenheit, in der sie als 19 jährige von einem Jeep überfahren wurde und nach einer langwierigen Therapie noch immer physische Behinderungen davon trägt; ein Gehstock um ihre Balance zu halten und getönte Brillengläser um ihrer Lichtempfindlichkeit zu entgegnen sind vermutlich die auffälligsten äußerlichen Merkmale dieses Umstandes. Neben ihrer beeindruckenden Stimme selbstverständlich, die einen vom ersten Ton ihres neuen Albums "My One And Only Thrill" nachhaltig verzaubert. Die neben Klavier, Bass und Schlagzeug mit zahlreichen Streichern und Bläsern perfekte Orchestrierung der elf allesamt von ihr selbst geschriebenen Stücke – sieht man selbstverständlich von der großartigen Interpration des von Harold Arlen geschriebenen Somewhere Over The Rainbow am Ende des Albums ab – verstehen es zwar die Atmosphäre eines Wiener Kaffeehauses an einem Sonntagnachmittag hervorzubringen, doch letztlich ist es immer Gardots warme Stimme, die einen vertäumt und glücklich seufzen lässt. Mit Verve und Raffinesse lässt die junge Sängerin schon jetzt ihre gefeierte Labelkollegin Diana Krall blass und eintönig aussehen.

Die dritte Dame, deren Bekanntschaft ich bei einer Tasse Kaffee mache ist die „unkalifornischste Kalifornierin“ und gleichzeitig „perhaps best unsigned artist in the business“, wie ich mich im Vorfeld informieren konnte. Eleni Mandell erscheint zeitlos im Sinne von Kim Gordon und ist die einzige der drei Chanteuses, die neben dem Gesang auch an der Gitarre brilliert. Selbst wenn Elemente des Jazz auch hier offenkundig sind, ist sie eher im Folk und Country verwurzelt und weiß diese Momente klug zu verbinden. Das bezaubernde Stück Right Side etwa, dass spätestens mit dem Einsetzen der Trompete jeden von seinem Potential überzeugen sollte, das leicht melancholische It Wasn't The Time (It Was The Color) oder das verträumt glamuröse Tiny Waist erlauben es Mandells Namen ohne einen Bruch entstehen zu lassen mit denen der beiden vorherigen Damen zu nennen. Die 15 Stücke auf "Artificial Fire", ihrem bereits siebten Album, variieren mit verschiedensten Jazzkomponenten auch wenn sie deutlich rauer und druckvoller als bei Peyroux und Gardot ausfallen und eher die (E-)Gitarre als das Klavier zu Wort kommen lassen. Die Ausnahmen bilden auf dem Album den Rahmen, so sind vor allem das Titelstück als Opener und die abschließende und überraschend schräge Folk-Punk-Rock-Nummer Cracked wenn man so möchte die enfants terrible dieses Albums.

Ein Lächeln hinterlässt letztlich jede der drei Damen auf meinen Lippen, bevor ich austrinke, bezahle und in den Sonntagnachmittag gehe.
foto: melody gardot, verve

madeleine peyroux
"bare bones"
decca, 2009 cd
madeleine peyroux

melody gardot
"my one and only thrill"
verve, 2009 cd
melody gardot

eleni mandell
"artificial fire"
make my day records, 2009 cd
eleni mandell

Sarah Kuttner [Mängelexemplar]

2009-05-15T10:36:00.009+02:00

Karo ist 27 Jahre alt, versinkt im Arbeitslosen- und Liebeskummertief und steht schon direkt vor ihrem nächsten Tief: einer ordentlichen Depression in jungen Jahren. Aktuelles Tabuthema, behandelt von Quasselstrippe Sarah Kuttner und die Frage: Muss das sein?

"ich bin keiner von diesen trend-psychos. ich bin the real shit."
(karo hermann)

Die Moderatorin Sarah Kuttner hat ein Buch geschrieben. Nachdem in "Das oblatendünne Eis des halben Zweidrittelwissens" (2006) und dessem nahtlos anknüpfenden Nachfolger "Die anstrengende Daueranwesenheit der Gegenwart" (2007) eine Auswahl ihrer Kolumnen für die SZ und den Musikexpress zusammengestellt wurden, legt sie nun ihren ersten vollständigen Roman vor. Mit "Mängelexemplar" hat sich die junge Moderatorin dem allseits bekannten, aber selten behandelten Tabuthema Depression gewidmet.

Ihre Hauptfigur Karo Hermann befindet sich im ersten Kapitel des Buches bei ihrem sogenannten „Popstarpsychiater“ in Behandlung und erzählt ihm chronologisch wie alles vor einem Jahr begann: Was der Grund für die Notwendigkeit eines Psychiaters ist und wie es überhaupt soweit mit ihr kommen konnte. Und schon hier frage ich mich, ob es wirklich so neu und erschreckend ist, dass auch junge Menschen unter Depressionen leiden können. Oder ob ich zu sehr an der direkten Quelle sitze, um mich nicht zu wundern, dass sich so manches junge Leben heutzutage verloren fühlt.

Sarah Kuttner rechtfertigt ihre Themenwahl in einem Interview mit der „Märkischen Allgemeinen“, dass in ihrem Freundeskreis das Thema groß und wichtig wurde und sie sich damit konfrontiert gefühlt habe. Also, Pluspunkt für Kuttner: sie hat sich dem Thema Depression aus persönlicher Motivation heraus angenähert und es in einem Roman versucht aufzuarbeiten. Minuspunkt: man bekommt allerdings den Eindruck als läge dennoch das Interesse nicht an dem Thema „junger Mensch mit Depression und wie damit umgehen“, sondern „Ich schreibe doch noch einen Roman und nach der Roche-Sexwelle wäre Depression ein gutes Tabuthema. Frag ich mal meine Freunde wie sich sowas anfühlt.“

Im Groben geht es, wie schon erwähnt, um die junge Karo Hermann, keine 30 Jahre alt und neben ihrer Hassliebschaft mit Bald-Exfreund Philipp ist sie eine arbeitslose Eventplanerin. Dass ihr zwei Konstanten im Leben nun fehlen ist für Karo mehr als sie ertragen kann. Sie bricht zusammen. Dank ihrem betont unschwulen besten Freund Nelson, der selbst eine Bilderbuchbeziehung mit seiner überaus toleranten und anspruchslosen Freundin Katrin führt, hat Karo immerhin einen verlässlichen Freund gefunden, der immer und überall für sie da ist. So wie es sein sollte! Zeitweise wird Karo bewusst, dass sie nicht nur Nelson und professionelle Hilfe benötigt, sondern auch die Liebe ihrer Eltern. Besonders ihre Mutter steht fürsorglich hinter Karo und deren Depression, zumal sie dasselbe wie ihre Tochter auch schon erlebt hat. Panikanfälle, Angst vor der Angst, körperliche sowie psychische Zusammenbrüche, das Gefühl es ginge nicht mehr weiter und zurück schon gar nicht.

Dank Kuttners bestechend ironischem Schreibstil, der keinen Spruch, sei er noch so schlecht, auslässt, wird die Ernsthaftigkeit dieses Themas leider nur oberflächlich angekratzt und Tiefgang fehlt an allen Ecken. Der Leser wird mit platten Attitüden überhäuft, die Karo als eine junge Frau charakterisieren sollen, die sich nicht eingestehen möchte und kann, dass sie psychische Probleme hat und sich lieber mit einer aufgesetzten Lässig- und Schnelligkeit durch alle Lebenslagen zu schlagen versucht. Allerdings bewirkt diese Herangehensweise, dass sich die Autorin zusehens in Witzeleien verliert und der Charakter von Karo somit schwer zu fassen ist.

„Wäre ich nicht so ungeduldig, könnte ich vermutlich springreiten, singen und sehr belesen sein. You can get it if you really want. Ich wante vermutlich nicht really genug. Auf der anderen Seite wante ich zumindest genug, um ordentlich unzufrieden zu sein, es nicht zu getten.“, ist ein Paradebeispiel für Kuttners Stil im Schreiben. Und was sie mit der sogenannten „Karmapolizei“ ständig hat, verstehe ich auch nicht: „[...] mein persönlicher Karmapolizist hebt seinen Verkehrsregelstab und sagt: 'Nanana, Frau Herrmann! Überstürzen Sie nichts!' Entschuldigung, Officer! Natürlich haben Sie recht.“

Stilistisch bedient sich Kuttner immer wieder an Personifikationen, die wiederum weniger für Qualität als für Quantität stehen. „Ich packe die Saugnapfhandtuchhalter aus und bringe sie ins Bad. Die Handtücher sollen sich freuen bitte. Aber ich kann ihre Reaktion nicht abwarten, ich habe das Gefühl, wahnsinnig zu werden.“ Hier dient die Personifikation der Überleitung zu Karos akut psychischem Zustand, aber erneut: Muss das sein? Das sind sinnlose Sätze, die sich lässig anhören sollen und klingen, als seien sie von einer zwölfjährigen geschrieben worden. Nach der Trennung von Philipp, die „das stinkende Fass Karo zum Überlaufen gebracht hat“, versucht die Hauptfigur auf ihr Innerstes zu hören: „Mein Kopf, mein Herz und ich legen, während Philipp inzwischen über neue innerstädtische Flächen zum Besprühen sinniert, Wut und Trauer auf meine Emo-Waage. Wut wiegt einiges mehr. Darf es noch ein bisschen mehr sein? Warum nicht.“

Sarah Kuttner ist wie Helge Schneider. Beim Zusehen und Zuhören ist man begeistert, aber Geschriebenes verliert einfach am gewohnten und geschätzten Humor. Und bei „Mängelexemplar“ verliert es streckenweise auch an Geist. Möglicherweise ist Sarah Kuttner ein so viel mehr optimistischer Mensch, der das Leben leichter zu nehmen versteht, als ich es tue. Deshalb gibt sie ihrer depressiven Hauptfigur vielleicht diese dann doch sehr verkrampfte Witzigkeit mit auf dem Weg, aber für meinen Geschmack passt das Buch hinten und vorne einfach nicht zusammen. Ich bewundere die Autorin, dass sie sich solch ein komplexes Thema für einen Roman ausgesucht hat, aber ich hätte einfach mehr erwartet. Zumindest weniger dieser platten Sprüche und dafür mehr Ernsthaftigkeit im Umgang mit dem Thema. Schließlich ist es nicht nur ein komplexes sondern auch ein sensibles, dass weitaus mehr Menschen beschäftigt, als man es sich immer noch vorstellt. Kuttners Hauptfigur fühlt sich sichtlich überrumpelt von ihrer Depression, gibt mir allerdings im Nachhinein eher den Eindruck, als hätte die Autorin schlicht und einfach nicht genug Ahnung und Empfinden gehabt, um dem Leser Tiefgang in diesem Thema bieten zu können. Vielleicht ist dies auch die Begründung zu Kuttners Aussage „Ich hatte keine Botschaft im Kopf, als ich geschrieben habe“. Wenn sie damit zufrieden ihr Buch veröffentlichen und verkaufen lassen kann, in Ordnung. Nur merkt man es dem Buch leider an, dass sie keine Botschaft hatte. Außer vielleicht der, dass irgendwo immer noch ein Spruch reinpasst. Für mich leider zu viel des Guten (oder auch des Schlechten).
foto:

sarah kuttner
"mängelexemplar"
s.fischer 2009
sarah kuttner
interview in der märkischen allgemeinen

Hjaltalín [Sleepdrunk Seasons]

2009-05-03T11:27:00.002+02:00

Popmusik wird nicht dafür gemacht, dass man sich daran stößt. Was aber, wenn trotz großer Sympathie für neun umjubelte Isländer, des Aufgebots eines halben Kammerorchesters und einer Mischung aus Unbeschwertheit und Melancholie das Gefühl bleibt, dass irgendetwas fehlt?

"all the king's men and all the king's horses couldn't help you find your way
why are you chasing a lie when you know you should be choosing faith
you spend all you time checking if you have new messages on myspace."
(traffic music)

Mit dem Kennenlernen von Musik verhält es sich wie mit dem Kennenlernen von Menschen. Manchmal tut man sich schwer mit dem Warmwerden, braucht mehrere Anläufe, kann aber erahnen, dass da etwas Großes wartet, wenn man nur die nötige Geduld aufbringt. Und probiert es so lange immer wieder, bis der Knoten platzt und man nicht mehr genug kriegen kann. Genauso funkt es manchmal sofort. Es reicht, das Album einzulegen und auf Anhieb, ohne Anlaufzeit, ist man mittendrin in dieser Geschichte. Manchmal allerdings geht es auch zu schnell. Wie gerne würde man es mehr mögen, aber völlig unerwartet stellt sich die Erkenntnis ein, dass die Zuneigung nicht mehr tiefer gehen kann, dass da nichts mehr kommen, dass es bei sporadischen Begegnungen bleiben wird.

"Sleepdrunk Seasons", das Debutalbum von Hjaltalín, ist so ein Fall, obwohl die neun Isländer eigentlich alles richtig gemacht haben.

Da hat sich eine dieser wundersamen Formationen gebildet, die einen Blick über den üblichen Gitarre-Schlagzeug-Bass-Tellerrand werfen und stattdessen die Bühne mit Cello, Kontrabass, Trompete, Tuba und (es geht noch weiter) Posaune, Waldhorn und Fagott bevölkern. Von den Herren Hemm Hemm und Tynes von múm produziert, ist das Ergebnis eine Platte, die sich in ihrer Andersartigkeit scheinbar schwer vergleichen lässt. Neben Högni Eglissons warm-rauchiger Stimme und überirdischen Hintergrundchören erzählt auch die opulente Instrumentierung Geschichten; befindet man sich zeitweise in einem unbeschwerten Strudel aus ausgelassenem Klavier, vorwitzigen Bläsern und jubelndem Fagott – ganz so als würden sämtliche Freunde an einer langen Tafel durcheinanderreden - bleiben bei all dem Überschwang die schwarzen Tasten auf der Klaviatur nicht ungenutzt.

Goodbye July/margt að ugga zum Beispiel, das vielleicht auf Anhieb eingängigste Lied des Albums, steckt sofort an mit seiner ungezügelten Lebensfreude; treibende Bläser, tänzelnde Streicher und Eglissons lautmalerischer Gesang stacheln dazu an, sich immer wieder, immer wilder, immer schneller um die eigene Achse zu drehen. Bis irgendwann der Schwindel und das Bewusstsein da ist, dass sich der Sommer bereits auf der Zielgeraden befindet und die Zeit des Abschieds mitsamt seinem schwermütigen Ausklang gekommen ist. Und auf einmal ist man mittendrin in der tiefsten Melancholie und im nächsten Stück, Kveldúlfur, das mit seinen schweren Bläsern gewittrige Gebirgslandschaften malt; ein wenig erinnert es an Sibelius' Finlandia und kommt dabei, wie weite Strecken des Albums, ohne Text aus. Doch genauso schnell wie das Gewitter in den Bergen aufzieht, ist es auch hier wieder verschwunden und Hjaltalín üben sich in Debussys spielerischer Leichtigkeit. Die vorherrschende spielerische Leichtigkeit der Instrumentierung mag darüber hinwegtäuschen, dass die Isländer nicht ganz so harmlos sind wie sie manchmal tun und durchaus in der Lage sind, auch kritische Töne anzuschlagen – auch wenn diese einen so zart umspielen, dass sie doch letztlich Beiwerk bleiben. The Trees Don't Like the Smoke ist so ein Beispiel dafür: „the birds and the bees and the flowers and the trees, they're always looking / the trees don't like the smoke, the trees don't like to choke [...] put that cigarette out for the trees“. Oder Traffic Music, das dazu aufruft, sich von äußeren Einflüssen freizumachen und so zum eigenen Weg zurückzufinden - „all of the junk you're eating will slowly fill your fragile heart so go from the start and rewind to the part when you first knew what you had to say“.

Genau diese Mischung aus leichtfüßigem Pop und klassischer Musikausbildung, aus Melancholie und Heiterkeit ist es wohl, die verantwortlich für die Purzelbäume ist, die da gerade rund um die neue Hoffnung aus Island geschlagen werden. Nominierungen in fünf Kategorien bei den Icelandic Music Awards, Preise in den Kategorien „Best Songwriter“ und „Brightest Hope“ und eine weitere Nominierung für The Trees Don't Like the Smoke bei den Time for Peace Music and Film Awards; überschwänglich in sämtlichen Musik-Foren beklatscht und in Deutschland von den Schatzsuchern von Haldern Pop Recordings geborgen. Eine sympathische Truppe ist das, eine bunt zusammengewürfelte Combo, der man abnimmt, das ihnen am Herzen liegt, was sie da tun und das auch noch mit dieser Mühelosigkeit, die gute Popmusik ausmacht.

Und doch bleibt am Ende das Gefühl, dass irgendetwas fehlt und man weiß gar nicht so genau, was das sein könnte. So wie das eben ist, mit manchen Menschen, bei denen man traurig darüber ist, dass es trotz Grundsympathie nicht funktioniert, obwohl man sich bemüht. Und vielleicht, denkt man sich manchmal, ist da zuviel richtig gemacht worden, fehlen die Ecken und Kanten, an denen man sich stoßen kann. Die dann blaue Flecken hinterlassen würden. Und eine bleibende Erinnerung.

foto:

hjaltalín
"sleepdrunk seassons"
haldern pop recordings, 2009 cd
hjaltalín

Marching Band [Sparke Large]

2009-04-27T12:33:00.001+02:00

Es wird Sommer! Und da sind Hymnen auf die Liebe und das Leben nach all der Schwermut des viel zu langen Winters wieder erlaubt und nur allzu erwünscht. The Marching Band versorgen uns zum Frühlingsanfang mit tief empfundenem und pfiffig gemachtem Songmaterial ihres Debutalbums "Spark Large".

"this year we capture the feel; our days get longer in the summer."
(for your love)

Diese Schweden scheinen das Frühlingsgefühl erfunden zu haben. Pünktlich zum schönen Wetter beschert uns das schwedische Pop-Duo Marching Band ein Album dass winterliche Melancholie und sommerliche Leichtfüßigkeit in zwölf Songs verbindet und subtil aber bestimmt eine hellere, fröhlichere und wärmere Zeit voraussagt. Auf dem Weg zu einer der ersten Sommerplatten des Jahres liegen jede Menge Shins-Unbefangenheit-Riffs; Melodieführung und die ohrgefällige Regelmäßigkeit blubbernder Offbeats erinnern stark an "Chutes To Narrow", jedoch behalten sich Marching Band auf ihrem Debütalbum "Sparke Large" einige wertvolle und charakterisierende Eigenheiten vor, die es in Zukunft weiter auszubauen gilt.

Neben dem über weite Strecken gedoppelten und dezentralen Gesang, der den Hörer angenehm entspannt durch das Album trägt, fallen die Klavierarrangements und der Gebrauch von vielfältigem Schlagwerk als besonders positiv auf; Da reihen sich Marimbaphon, Steel Drum und jede Menge Geklappere und Gerüttle ein, bevor das Drum Kit wieder streckenweise mit pulsierendem Beat und groovendem Timing übernimmt.

Am schönsten sind die Beiden, wenn sie die das große Gerät weglassen und sich den schlichten und eingängigen Popsong zu eigen machen. Die schrebbelige Clapyourhandssayyeah- Manier, die sich hier und da - sicher auch dank Produzent Adam Lasus - einschleicht steht den Schweden nicht besonders und ist auch gar nicht nötig, um ein paar wirklich innovative und kurzweilige Songs zu schreiben, in denen Text und Musik sich in tollster Indieharmonie die Hand zu geben scheinen und die Produktion absolut authentisch und ehrlich auf die Künstler und ihre Fähigkeiten passt. Man merkt, hier waren wirkliche Talente am Werk, die Klangvorstellungen in aktives Material verwandeln und sich dabei in Experimenten verlieren können. Die klaren Strukturen und zielorientierten Rhythmen lassen den Stimmen genau die emotionale Wirkung zukommen, welche die Songs brauchen und ertragen können; Spannungsbögen sentimentaler Momente werden nie überdehnt, es wird mit Dynamik und Instrumentierung gespielt anstatt mit technischen Übersteuerungen.

Und die Marching Band macht mit all ihren launischen Geschichten über alltägliche Geschicke und kleine Dramen nach all dem winterlichen schwermütigen Songwritergejammer auch einfach unendlich Spaß: aufdrehen und ab in die Sonne!
foto:

marching band
"sparke large"
haldern pop recordings, 2009 cd
marching band

Mathias Ahrberg [Korrekte Klamotten]

2009-04-25T13:31:00.006+02:00

Alles Bio – Alles Fair!
Die beiden Schlagworte vereinen eine immer größer werdende Gruppe von Labels und Designern im Modebereich, die sich mit Nachhaltigkeit auseinandersetzen. Und seit einiger Zeit bloggen sie auch vernetzt.

"immer auf die etiketten gucken! nicht auf greenwashing reinfallen!"
(mathias ahrberg)

Vor gut drei Jahren begann das kleine Hamburger Mode Label fairliebt mit einer handvoll schicken T-Shirts seine Arbeit. Wiebke Hoevelmeyer und Mathias Ahrberg wehrten sich mit ihrer Idee gegen das dürftige Angebot von selten gut geschnittenen Artikeln im Bereich der fairgehandelten und ökologisch produzierten Bekleidung. Korrekte Klamotten eben. Heute hat sich die Situation gewandelt. "Der 'Markt' ist erstaunlich schnell gewachsen", sagt Mathias Ahrberg. "Mittlerweile gibt es viele Anbieter mit einem sehr großen Angebot. Neben den großen Ketten mit ihren Feigenblatt-Angeboten steigen mittlerweile immer mehr Designer auf nachhaltig produzierte Stoffe um. Ist eben einfach besser." Ob es dieser Gedanke ist, der die großen Textilwarenhäuser in Deutschland und darüber hinaus zu der Entscheidung bewog "BioCotton" oder "Organic Cotton" als Kollektionen in ihre Programme aufzunehmen, oder ob es einfach das alte Diktat der Nachfrage zwischen hippen LAOHAS und minimalistischen LOVOS war, lässt sich nur mühsam nachvollziehen. Ahrberg betrachtet die Entwicklung zwar wohlwollend aber auch mit einem kritischen zweiten Blick: "C&A zum Beispiel zählt zu den fünf größten Einkäufern von Biobaumwolle. Das muss man schon honorieren, das ist ordentlich. Allerdings kann man Kleiderproduktion (ganz!) grob in drei Prozesse einteilen: die Pflanzen auf dem Feld, die Stoffproduktion und schließlich die Fertigung des Kleidungsstücks. Wenn die Pflanze ohne Chemie wuchs, anschließend aber durch ein Chemiebad wanderte und zuletzt in einem Sweatshop verarbeitet wurde, steht zwar Biobaumwolle drauf, ist aber nicht wirklich drin."

Letztlich geht es nicht nur Ahrberg um mehr als eine hypegeschuldete Haltung die mal eben auftaucht, aber sicherlich bald wieder nachlassen wird. Die erste vollständige Frühling/Sommer Kollektion von Kleidern, Shirts und Accessoires aus dem Hause fairliebt trägt den Titel "Tropen, jetzt!" und dazu ließt man die Zeile "Tropen, jetzt! lieber im Kleiderschrank als vor der Haustür". Die komplexen Hintergründe des Alltagskonsums sind den Betreibern hierbei sehr wichtig, auch wenn sich das Kommunizieren dieser oft als sehr schwerfällig erweist. "Man kann ja nicht mit der Moralkeule herumlaufen", erklärt Ahrberg. "Und es gibt ja auch sehr viele Probleme, die durch strategischen Konsum nicht gelöst werden können. An diesen Stellen muss die Politik eingreifen. Aber wir finden es großartig, wenn Produzenten sich über die Ursachen ihres Handelns im klaren sind und dies dem Konsumenten vermitteln."

Korrekte Klamotten dient nicht nur als Schlagwort für die eben beschriebenen Bekleidungsartikel im Gesamtprozess der Herstellung, sondern auch als Netzwerk kleiner unabhängiger Modelabel und DIY Ideenschmieden. Der von Ahrberg iniziierte Blog richtet seinen Blick auf unter zertifizierten Bedingungen aus nachhaltigen Rohstoffen produzierte Waren. "Die Vernetzung klappt sehr gut. Auf Messen wie der BioFach oder der Ökorausch stolpert man ohnehin immer wieder übereinander. Also wir haben in den drei Jahren viele nette Menschen kennen gelernt, wenn die dann auch noch ein Label haben, umso besser." Dass man unter ökonomischen Gesichtspunkten dabei eigentlich im Wettbewerb steht wird jedoch nicht zu einem Problem: "Unsere Angebote unterscheiden sich ja schon vom Stil. Die faire Produktion ist nur die ganz große Klammer."

Neben Seiten wie Utopia, Nachhaltig Beobachtet oder zahlreichen individuellen Blogs, richtet sich der Blick von Korrekte Klamotten auf die Möglichkeiten ökologischen und fairen Handels. Ein immanentes Problem von kulturellen Erscheinungen dieser Art ist stets die Frage, ob das jeweilige Anliegen tatsächlich Menschen von der eigenen Idee überzeugen kann, oder ob es beim preaching to the converted bleibt. Ahrberg gewinnt der Problematik eine positive Perspektive ab. "Durch die vielen Bio-Lebensmittel sind die meisten schon sensibilisiert und haben einfach nur noch nie über ihre Kleidung nachgedacht. Und das 'Neue' an den ganzen jungen Labels ist eben, dass sie sich über ihren Stil definieren und nicht nur die klassischen Ökos ansprechen wollen. Es ist nach wie vor recht schwierig in den konventionellen Läden verkauft zu werden, einfach weil es so unglaublich viele Labels gibt. Aber das wird."

Ähnlich optimistisch ließt sich auch ein Beitrag zur Biofach Messe im KK Blog: "Ich träum ja von einem korrekte.klamotten-Gemeinschaftsstand auf der Biofach 2010. Mit allen, die hier aktiv mitbloggen." Dann träumen wir mal mit.
foto: susanna goonawardana

korrekte klamotten
fairliebt
utopia
nachhaltig beobachtet

Kitty Solaris [My Home Is My Disco]

2009-04-20T12:05:00.001+02:00

Erste Assoziation: Außen auf der Platte Boxhandschuhe, innen Musik wie flauschige Kissen und Marzipanschokolade im Mund. Da kann man sich verlieben, aber nur, wenn man über die Boxhandschuhe hinwegsieht.

"she's like a honeybee, she's always teasing me."
(positive/negative)

Der Ort eines jeden Künstlers, der Ort der good vibrations, der Ort, an dem in jeder Ecke eine Idee lauert ist - nein, kein Café, und auch nicht das Wohnzimmer oder ein Wald bei Nacht, sondern die Küche. Frau Solaris tut es nur da. Komponieren. Mitten im Prenzlauer Berg, mit Berlin vor dem Fenster, sitzt Frau Solaris nachts neben dem Herd und schreibt. Romantik kann dieser Vorstellung niemand abstreiten.

Diese Musik ist groß wie Berlin, bloß versteckt hinter schüchternen Xylophonklängen, sanften Bässen und einer zerbrechlichen Stimme. Manchmal, da traut sich Kitty plötzlich etwas, da vernimmt der Hörer auf einmal ein Schlagzeug oder sogar zwei mutig scheppernde Gitarren miteinander und auffallende Lautstärkekontraste. Besonders Turn On The Light On Me legt nach wenigen Minuten richtig los, mit Liebe zum Detail, aber die Zerbrechlichkeit der Küche bleibt zwischen den Tönen hängen, die Unberührbarkeit, die Gänsehaut mit den nackten Füßen auf den kalten Fliesen. Die klappernden Weingläser mit Freunden. Ein schönes Gefühl.

Man nennt es Lo-fi-Pop. Namen wie Cat Power und PJ Harvey bleiben im Unbewusstsein hängen, und wenn man später liest, dass die Künstlerin auch ein Faible für AC/DC und die White Stripes hat, meint man sogar, auch irgendetwas von selbigen irgendwo da zu vernehmen. Kittys Musik ist eben vielseitig, und sie hört sich für jeden anders an. Sie ist frisch und anders, befreiend, abwechslungsreich und erleichternd, wie ein kühles Bad im Sommer.

Dennoch ist "My Home Is My Disco" eine der wenigen Platten, bei denen der erste Eindruck trügt. Das Artwork glänzt nicht von der besten Seite, auch das Cover nicht, es bleibt zu blass und nichtssagend. Beim ersten Aufschlagen ein Stirnrunzeln: Kitty Solaris schaut mich auf ihrer eigenen CD herausfordernd mit roten Boxhandschuhen an den Händen an. Ob Kirsten Hahn - Mrs. Kitty sozusagen - einfach nur starke Kontraste mag oder sie tatsächlich so ist, wird mir auch beim Anschauen ihrer Videos nicht klar - aber so ist es eben, ihre Musik hört sich für jeden anders an.

Kitty Solaris werden auf ihrer Homepage die "ganz großen Bühnen" vorhergesagt. Dieses Zitat stammt von 2005. Die Künstlerin scheint es sich zu Herzen genommen haben - denn was folgte, war harte Arbeit. Nachdem ihr erstes Album "Different People" schon 2003 erschienen war, wurden daraufhin zwei EPs geboren. Die zweite Platte "Future Air Hostess" wurde 2007 veröffentlicht, "My Home Is My Disco" ist wiederum ihr drittes Album und erscheint am 24. April diesen Jahres beim selbstgegründeten Label Solaris Empire/Broken Silence. Für letzteres hat sie sogar Strokes-Produzent Gordon Raphael sowie Liars-Produzent Holger Müller an Land ziehen können. Damit hat sie innerhalb weniger Jahre eine stolze Diskographie aufgebaut, die sich sehen lassen kann.

Die "ganz großen Bühnen" sind jedoch eine Sache der Interpretation - sicher ist, dass Kitty Solaris schon sehr viele Berliner Bühnen von oben gesehen hat, die Bühnen ihrer Heimatstadt, und mit ihrer neuen Platte wird sie auch Magdeburger, Ulmer, Baseler, Badener und Freiburger Bühnen von der ganz besonderen Perspektive betrachten können. Bestärkt wird sie dabei von Steffen Schlosser an ihrer Seite. Für diese Berlinerin bleibt aber immer Platz nach oben, und dass sie dem gewachsen ist, ist überhaupt keine Frage. Hiermit seien ihr also auch von der Lichter-Seite die großen Bühnen vorhergesagt.

Kittys Home ist ihre Küche, also ist die ihre Disco. Der Hörer kommt nicht umhin, den Rest der laufenden Platte den minimalistischen, englischsprachigen Texten zu lauschen, die eine Musik ganz für sich sind, und sich nach jedem Satz zu fragen: Würde ich das in meiner Küche denken?
Aber er wird schnell merken, dass diese Texte Fragmente des Alltags sind, diese Textzeilen, die einem plötzlich auf einer Party oder an der Ampel oder im Supermarkt im Kopf blümen. Frau Solaris hat das Talent, sie festzuhalten, und deshalb hat jeder Song sein ganz eigenes Gefühl, jeder Song seine eigene Jahreszeit, seinen eigenen Ort, an den er gehört.

Wie gut, dass die Boxhandschuhe verschwinden, sobald sich die CD-Klappe der Anlage darüber schließt.
foto: bergen

kitty solaris
"my home is my disco"
solaris empire, 2009 cd
kitty solaris

Beoga [The Incident]

2009-04-17T12:33:00.011+02:00

If you are lucky enough to be Irish, then you are lucky enough.
Das irische Qintett Beloga scheint hier keine Ausnahme zu bilden und vermischt traditionelle Folklore mit bunten Stilelementen.

"the most exciting traditional band to emerge from Ireland this century."
(wall street journal)

Es gibt wundersame und eigenartige Zufälle, die sich im Leben Einzelner ereignen und die Menschen unabhängig von Altersunterschied, Distanz und Vorgeschichte zusammenbringen. Horizonte werden erweitert, Vorurteile aus dem Weg geräumt, diskutiert, erprobt, verworfen. Und plötzlich gibt es eine neue Idee, eine Gemeinsamkeit, in der sich jeder neu erfinden und verwirklichen kann. Und wenn diese Idee Musik ist, dann birgt das kleine Wörtchen Zufallsprodukt eine wunderschöne zweite Konnotation, ein Hintertürchen zur Chance etwas zu erschaffen, was Tanzbeine, Ohren und Herzen erfreut. Und die Welt ist um eine Band und Duzende von neuen Tönen reicher.

"The Incident" ist das neue und dritte Studioalbum der jungen irischen Band Beoga, die in den letzten Jahren weit über die Landes- und Genregrenzen hinaus für Furore sorgte und Publikum wie Presse begeistert hinterließ. Mit zwei Buttonaccordeons, Piano, Bodhrán, Gitarre, Fiddle und Gesang warten die fünf Iren eigentlich mit einem relativ typischen Instrumentarium für den Irish Folk auf, behalten sich jedoch vor, die Grenzen der uralten Traditionen aufzusprengen und sich mit jugendlichem Eifer auf ins Neuland zu machen, in dem sich Jigs und Reels mühelos mit Anleihen aus Jazz, Soul oder Tango kombinieren lassen, und wo alteingesessenes zur Spielwiese für die innovativen Geistesblitze und unkonventionellen Stileigenheiten fünf höchst individueller Musiker wird. Hier treffen verschiedenste Begabungen und Talente im Musizieren, wie in der Komposition und den Arrangements der Tunes und Songs zusammen und lancieren gemeinsam ein vollkommen ausgewogenes, rundes Bild einer homogenen Gruppe, in der keiner dem anderen nachsteht. Jedem aufmerksamen Musikhörer wird es aufgefallen sein, dass oftmals ein oder zwei Köpfe das musikalische Geschick einer Formation bestimmen und ihr Charakter, Ausstrahlung verleihen. Beoga vereinen scheinbar mühelos fünf höchst eigensinnige und kreative Köpfe, die grade durch ihre unterschiedlichen und nebenbei auch herrlich charmanten Persönlichkeiten gewinnen und ihre Differenzen in einen eigenen Duktus, einen höchst speziellen Ton verwandeln. Tragflächen für dieses Phänomen existieren vielerlei, sei es die Besetzung zweier unglaublich spielfertigen Akkordeons, die Bühnenpräsenz und rauchigen Stimmfarbe der Sängerin Niamh Dunne, der progressive Topend - Stil des Trommlers Eamon Murray oder der groovende, beinahe kongenialen agierende Pianist Liam Bradley, der scheinbar im Hintergrund für die so typischen und brillant getimten Verlagerungen von Taktschwerpunkten sorgt. Ihr Repertoire bezieht das Quintett aus den Eigenkompositionen der Akkordeonisten Sean Og Graham (der auch einen soliden Gitarristen abgibt) und Damien McKee, sowie aus bereits existierenden, traditionellen Schätzchen, die in der Bearbeitung der Band durch ständige De- und Konstruktion neue Reize gewinnen. Überhaupt vermitteln die Tunes und Songs ein erstaunlich feines musikalisches Feeling für Spannungsbögen und Stimmigkeit. So zügellos und fröhlich Beoga in erstaunlicher Präzision und kaum verfolgbaren Tempi in Sets wie Antics, The Incident rattern und fetzen, so wehmütig und tief empfunden sind Songs wie Mary Danced With Soldies oder das abschließende The Best Is Yet To Come.

Kleines und hitverdächtiges Extra ist die Kollaboration mit dem lokalen Indie- Musiker Joe Echo für den Song On The Way, ein Titel, der wiederum ganz andere Impulse der Band offenbart und sich dennoch problemlos in das Gesamtbild des Albums einfügt. Bei Beoga passt einfach alles zusammen und ist doch voll an Reibungen und Spannung, hier ist alles echt und unverfälscht, die Tunes, die Spielfreude, die Musiker.

Und die, die kann man nur im simpelsten und schönsten Sinne das nennen, was sie sich selber als Prädikat und Namen auferlegt haben, das gälische Wort für: Lebendig! Beoga!
foto: beoga

beoga
"the incident"
compass records, 2009 cd
beoga

Killed By 9V Batteries [Escape Plans Make It Hard To Wait For Success]

2009-04-14T14:08:00.005+02:00

Vom Studio zurück in den Proberaum – Killed By 9V Batteries gehen den Weg zurück und lärmen bedingungslos vor sich hin. Dabei klingen sie nicht so, als ob sie vor der Stereoanlage Zuhörer vermuten würden, obwohl sie es verdient hätten.

Das Jahr 2008 war ein trauriges für Menschen, deren Verbundenheit mit Indiemusik aus dem deutschsprachigen Raum sich in der Verehrung ihrer Entstehungsorte manifestiert. Zunächst schloss im Juli 2008 das Hamburger Soundgarden-Studio, wo Bands wie Blumfeld oder Tocotronic ihre ersten Platten aufgenommen hatten. Nur wenige Wochen später verkündete Mario Thaler, dass sich das von ihm betriebene Uphon-Studio – Entstehungsort des Notwistschen Meisterwerks Neon Golden – in der heutigen Zeit nicht mehr rentiere und deshalb das Zeitliche segnen werde. Das Epitaph hierzu wurde bezeichnenderweise von Polarkreis 18 eingespielt, die mit dem Ergebnis der letzten Uphon-Aufnahmen im Herbst die deutschen Charts stürmten. Die Ära der Tonstudios ist für Bands und Künstler mit begrenzten finanziellen Möglichkeiten offensichtlich vorbei, da das Homerecording dank der Entwicklungen auf dem Computermarkt in den letzten Jahren zu einer günstigen Alternative geworden ist.

Diese Digitalisierung der eigenen vier Wände machen sich auch die Österreicher von Killed By 9V Batteries zunutze. Ihr selbstbetiteltes Debütalbum nahmen sie noch in einem Tonstudio in Berlin auf, für den Nachfolger begaben sie sich zurück in ihren Heimatort, ein Nest namens Weiz in der steiermärkischen Provinz. Das Trio nahm sich einen zweiten Gitarristen hinzu und spielte "Escape Plans Make It Hard To Wait For Success" im eigenen Proberaum ein. Der Klangqualität tat dies keinen Abbruch, auch wenn ein dreckiger Sound der Musik ebenso gut zu Gesicht stünde wie die glatt produzierte Oberfläche. Denn Killed By 9V Batteries hauen von Beginn an ordentlich auf die Kacke: Der Opener I Was Caught By Some Popular Lines wird von einem Gitarren-Feedback förmlich herbeigezerrt und entwickelt sich nach dem Einzählen ohne große Umstände zu einem druckvoll lärmenden Song, der nach zwei Minuten plötzlich ins Nichts zerfällt und als im Hintergrund rauschendes Präludium den nächsten Song ankündigt. Force Him To Rule His Own World ist einer von zwei Songs, die aus dem typisch noisigen Soundgewand der Batteries herausstechen. Deren sanfter Folkpop klingt fast wie bei den Labelkollegen von A Life, A Song, A Cigarette und die brüchige Stimme von Sänger Wolfgang Möstl erinnert plötzlich an Conor Oberst.

Doch sobald die Mundharmonika verstummt ist, drehen Killed By 9V Batteries die Verstärker wieder auf, denn am liebsten produzieren sie offensichtlich Lärm. Ihr Noise-Rock klingt dabei mehr nach 1989 als nach 2009 und könnte vom Zeitgeist kaum weiter entfernt sein. Als Referenzen ließen sich neben My Bloody Valentine, Fugazi und Chokebore sicher noch eine ganze Reihe anderer Bands nennen, welche die Hochzeit ihres Schaffens vor 15 bis 20 Jahren hatten. So verkündet auch der Promotext, dass diese Musik nicht als „Lifestyle-Gadget für Peergroups und Myspace-Freundeslisten“ diene, stattdessen soll offensichtlich auf Authentizität gepocht werden. Diese zugegebenermaßen banale Wahrhaftigkeit kann die Band tatsächlich für sich in Anspruch nehmen, denn dieses Album klingt genau so, wie es vermutlich intendiert war: Im Proberaum wird ein krachiger Song an den anderen gereiht und das Aufnahmeband läuft durch, während sich ein Teil der Stücke zum Ende hin in belanglosem Geklimper verliert. Dies ist zugleich die größte Schwäche des Albums: Das festgehaltene Proberaum-Gefühl lässt die Spannung zwischen den Stücken immer wieder rapide absinken, die Zwischenspiele wirken fast ein wenig wie Fremdkörper zwischen den energiegeladenen Songs und das Gesamtwerk verliert an Kompaktheit. Dabei liefern die Österreicher praktisch ausnahmslos großartige Stücke ab. Sie beherrschen nicht nur ihre Instrumente, sondern haben auch die notwendige Portion Wut im Bauch, mit der dem Hörer vor allem verzerrte Gitarren und verschwurbelte Texte entgegengeschleudert werden. Zum besseren Textverständnis müsste man wohl in den Kopf des Sängers hineinschauen können, doch die vielleicht wichtigste Zeile des Albums versteht man auch ohne viel Interpretationskraft.

„Playing guitar doesn’t mean rebellion anymore“
(Whatever People Say I Am, I Am)

Killed By 9V Batteries degradieren ihre Musik zum reinen Selbstzweck, die adoleszente Wut braucht kein Objekt, an dem es sich ausrichtet. Sie ist einfach da, wird aus den Instrumenten herausgeprügelt und ins Mikrofon hineingeschrieen. Der Gesang überschlägt sich dabei immer wieder, als ob der Stimmbruch nicht schon ein paar Jahre in der Vergangenheit läge. Killed By 9V Batteries sind eine hervorragende Band, deren Musik so typisch jugendlich-emotional wirkt wie sie gleichzeitig keinen Adressaten zu haben scheint. Sie brauchen kein Studio, um einen fetten Sound zu produzieren, sondern retten das Gefühl von Spontaneität und Natürlichkeit ihrer Songs auf den Tonträger hinüber, ohne dass die Arrangements einen besonders ausgefeilten oder bemühten Eindruck machen. Bei vielen Bands ist diese Schludrigkeit – der Mangel an ausgearbeiteten und stimmigen Songs – eine Schwäche, bei Killed By 9V Batteries wird sie zur Stärke.
foto: florian wieser

killed by 9v batteries
"escape plans make it hard to wait for success"
siluh records, 2009 cd / lp
killed by 9v batteries

Trouble Books [The United Colors Of Trouble Books]

2009-04-08T10:54:00.003+02:00

Der französische Schriftsteller Jean de la Bruyère lehnt zwar die Beurteilung eines Menschen und dessen Charakters mittels des ersten Eindrucks ab, schlägt diese Methode jedoch als adäquat für Kunstwerke vor. Einen solch unreflektierten, rohen und direkten Blick möchte ich auf das vorliegende Album wagen und eine Besprechung zum simultanen Kommentar werden lassen.

"i let those men send you up into space, the only place colder than the motherland."
(strelka)

Das knistern einer Wunderkerze und das knirschen von frischem Schnee unter den Füßen eröffnen das Album, bevor verschiedene Holzbläser einsetzen und von einem so rhythmischen wie spärlichem Schlagzeug begleitet werden. Eine ruhige, entspannte, warme Atmosphäre entwickelt sich, während sich langsam Glockenspiel und elektronische Störgeräusche einfinden. Dann kommt der Moment, der eine gute Eröffnung manchmal zu Nichte macht: Das Einsätzen der Stimme. In diesem Fall sind es sogar zwei, ein Herr - Keith Freund - und eine im Hintergrund akzentuierende Dame - Linda Lejowski - die ein wenig an Architectures of Helsinki minus das verrückt euphorische Moment erinnern und ganz hervorragend die Stimmung aufgreifen.

Alles ergießt sich in einen akustischen Fluss von mäanderndem Rauschen ohne dass ich bemerke, mich längst im zweiten Stück zu befinden. Als von „smoke alarms and cheap electronics“ die Rede ist – und man diese vielleicht sogar im Hintergrund hört – unternimmt eine akustische Gitarre den don-quijote'schen Versuch das gewaltige Wabern zu strukturieren, versiegt jedoch wieder, bis das Klirren von nach Glas klingender Stabspiele ertönt und letztlich das ungreifbare Wabern versiegt.

Night Of The Pelican Street Sweaper ist schließlich auch das erste Stück, welches sich einer erkennbaren Songstruktur zu bedienen scheint, sich aber gleichzeitig wundersam an das bisherige Gesamtbild anschmiegt. Die beiden Stimmen begleiten mich weiter durch ein seltsam verrücktes (in beiderlei Sinne) akustisches, labyrinthartiges Arrangement: trotz der verschiedensten Abzweigungen und vermeintlichen Umwege befinde ich mich ganz deutlich noch immer auf dem selben Boden. Das Wabern, das Pluckern, das Rauschen, nichts dieser beruhigenden und herrlich unaufgeregten Klänge verschwindet jemals ganz. Auch wenn jeder neue Song aus der Ruhe heraus entsteht, weiß ich mich doch sofort irgendwie zu Hause. Irgendwo in diesem mit kindlichen Strichen und Wasserfarben gemalten Haus auf dem Cover.

Shaky Science, das vierte Stück macht hier keine Ausnahme, auch wenn sich jetzt herzerweichende Bläser in das Ensemble einreihen und die wohlige Stimmung nur noch mehr unterstreichen. Wie phantasievolle Intermezzi unterbrechen verschiedene Instrumente, Gesangslinien, Pausen oder Störgeräusche – wie jetzt gerade ein bedrohliches, wie ein Orkan am Horizont aufkommendes Brausen, das im letzten Moment doch ohne etwas zu verwüsten an mir vorüber zieht – eben dieses Grundwabern, dass mich vom ersten Moment an begleitet hat.

So assoziativ wie die Musik und meine unbeholfenen Versuche diese simultan in Schrift zu übersetzen, sind auch die Geschichten die Trouble Books erzählen: „We are like submarines underneath the ice and even if we had the teeth of narwhales we'd be fucked“, heißt es in On And On Submerged Ark, und kurz darauf ertönen völlig harmonisch Laute, die an 60er Jahre B-Movie Laserpistolen erinnern, ohne irgendwie zu stören. Ein bewundernswertes Gespür für das Unerwartete. Dieses ganze Zusammenspiel von scheinbar Unvereinbarem tritt immer mehr als prominentestes Merkmal hervor. Ähnlich der Moldy Peaches Duette tritt auch hier der Gesang seltsam versetzt, liebevoll unausgereift und stets knapp verfehlt nebeneinander; immer singen Freund und Lejowski zwar gemeinsam, aber nie zusammen.

For All Our Dead Freinds verstört – obwohl so unerwartet im Konzept erscheint es gar nicht – über Minuten hinweg mit einer stark verzerrten, basslastigen Rückkopplung. Vielleicht sollte man das metaphorisch betrachten. Mit beliebig angeschlagenen, scheppernden Becken wird die Musik scheinbar – um im Bilde zu bleiben – wiederbelebt: „If we push back the sad any longer, the drummer will be too drunk to play“. Zu einer minimalistischen Basslinie und der Wärme einer Slide Guitar gesellt sich die quirlige Stimme einer singenden Säge sowie eine melancholische Streicherharmonie. Das passt so wundervoll zusammen, dass das abrupte Ende des Stückes beinahe traurig stimmt.

Mit Schritten auf einem Kiesweg und den pulsierend angeschlagenen und elektronisch manipulierten Tönen eines Glockenspiels eröffnet Abandoned Greenhouse und empfängt mich dann mit den weit geöffneten Armen eindrucksvoll optimistischer Bläser, die sich als wesentlich trauriger Erweisen als sie anfangs schienen. Es ist nur ein kurzes Gastspiel und die immer hektischer werdenden Schritte erzeugen ein Bild von Ungewissheit und Unbehagen.

Ähnlich ungewiss einlässt mich "The Unided Colors Of Trouble Books" kurz darauf, auch wenn die letzten Zeilen merkwürdig hoffnungsvoll klingen: „I can't explain why, but it feels like heaven to me. I can't explain why, but I wake up happy.“ Vielleicht ist es genau das, was über das unkonkrete Wabern und die Vielzahl der eingesetzten Elemente transportiert wurde und am Ende zurückbleibt: das Unerklärliche in seiner dramaturgischen Dichte. Aber eben nicht im verstörenden, beängstigenden Sinne, sondern ganz im Gegenteil: „I can't explain why, but I wake up happy.“ Schön gesagt.
foto: bergen

trouble books
"the united colors of trouble books"
own records, 2009 cd
trouble books

Selig [Und Endlich Unendlich]

2009-04-05T13:18:00.001+02:00

Für einen kurzen Augenblick waren sie Mitte der 1990er Jahre der Nabel des deutschsprachigen Alternativrocks. Nun melden sich Selig nach zwölf Jahren Abstinenz unerwartet mit einem Comeback-Album zurück.

Erinnern Sie sich noch an die Anfänge des deutschsprachigen Alternativrocks? - Hier eine kleine Geschichtsstunde: Wir schreiben das Jahr 1994. Nirvana mischen die Rockwelt ordentlich auf und das erste Mal reagieren internationale Modelabel punktgenau auf den Zeitgeist, um mit bunt karierten Baumwollhemden und zerschlissenen Jeanshosen den musikalischen Hype optisch zu untermauern. Der Seattle-Sound hält Einzug in deutsche Eiche-Rustikal-Wohnzimmer und kündigt den bald darauf folgenden Boom des Indie-Slackertums an, dass dann Protagonisten wie Die Sterne und Blumfeld pflegen werden. Gleichzeitig erliegt der hiesig Popmarkt einer kurzen Phase der Irritation, zumal im Grunge-Gegenprogramm hektische Techno-Mucke läuft, die heute verschämt unter dem Begriff Eurodance bekannt ist und seinerzeit von „Dancefloor-Acts“ wie DJ Bobo, 2Unlimited und Culture Beat stolz angeführt wurde. Daneben gibt es dann natürlich noch etablierte Pop-Helden wie die Toten Hosen, Westernhagen und natürlich Die Ärzte. Was der Indie-Gymnasiast zu jener Zeit jedoch schmerzhaft vermisst, ist das deutschsprachige Pendant zu Kurt Cobain und Kollegen - bis schließlich Selig um die Ecke kommen und diese Lücke über Nacht schließen.

Grunge und Siebzigerrock gepaart mit RAF-Charme

Selig versprühen nicht nur auf den ersten Blick absoluten Anti-Schwiegersohn-Charme. Mit einer Ästhetik aus damals aktuellem Grunge, Siebzigerrock, permanenter Lungenentzündung, Psychedelic, einem Hauch RAF und enorm viel Pathos, setzen sie laut und grell auf Avantgarde und schlagen damit ordentlich über die Stränge. Aber genau jene explosive Mischung ist es, die für einen kurzen Moment die deutschsprachige Popwelt in Atem hält und den Puls der Zeit vorgibt. Mit dem charismatischen Jan Plewka schien nun endlich auch ein Sänger gefunden, der nicht nur wie selbstverständlich deutschsprachige Texte verfasste, sondern diese auch ohne jeglichen Ansatz von Peinlichkeit und frei von Ironie intonierte. Das schlägt natürlich ein wie eine Bombe. Wenn Ich Wollte, Sie Hat Geschrien und natürlich Ohne Dich sorgen für den richtigen Soundtrack im Sommer `94. Nur ein Jahr später veröffentlichen Selig ihren zweiten Langspieler "Hier". Textlich driftet Plewka noch mehr in esoterische Marihuanalyrics ab, während Christian Neander versucht, seiner Gitarre immer noch dunklere und härtere Riffs zu entlocken. Es folgen die erste ausverkaufte Headliner-Hallentour, zahlreiche Festival-Auftritte, Interviewtermine am laufenden Band und insgesamt 14 Videodrehs. Nach nur drei Jahren ist die Band am Zenith seiner künstlerischen Schaffenskraft angelangt - und auch am Ende seiner Kräfte. Das Arbeitspensum ist so enorm, dass der grelle Rockzirkus Selig daran langsam aber sicher zu zerbrechen droht.

„Das waren vier Jahre Achterbahnfahrt, die andere wahrscheinlich in die Klapse oder umgebracht hätte. Wir waren 48 Stunden am Tag nur Selig, Selig, Selig. Wir hatten kein anderes soziales Umfeld mehr und sind am Ende an Reizüberflutung fast erstickt.“
(Jan Plewka, resümierend über sein Leben als 90er-Jahre Rockstar)

Im Winter '96 spielen Selig den Soundtrack zum Til Schweiger-Film "Knockin' on Heaven's Door" ein. Für die rein instrumentalen Score-Tracks verwendet die Band allerdings das Pseudonym Digital Elvis & Zero. Warum weiß niemand so genau. Um Abstand von sich selbst zu gewinnen, begibt die Band sich im darauf folgenden Sommer nach New York, um dort das dritte Album "Blender" aufzunehmen. Erstmals wagt man elektronische Klangexperimente und tüftelt länger an den Sounds als bisher. Mit Erfolg. Im Vergleich zu den beiden Frühwerken klingt "Blender" selbst heute noch zeitgemäß produziert. Doch die Spannungen innerhalb der Band nehmen immer größere Dimensionen an. Besonders zwischen Plewka und Neander kracht es nun regelmäßig. Ende des Jahres verlässt Plewka schließlich samt Frau und Kind das Land gen Schweden und mit seiner Flucht wird auch das Ende der Band eingeleitet. Ein Großteil der Selig-Jünger zwängt sich fortan in viel zu enge Trainingsjacken und lässt sich Scheitelfrisuren wachsen, um ab sofort den Klängen der Hamburger Schule zu lauschen. Allen voran: Tocotronic.

Die Ex-Mitglieder von Selig hingegen versuchen nun ihre Solo-Karrieren anzutreiben, was mal mehr, mal weniger erfolgreich gelingt: Gitarrist Neander schreibt unter anderem die Boybands Echt und Cinema Bizarre in die Charts, während seine eigene Band KungFu nicht wirklich was reißen kann. Jan Plewka steht und fällt mit seiner rauchigen Ausnahmestimme. Während sein janusköpfiges Soloalbum "Zuhause, Da War Ich Schon" (2002) großartige Songs abwirft, schießen seine Bandversuche "TempEau" (2006) und "Zinoba" (2005) populärgeschmackstechnisch komplett am Ziel vorbei.

Und Endlich Unendlich

Und nun, zwölf Jahre nach "Blender", entsteigen Selig urplötzlich wie Phoenix der Asche und veröffentlichen mit "Und Endlich Unendlich" ihr viertes Studiowerk, das nahtlos an seine Vorgänger anknüpft. Ob der Band damit eine musikalische Renaissance gelingt, ist fraglich, denn herausgekommen ist ein Anachronismus an Platte, welche komplett am Zeitgeist vorbei rockt. Funktionieren könnte das Ganze trotzdem. Dafür sorgen die kompositorische Weiterentwicklung, die neuerliche Melodieverliebtheit und nicht zuletzt die Refrainfixierung, die bei früheren Selig-Aufnahmen immer ein wenig vernachlässigt wurde. Die erste Vorab-Single „Schau Schau“ ist ein wahrer Bastard an Song, ein Ohrwurm, der einem den ganzen Tag über verfolgt, hört man ihn im Frühstücksradio. An ihr kann sich das Album erhobenen Hauptes messen lassen, denn viel schwächer klingen die restlichen Songs auf "Und Endlich Unendlich" auch nicht. Da war er wieder, der Pathos.
foto: universal

selig
"und endlich unendlich"
vertigo / universal, 2009 cd, cd+dvd
selig

Damon Lindelof, J. J. Abrams, Jeffrey Lieber [Lost]

2009-04-03T09:18:00.004+02:00

Die Wahrheit ist nirgendwo da draußen.
Als popkulturell gebildeter Mensch sollte man einen Oceanic Airlines Flug stets dankend ablehnen, denn seit 1996 verhieß dies nie etwas gutes. Doch dieser eine spezielle Flug sticht in der Geschichte der Fluggesellschaft ganz besonders hervor.

"4, 8, 15, 16, 23, 42"
(mega lotto jackpot gewinnzahlen)

Bereits als der Absturz des Oceanic Airlines Passagierflugzeug auf dem Flug 815 von Sydney nach Los Angeles am 22. September 2004 das erste Mal gezeigt wurde, war nichts mehr in Ordnung. Weder für die 48 Überlebenden des Fluges, noch für uns Zuschauer.

Noch bevor die unter Schock stehenden Überlebenden die letzten notdürftigen erste Hilfe Maßnahmen durchgeführt haben und sich das kleine Stück Strand erschließen können, auf welches sie aus heiterem Himmel mit dem Vorderteil der Maschine gestürzt sind, ereignen sich mysteriöse Geschehnisse die dazu beitragen, dass das allgemeine Konzept von Wirklichkeit unliebsam überstrapziert wird.

Die episodische, durch Rückblenden durchzogene Form der Serie erlaubt es immer mehr Teile in das seltsame Puzzle Lost einzufügen und genau hier beginnt das Verwirrspiel mit unseren eignen Erwartungen. Ganz wie die zahlreichen Seriencharaktere begeben wir uns ständig auf die Suche nach der Wahrheit und reflektieren dabei in den wenigsten Fällen, welche Probleme wir uns damit einhandelt.

In einem weit verbreiteten und dem Common sense entliehenen Ansatz, betrachten wir Wahrheit im Sinne der Korrespondenztheorie: wir vergleichen, einfach ausgedrückt, unsere Gedanken Vorstellungen, Annahmen oder Theorien mit der Wirklichkeit; sind Gedanken und Wirklichkeit deckungsgleich, sprechen wir davon, dass diese wahr sind. Stimmen sie nicht überein, sind sie eben nicht wahr. Um nicht in metaphysische Verlegenheit zu geraten, lassen wir das Problem, wie diese Übereinstimmung aussehen soll, etwa ob die "Form" der Wirklichkeit mit der "Form" unserer Gedanken korrespondieren soll, beiseite. Es ergibt sich jedoch noch eine weitere, nicht zu vernachlässigende Problematik: gibt es tatsächlich eine feststehende Welt der Wirklichkeit, die unabhängig von der Welt unserer Erfahrung existiert und mit der wir unsere Eindrücke vergleichen können? Ohne dies beantworten zu müssen können wir annehmen, dass, sollte eine solche Welt existieren, wir auch diese durch die selbe Brille betrachten würden, deren Gläser durch unsere individuellen und kulturellen Erfahrungen geschliffen wurden. Kurz: was wir als wahr annehmen hängt stets von unserer Perspektive ab und es scheint keine einzunehmende Position außerhalb unserer Überzeugungen zu geben, von der aus wir die Möglichkeit haben eine Übereinstimmung überprüfen zu können. Vielleicht sind wir gerade deshalb stets versucht alles uns nur mögliche zu unternehmen, um Widersprüche in die Kohärenz unserer Wahrheitskonzeption zu integrieren.

Gerade vor diesem Hintergrund scheint Lost das erkenntnistheoretische Dilemma exemplarisch zu beleuchten: Betrachten wir zunächst Jack Shepard, von dem wir als Zuschauer – gleichwohl wie von den anderen Charakteren - mit großer Wahrscheinlichkeit weitaus weniger wissen als wir annehmen. Er vertraut offensichtlich auf ein rationelles, naturwissenschaftliches Konzept von Wahrheit, was vielleicht kaum verwunderlich ist, wissen wir doch, dass er Mediziner ist. Immer wieder ist Jack darin bestrebt, alle auftauchenden Ereignisse und Ungereimtheiten mit naturwissenschaftlichen Methoden und logischen Schlüssen zu erklären und sieht sich dazu genötigt, seine Überzeugungen vor einem Zusammenbruch aufgrund unvereinbarer Widersprüche – wie dem leeren Sarg seines Vaters auf der Insel – zu schützen.; etwa mittels Verdrängung. John Lock hingegen, als eine Shepard entgegengesetzt stehende Hauptfigur der Serie, vertritt eine weitaus spirituellere Wahrheitskonzeption, doch auch mittels dieser gelingt es ihm nie ganz die bizarren Ereignisse kohärent erfassen zu können. Immer wieder finden wir ihn zerrissen und verzweifelt, wenn er über eine lange Zeit hinweg fest daran glaubte, "die Insel" endlich verstanden zu haben und dann doch mit Widersprüchen konfrontiert wird.

Dennoch sind diese, hier exemplarisch aufgegriffen Figuren nicht auf jeweils eine Perspektive fixiert. Lost entwickelt seine Charaktere in Schüben zu runden, sehr komplexen Figuren, die nicht nur immer wieder in der Lage sind ihre Leidensgenossen, sondern auch uns als Zuschauer zu überraschen. Als ein gutes Beispiel lassen sich hier neben Jack und Lock sicherlich Charlie Pace, Locks Protegé, der zwischen der Rolle des hedonistischen Rockstars und der aufopferungsvollen Familienfigur hin und her wechselt, oder der charismatische Weltenbummler Desmond David Hume und seiner an Alan Moores Figur des Dr. Manhattan erinnernden simultanen Wahrnehmung von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft aufführen. (Eine ausführliche Betrachtung der philosphischen Namensverweise leistete die Spex bereits in der Ausgabe 314.)

Die persönliche und uns oft gar nicht so bewusste Haltung gegenüber dessen was wir als Wahrheit akzeptieren, spielt bei der Partizipation eine nicht zu unterschätzende Rolle. Je nach Sichtweise – und in deren Verankerung spielen vermutlich unzählige gesellschaftliche, psychologische, kulturelle und andere Aspekte eine Rolle – gehen die einzelnen Charaktere unterschiedlich mit den undurchsichtigen Ereignissen um. Und immer wieder spielt Lost auch mit der Beziehung zwischen dem Zuschauer und eben diesen Charakteren und jenen Ereignissen auf der Insel im Nirgendwo des Pazifik; nur wenn wir uns unsere eigenen Konzeptionen deutlich machen, können wir uns davor schützen nicht selbst in die Falle unserer eigenen Erwartungen zu tappen. Denn durch die Struktur der Serie wähnen wir uns zusehens in Gewissheit bezüglich verschiedenster Vorkommnisse, investierten immer wieder Gedanken und Schlüsse die für uns schlichtweg wahr sind, jedoch nur so lange, bis wir (wiedereinmal) einsehen müssen, dass sie nur unter einem bestimmten Blickwinkel als wahr aufzufassen sind. Ändert sich die Perspektive, so ändert sich die Zuschreibung. Auf diese Weise scheinen wir selbst von der Insel gefangen zu sein.

Durch diese Komplexität entfaltet sich eine polyphone Erzählstruktur in der keine Position die Oberhand gewinnt, sondern als sich widersprechende Perspektiven gleichberechtigt existieren. Die mysteriöse Zahlenreihe ist ein gutes Beispiel hierfür. Ich plädiere dafür zu sagen, dass eben dieser Widerstreit einen großen Teil der Wirkung der Serie ausmacht. Da keine auktoriale Position zu beziehen ist, befindet man sich beim Betrachten im gleichen Dilemma wie in der eingangs erwähnten Korrespondenztheorie; es gibt auch hier keine einzunehmende Position außerhalb unserer auf die Serie bezogenen Überzeugungen, von welcher aus wir die Möglichkeit hätten, etwaige Übereinstimmungen überprüfen zu können. Erst mit einer solchen Perspektive ließe sich das Bestreben von Jack oder Lock (oder uns) als ironisches Verkennen der Wahrheit entlarven. Denn schließlich entzieht die Polyphonie dem Konzept der Ironie schlichtweg den Boden. Und genau hier ergibt sich auch die Fehlerhaftigkeit der Puzzle-Analogie: bei einem Puzzle weiß man immer, dass am Ende alle Teile in einem zwar unbekannten, aber dennoch bestimmten Bild münden werden. Im Konzept der Polyphonie hingegen ist es bereits fraglich, ob sich die einzelnen Teile überhaupt miteinander verbinden lassen.

Doch hierin könnte letztlich das Dilemma der Serie selbst liegen, dass diese nämlich nur im Status nascendi, im Moment des Entstehens, der Gegenwärtigkeit funktionieren kann. Mit einer am Ende alles erklärenden, geschlossenen Erzählung würde dies polyphone Struktur aufgelöst – in beiderlei Sinne des Wortes - und auf eine simplifizierende Eindeutigkeit reduziert werden. Auf der anderen Seite lesen sich zahllose Beiträge in Blogs dahingehend, dass nichts anderes als eine eindeutige Auflösung am Ende der sechsten Staffel in Frage kommen darf.
foto: buena vista

damon lindelof, j. j. abrams, jeffrey lieber
"lost"
2004-2010

Bergen [Gegenteil von Stadt]

2009-03-19T12:00:00.004+01:00

Sven Regeners Kinder im Geiste bitten zum Tanz: eine wundervolle Dame und sechs junge Herren spielen rumpelig-warmen Folkpop mit knarzenden Gitarren und launigen Trompeten.

"mal’ mir auf ein blatt mit grauschwarzen kästchen das gegenteil von stadt."
(gegenteil von stadt)

Mit diesen fast schüchtern anmutenden Worten eröffnet Mario Cetti, Sänger und Kopf des Dresdner Künstlerkollektivs bergen, das erste Stück auf "Gegenteil von Stadt" - und schon befindet man sich inmitten jenes sonderbaren Kosmoses, dessen unendliche Weiten aus Akkordeon, Trompete und Melodika bestehen. Unweigerlich wie unbewusst beginnt der Rezensent bei den ersten Zeilen darüber zu sinnieren, was man Cettis Mal-Aufforderung nun alles entgegensetzen könnte. Gegenteil von Stadt? Hm. Wiesen und Wälder? Ruhe und Ödnis? Und wie soll vor allem letzteres visualisiert werden? Überhaupt: Sonderbar. Mit diesem kleinen Wort lässt sich das Debütalbum von bergen kurz und bündig beschreiben. In einer Zeit, in der mitunter der Eindruck entsteht, dass die Nennung des Produzentennamens bei einer CD-Produktion bald wichtiger ist, als die Nennung des Künstlers, besinnen sich bergen auf naiven, nostalgisch-harmonieseligen, ja fast schon konservativen Folkpop und wissen dabei schrullige Geschichten zu erzählen, wie sie nur das Leben schreiben kann.

Herrlich rumpelnde Folkpop-Perlen im Viervierteltakt

"Gegenteil von Stadt" klingt in seiner Gesamtheit weich und warmherzig, streichelt der gescholtenen Seele immer an den richtigen Stellen durchs lange Haupthaar ohne auch nur den Hauch einer Gegenleistung zu erwarten. Mit anderen Worten, "Gegenteil von Stadt" ist ein von vorne bis hinten liebevoll und feinsinnig arrangiertes Songwriteralbum mit klaren, transparenten Songstrukturen, wie man sie sonst nur von skandinavischen Bands wie Ai Phoenix oder The Concretes kennt. Der herrlich rumpelnde Klangteppich, bestehend aus Gitarre, Schlagzeug, Trompete, Melodika und/oder Akkordeon, trägt den stoischen Flüstergesang Cettis und verbreitet sympathischen Dilettantismus: Leicht schiefe Klaviernoten hier und da sowie Sven Regener-artige Trompeteneinlagen sorgen für den nötigen Charme und Flair. Apropos Sven Regener: Ich wage zu behaupten, wären Element of Crime 20 Jahre jünger, sie würden klingen wie bergen – ungestüm, rumpelnd und kompromisslos romantisch.

Leicht sonderbar scheint auch die siebenköpfige Formation selbst zu sein. Denn entgegen der ersten Vermutung haben sich bergen nicht nach der verregneten norwegischen Künstlermetropole benannt, die u.a. Musiker wie Erlend Øye und seine Kings of Convenience hervorgebracht hat, sondern – man höre und staune - nach einem Ort im oberbayerischen Chiemgau! Die Frage nach dem Warum kann hier wahrscheinlich nur die Band alleine beantworten. Sonderbar ist auch die Tatsache, dass dieses Debütalbum um ein Haar nie erschienen wäre. Denn die Mitglieder sind allesamt Teil des emsig sächsischen Musiker- und Kreativenkollektivs Kumpels and Friends und spielen gleichzeitig in bemerkenswerten Dresdner Bands wie The Gentle Lurch oder Garda, welche im Herbst vergangenen Jahres ihr fantastisches Debüt gaben. Und da in jeder dieser Bands geprobt, aufgenommen, gemischt und getourt werden wollte, musste "Gegenteil von Stadt" erst mal hinten anstehen. Glücklicherweise haben Songs dieses Karats kein Haltbarkeitsdatum! Entstanden ist das Debütalbum dann – wie auch die Alben der beiden Schwestern-Bands – ohne Zeitnot, von den Musikern selbst aufgenommen im gemeinschaftlichen Übungsraum in Dresden. Nur zum Mischen und Mastern gab man das Album schließlich in professionelle Hände.

"Gegenteil von Stadt" ist kein Fast-Food-Alben, das man mal eben "so nebenbei" hören und begreifen kann. Man muss sich darauf einlassen können und sich die erforderliche Zeit nehmen, um in die unterschwelligen Songs hineinzufinden, um die abstrakte Privatsprache Cettis entschlüsseln zu können. Zeit, die man aber dringend investieren sollte, denn es gibt viel zu entdecken in diesem kleinen Folkpop-Kosmos, inmitten von traurigen Frauen in Bädern und Kinder bringenden Störchen der Kleinstadt. Mit Verlaub, ich bin begeistert!
foto: bergen

bergen
"gegenteil von stadt"
k+f records, 2009
bergen

Old Splendifolia [...Swaying Boldly Afar...]

2009-03-17T18:20:00.013+01:00

Wenn ein deutsches Musikprojekt unter einem japanischen Label in Asien ihr Debutwerk veröffentlicht erweckt das Aufsehen. Jetzt ist das fragil schöne Werk von Old Splendifolia auch in Europa veröffentlicht und verlangt nach gewittrigen Sommernächten.

"pleased to meet you, pleased to meet you too."
(dela cameo)

Old Splendifolia, das alte Prachtblatt, das sind Jana Plewa von Kats Kosm und Frank Schültge Blumm, der bisher als F.S. Blumm musikalisch umherstreifte. Sie fanden zusammen als Herr Blumm Worte und eine Stimme für seine bisher instrumentalen Stücke suchte. Er hörte Kats Kosm und mochte was er da hörte. So machte er sich auf die Suche und fand schließlich Jana Plewa und die beiden begannen aus ihren bereits eigenwilligen musikalischen Handschriften eine neue zu formen, die nicht weniger eigenwillig klingt. Und die sich gut auf ein altes Prachtblatt schreiben lässt.

Nach dem Abschleifen einiger Ecken und dem Hinzufügen von neuen, entstand ihr Erstlingswerk „...Swaying Boldly Afar...“. 15 Fragmente, die 41 Minuten um einen herumspielen und die gar nicht recht auseinander zu halten sind. Nicht weil sie alle so gleich klingen, sondern weil sie alle verwoben sind und sich erst nach mehrfachem Hören auch zu eigenständigen Songs entwickeln. Das Verwobene bleibt trotzdem. Und das soll es auch. Die Idee hinter dem Album sei auch, so Jana Plewka, dass es wie eine kleine Reise ist. Von einem Ort zum anderen, von einer Geschichte zu einer anderen. Und am Ende erhascht man vielleicht einen kleinen Einblick in eine schöne Welt, die aber auch nicht frei von Problemen ist. Und das nicht nur textlich, sondern auch musikalisch. Im Vordergrund meist die Gitarre, aber daneben noch zahlreiche andere Klangspiele.

So stehen die Liedgedichte da. Zerbrechlich warm, auch stark, eindringlich und süß, und mit einer in sich rhythmischen Ruhe, die einem die Vorstellung in den Kopf brennt, bei einem Sommergewitter nachts bei geöffnetem Fenster da zu liegen und das Prachtblatt in den Gehörgang flüstern zu lassen. Oder zu anderen besonderen Gelegenheiten, wo nur die Musik und die Ruhe anwesend sind. Und man selbst.

Ein zweites Album ist bereits in Arbeit und erscheint vielleicht noch dieses Jahr. Man darf darauf gespannt sein. Aber erstmal sollte man sich vielleicht das nächste Konzert im "Schokoladen" in Berlin am 26. März ansehen. Und natürlich die CD hören.

Für die Leser, die musikalische Vergleiche zur Einordnung mögen: CocoRosie, aber in akustisch und ohne soviel elektronischen Krach, Psapp und auch ein wenig wie Emiliana Torrini.
foto:

old splendifolia
"...swaying boldly afar..."
plop records, 2009
old splendifolia

Shaun Tan [Ein Neues Land]

2009-02-23T21:15:00.018+01:00

Fünf Wörter braucht es um eine epochale Geschichte zu erzählen, welche als ein universelles Idealbild eines Miteinanders in einer globalisierten Welt gelten könnte. Der australische Illustrator Shaun Tan weiß, wie man solche Geschichten erzählt.

"now I realise that most of my stuff comes from the subconsciousness."
(shaun tan)

Am unliebsamsten sind mir meistens die Comics mit der Unterzeile "Ohne Worte!" Hier ist Pragmatismus gefordert, welcher mit den Bildern einhergeht. Meistens prangt dieses selbsterklärende Hinweisschildchen auf Panels in Lokalzeitungen, welche lediglich ein kurzes Lächeln erzeugen sollen. "Klar", denkt man sich, "diesen Witz habe ich verstanden"! Ohne Spruchbläschen und Gehirn geht es dann weiter zur nächsten Seite. Doch dass das Attribut "Ohne Worte!" für weit mehr stehen kann als für ein lapidares Bilderrätsel, beweist der Illustrator Shaun Tan, der mit seiner Graphic Novel "Ein Neues Land" (Original: "The Arrival"), eine surreale Flüchtlingsgeschichte nacherzählt, welche mit einem Minimum an Text auskommt und trotzdem alles zu sagen vermag.

Im Grunde genommen lassen sich die Wörter, die Tan für seine großformatige Graphic Novel benutzt, an einer Hand abzählen. Sie befinden sich direkt am Anfang, noch bevor man in die Geschichte hineingezogen wird. Zwei für seinen Namen und drei für den Titel. Macht insgesamt fünf Wörter, die eine Story von epischen Ausmaßen erzählen. Nicht ganz so pragmatisch verfährt er, wenn es um die zahlreichen, oft gemäldeartigen Illustrationen in dem 128-seitigen Hardcover geht. Insgesamt vier Jahre soll der in Melbourne lebende Illustrator an den einzelnen Skizzen, Figuren und Panels gesessen haben. In diesen vier Jahren hat sich Tan nicht nur Inspiration bei seinem Vater geholt, der ebenso als Emigrant nach Australien gekommen ist, sondern er hat auch ein Auge auf die großen Flüchtlingserzählungen "The Immigrants" (von Wendy Lowenstein und Morag Loh) und "Tales from a Suitcase" (von Will Davies und Andrea Dal Bosco) geworfen, die nicht nur exemplarisch für Abschied und Neuanfang stehen, sondern auch Episoden aus dem Leben eines jeden Emigranten einfangen. Da wären die Fremdheitserfahrungen, die sich in Sprache, Kultur, Kleidung und Architektur der "neuen Welt" manifestieren. Und außerdem die wandelbaren kulturellen Identitäten, die sich durch den Umstand der Emigration aus den geprägten Strukturen lösen.

Ein Blick ins Familienalbum

Ähnlich symbolisch verfährt Tan, der mit "Ein Neues Land" ein verwandtes Szenario einfängt. Der Protagonist, ein junger Vater mit europäischen Wurzeln, verlässt Haus und Hof, um ein besseres Leben für sich und seine Familie in einem fernen Land zu ermöglichen. Mit dem Versprechen, am anderen Ende des Ozeans nach einem festen Job und einem sicheren zuhause für seine Familie zu suchen, betritt er ein Schiff, das ihn in eine fremde Metropole führt, die in jeglicher Hinsicht als eigenartig einzustufen ist. Als Einwanderer registriert, betritt er den fremden Boden, der in naher Zukunft seine Heimat werden wird. Er sieht surreale Bauten, die sich wie amorphe Monumente in der ganzen Stadt wiederfinden. Er erblickt Luftschiffe, fliegende Ballon-Taxen, Dampfmaschinen und Zeitungsjungen, die das aktuelle Tagesgeschehen in Runenform verkaufen. Mit Unsicherheit versucht er sich in den Straßen der Stadt nach einer Bleibe zu erkundigen und stolpert über die Unverständlichkeit der fremden Sprache. Mit sicherer Hand erklärt er seinen Gesprächspartnern sein Anliegen und findet schnell eine Familie, die ihn aufnimmt und schließlich auch einen Job, der ihn zu eigenem Vermögen kommen lässt. In der Zwischenzeit hat er bereits einen Begleiter in Form eines ihm fremden Tieres gefunden, welches nicht mehr von seiner Seite zu weichen scheint. Doch eines lässt ihn weiterhin verzweifeln: seine Familie ist immer noch weit entfernt. Ihm fehlt Frau und Kind, die er so schnell wie möglich wiedersehen möchte.

Doch das Wiedersehen wird noch auf sich warten lassen müssen. Ein zentraler Topos in "Ein Neues Land" ist die Ankunft des Protagonisten im Hafen der fremden Stadt. Dicht gedrängt steht dieser mit vielen anderen auf dem Bug des Schiffes und späht in die Ferne. Die erste Kunde vom Festland bringen zahlreiche Vögel, die das Schiff überfliegen und sofort drängen sich die Reisenden an die Reling, um den Hafen als Erste/r einsehen zu können. In der Ferne erblicken sie zwei monumentale Statuen, die sich einander die Hände reichen - ein symbolhafter Gestus, der nicht nur zur Begrüßung der Neuankömmlinge dient, sondern vor allem ein moralisches Wertebild aufrechterhalten möchte. Viele der nachfolgenden Panels - das einfahrende Schiff im Hafen, die Wartehalle, die Registrierung - basieren auf Originalfotos aus der Sammlung des Ellis Island Immigration Museums, dass, im Hafen vor New York, im 18. und 19. Jahrhundert der Hauptanlaufpunkt für Flüchtlingsschiffe aus Europa und Afrika war.

Home Sweet Home

Tan ist ein Meister des allegorischen Erzählens. Wie ein universelles Sinnbild für die Fremdheitserfahrungen eines jeden Auswanderers wirkt "Ein Neues Land" wie eine Postkarte oder ein Schnappschuss aus einer anderen Welt, mit der man am Anfang nichts anzufangen weiß. Auf dem Vorsatz prangen viele namenlose Portraits von Menschen, die das gleiche Schicksal mit dem Protagonisten zu teilen scheinen. Aufbruchsstimmung und Ungewissheit umfängt die Mienen der vielen Namenlosen. Ehe man sich versieht beginnt man den Portraits eine eigene Biografie zuzuordnen und aufgrund von Kleidung und Erscheinung Rückschlüsse auf die Personen zu ziehen. Doch weit gefehlt: durch das langsame Enthüllen der fremden Eigenarten wird der Leser mit dem Protagonisten auf eine Stufe gestellt. Das Selbst und das Andere scheinen zu verschmelzen und schlagen somit eine Brücke zu der eigenen Fremdheit, die nicht nur negativ konnotiert ist, sondern zum subjektiven Empfinden des Selbst dazu gehört.

Der Protagonist, der nach einem zuhause für seine Familie sucht, findet sich genauso wenig in der unbekannten Welt zurecht wie der Leser, dem die surrealen Straßenzüge der namenlosen Stadt ebenso vor den Kopf stoßen wie den Charakteren. Alles muss man zweimal anstarren, bevor man hinter dessen wahre Bedeutung gelangt. Jenes schafft Verständnis und Akzeptanz und lässt zuletzt die Fremdheit zu einem Miteinander werden. Man entdeckt Eigenheiten, die sich wie vertraute interkulturelle Muster von der einen in die andere Welt übertragen lassen. Und außerdem menschliche Wesenszüge, die auch ohne Worte sagen, dass man stets willkommen ist.
fotos: shauntan.net, carlsen

shaun tan
"ein neues land"
(the arrival)
carlsen 2008
shaun tan
shaun tans neuestes projekt

ClickClickDecker [Den Umständen Entsprechend]

2009-02-20T11:26:00.002+01:00

Melancholischer Befindlichkeits-Indie-Pop, der es sich irgendwo zwischen Kettcar und Tomte gemütlich gemacht hat – leider kommt das Ganze fünf Jahre zu spät.

Es gibt Alben, die sind so belanglos und schlecht, dass man sie bei Veröffentlichung am liebsten überhören und an einem vorüber ziehen lassen möchte, dies aber Dank medialer Überpräsenz nicht kann. Dann gibt es solche, in die man sich auf Anhieb verliebt und die man vor Verzückung rauf und runter hört, egal ob medial überpräsent oder nicht. Alben, die mit jedem weiteren hören wachsen und dem Hörer enormen Spaß bereiten. Irgendwo dazwischen gibt es dann noch dieses kleine Sammelbecken an Alben, die man im ersten Moment nicht wirklich zuordnen kann und die einen erst mal irritiert zurücklassen. "Den Umständen Entsprechend" von ClickClickDecker ist eine davon.

Erst die gute Nachricht: Der gebürtige Berliner und seit geraumer Zeit Wahl-Hamburger Kevin Hamann alias ClickClickDecker ist in seiner musikalischen Schaffenskraft mindestens so produktiv wie schizophren. Während er vor kurzem noch gemeinsam mit Norman Kolodziej (besser bekannt als Der Tante Renate) ravige Electro-Clubhits unter dem holprigen Pseudonym Bratze abfeuerte und damit auf den hiesigen Dancefloors für ordentlich Furore sorgte, heult er sich nun wieder als ClickClickDecker mit deutscher Befindlichkeitsprosa aus, wie man sie seit Jahren aus Hamburg und Berlin kennt. Dagegen ist an und für sich auch nichts einzuwenden, nur: "Den Umständen Entsprechend" klingt – und man muss es an dieser Stelle leider deutlich sagen – stilistisch in seiner Gesamtheit wie ein mittelmäßiger Abklatsch der bisherigen Kettcar-Alben, von denen das letzte aber bekanntermaßen auch nicht mehr sonderlich zu überzeugen wusste. Die wiebusch’eske Darbietung Hamanns berührt den Hörer zwar streckenweise inhaltlich wie musikalisch, beeindruckt ihn jedoch zu keiner Zeit. Zu sehr lässt die Produktion Originalität vermissen und zu satt hat man sich an derlei Akkordfolgen in den vergangenen Jahren einfach gehört, als dass sich beim Hören auch nur ein winziges Aha!-Erlebnis einstellen könnte.

„Weggehen bedeutet nicht unbedingt irgendwo anders dann anzukommen…“
(Kevin Hamann alias ClickClickDecker)

Wie schon die beiden Vorgänger, hat Hamann auch sein drittes Album komplett auf seinem Laptop im heimischen Schlafzimmer (=O-Ton Presseinformationsblatt; Warum eigentlich nicht im Wohnzimmer? Weil Hamann in einer Ein-Zimmer-Wohnung lebt?) (vor-) produziert. Unzufrieden mit dem eigenen Werk (schließlich will man sich ja weiterentwickeln) fasste er aber kurzerhand den Entschluss, sich ins Tonstudio von Station 17 zu begeben, um mit echten Instrumenten und einer Hand voll Gastmusikern (u.a. Tobias Bade und Torben Leske von The Sea) das Album Spur für Spur organisch neu einzuspielen. Ganz auf sein elektronisches Gefrickel konnte Hamann dann aber doch nicht verzichten. So sorgen der ein oder andere Loop und die knisternden Laptop-Beats, die sich im Hintergrund sanft mit echten Drums vermischen, dann doch noch für den gewissen Electro-Flair in der Produktion. Musikalisch dominiert wird das Album aber von Hamanns (bewusst?) schiefem Gesang und der guten alten Akustikgitarre, die in fast jedem Stück ein kleines Stelldichein gibt. Vom Ansatz her ist das auch alles ganz toll und wunderbar, nur bedauerlicherweise fehlen der Scheibe gänzlich die alles entscheidenden Hook-Lines, wie man sie beim Original – also den Kettcar- und Tomte-Aufnahmen – an jeder Ecke findet. Dafür wird der Wohlfühlfaktor ganz groß geschrieben, sofern man sich als Hörer auf das Gesamtwerk einlässt und die Scheibe von vorne bis hinten am Stück durchhört. Aber ist letzten Endes nicht gar das gute Gefühl wichtiger, als die Tatsache, ein halbes Dutzend Smash-Hits auf ein und demselben Langspieler versammelt zu haben? Manchmal vielleicht schon.

Kann ich dieses Album nun also uneingeschränkt anpreisen? Nein, denn für Befindlichkeitsprosa fühlt sich der Rezensent mittlerweile ein kleinwenig zu alt. Aber wer die letzte deutsche Indie-Welle vor gut fünf Jahren verpasst hat (aus welchen Gründen auch immer) oder vom typischen Kettcar-Sound gar nicht genug bekommen kann, dem sei diese Platte hiermit wärmstens empfohlen.
foto: torben iversen

clickclickdecker
"den umständen entsprechend"
audiolith 2009 cd
clickclickdecker

Situation Leclerq [Glåxø]

2009-02-06T11:00:00.002+01:00

Mit ihrem späten Debutalbum "Glåxø" liefern Situation Leclerq endlich den Beweis dafür, dass die Jahre, die seit der Bandgründung 2003 verstrichen, nicht vergeudet waren. Heraus kommt eine kleine in Pappe eingepackte Platte für die Disko.

"you better stand, you better talk, you better move when the sun keeps shining."
(freaks)

Die meiste Musik ist "nur" Musik für ganz bestimmte Momente. Das ist auch gut so - zu Uzi & Ari fährt man durch die Nacht, bei Kimya Dawson summt man mit und zu den Fotos stimmt man sich auf den Abend ein. Situation Leclerq sind auch nur für ganz bestimmte Situationen da, der Name spricht hier also für sich. Leider beschränken sich diese Situationen auf die wenigen Minuten oder Stunden, die man vor oder besser gemeinsam mit der Band auf der Bühne verbringt. Situation Leclerq bedeuten Gehüpfe - und entgegen des ersten Eindrucks auf sehr hohem Niveau.

Von The Rapture über Hot Chip bis hin zu Whitest Boy Alive, The Notwist und The Postal Service lässt sich alles wiedererkennen. Situation Leclerq ordnen sich selbst irgendwo zwischen Indie, Electronica und New Wave ein. Die Vergangenheit als Emo- und Indie-Band "Byron" ist zwar kaum noch zu spüren, aber ein kleiner Rest ist geblieben; schließlich wollte die ursprüngliche Besetzung nicht ganz von vorn anfangen, sondern lediglich ein paar Käfige sprengen, die die Emomusik so mit sich brachte. Das haben sie geschafft. Glåxø ist ein gelungenes Musikexperiment, möglichst viele Stile, Zitate und Synthezier zu mischen. Jetzt dominieren schmatzende Akkorde, pfeifende Töne, springende Beats und vibrierende Bässe. Sie reisen mit dem Tanzenden durch die 80er und die 90er bis heute. Situation Leclerq sind zeit- und grenzenlos.

Live blühen die vier jungen Männer (Shaun Hermel, Nils Nordmann, Robert Witoschek und Sascha Cammarota) zu den Stars der deutschen Indieszene auf, mit ihrer Hilfe knattern und wackeln ganze Wände, die Massen schreien, hüpfen, drehen sich, und das am besten neben den teuersten Boxen. Da wird es garantiert nicht langweilig. Die Band trat nicht umsonst mit Gruppen wie Zoot Woman, 2raumwohnung, Tocotronic, MIA, Ratatat, Seachange und Whitest Boy Alive auf, zur Zeit geht es durch ganz Deutschland bis nach Luxemburg. Kein Wunder, dass Songs wie "Shiny Boots" jedem Clubbesucher schon einmal im Ohr hingen. Nur schade, dass tanzbare Musik tiefgründigere Lyrics gleich auszuschließen scheint, denn Situation Leclerq geben auf Myspace selbst zu, dass die Texte im Hintergrund stehen.

Einige Differenzen zwischen den Mitgliedern, verschiedene Identitätskrisen und Trennungen sind die Gründe, weshalb Situation Leclerq erst fünf Jahre auftraten und so dies und das schrieben, bevor sie ein richtiges Album produzierten. Ein Demotape in bemerkenswert gutem Artwork war der Preis für den ersten Platz beim Lado-Nachwuchswettbewerb und erschien zwar bereits 2006, zum Release kam es aber leider nicht. Deshalb haben Situation Leclerq diesen selbst in die Hand genommen. Sie wussten außerdem: Wenn wir nur zur richtigen Zeit am richtigen Ort spielen, lässt das Label nicht mehr lange auf sich warten. Und so war es. Das Label Alison Records nahm sich den Hannoveranern an - und kann sich glücklich schätzen. Bisher fielen die (eher spärlichen) Kritiken sehr gut aus, und auch die intro schrieb: "Eigentlich wusste man es ja immer schon: Hannover hat doch ein bisschen mehr zu bieten als die gleichnamige Industriemesse, Klaus Meine und eine Expo-Brache".

Derjenige, der sich von Situation Leclerq jedoch auch zu Hause mehr erhofft, wird enttäuscht werden. Die Band ist trotz allen Lobes eine kleine Vereinigung von Menschen, die DJs sind und bleiben werden. Das hört man beim Hören, weshalb einem daheim schnell die Lust vergeht. Da muss dann eben doch wieder was anderes her.

Das besonders Gute ist, dass Situation Leclerq selbiges auch sehr wohl wissen und provozieren: Irgendwann werden sie in Paradiesvogelkostümen auftreten, um zur Abwechslung Klischees zu erfüllen, sagten sie in einem Interview mit Crazewire.de. Außerdem kamen mit der Promo-CD liebevoll geklebter Glitzerstaub, Goldkügelchen und viele bunte Sterne, wie sie bereits das Demo berühmt machten. Die werden aus meinem Teppich noch Jahre nicht weggehen. Deswegen ist Situation Leclerq jetzt doch nicht nur im Club, sondern irgendwie auch bei mir zu Haus daheim.

Tanzempfehlungen: "B.O.O.K.S." und "Homevideo".
foto: alsion records

situation leclerq
"glåxø"
alison 2009 cd
situation leclerq

Mike Mignola [Hellboy]

2009-01-25T11:55:00.009+01:00

Seit 1992 lässt Mike Mignola seine Gruppe paranormaler Ermittler im Dienste einer geheimen US-Behörde auf das Unheimliche in der Welt los. Im Zentrum dieser Geschichte steht der horngestutzte Hellboy.

"don't mess with me lady. i've been drinking with skeletons."
(hellboy)

Von Beginn an, als Mike Mignola seinen Charakter Hellboy auf der San Diego Comic Convention 1992 vorstellte, beeindruckte dieser außerordentlich und vor allem nachhaltig. Dies begründet sich, so scheint sich die Fachwelt im Nachhinein einig, in zweierlei Aspekten: Zum einen weiß Mignola – in der ersten Episode noch maßgeblich von Kollege John Byrne unterstützt – seine Geschichten gekonnt mit geschicktem Wortwitz und sich sorgsam entfaltenden Spannungsbögen zu erzählen. Er bemüht sich, seine Charaktere langsam und sorgsam zu entwickeln und gibt ihnen, sich selbst und den Lesern die nötige Zeit dazu. Zum anderen ist sein holzschnittartiger, mit Schlagschatten versehener, kontrastreicher und kantiger Zeichenstil ein wahrer Augenöffner. In seinem kreativen Ideenreichtum wird er gar von Altmeister Alan Moore mit Jack Kirby und dessen wegweisenden Illustrationen verglichen. In der Welt der Comicindustrie ist Mignola als Autor und Zeichner seiner eigenen Reihe durchaus untypisch. Doch ist dies nur die mit Anerkennung überschwänglich gelobte Form, die ohne den mit ihr verknüpften Stoff nicht erdenklich ist: Hellboy. Der schöpferische Akt der Kreation dieses Antihelden im Dienste des geheimen US-Amerikanischen Bureau for Paranormal Research and Defense – kurz B.P.R.D. - samt dessen skurrilen Welt kann nicht hoch genug gelobt werden. Im eingespielten, von Marvel und DC dominierten Markt, ist das Etablieren einer eigenen Figur und ihrer Welt, der Schaffung eines neuen urabnen Mythos im Stile Bat-, Super- oder Spidermans und deren kohärenter Sekundärwelt, eine Seltenheit. Selbst wenn Dark Horse, der publizierende Verlag, der drittgrößte auf dem US-Amerikanischen Markt ist, beträgt deren Anteil an Veröffentlichungen und Umsatz verschwindend geringe vier Prozent. Hellboy bleibt damit ein Phänomen, welches Moore lobend einen „Juwel von beachtlicher Größe und überraschendem Glanz“ beschreibt. Für Mignolas Talent und der Begeisterung an seiner Schöpfung spricht letztlich auch, dass sein hellboy vom Empire Magazin auf Platz 35 der „Top 50 Greatest Comic Book Characters“ aller Zeiten gesetzt wurde. Binnen gut 15 Jahren ist er bereits in der Lage Spawn, Green Lantern und gar New Yorks blinden Rechtsanwalt Daredevil auf die Plätze zu verweisen.

Der über zwei-Meter große, hühnenhafte, rothäutige, gelbäugige, gehörnte, rauchende, fluchende, fürchterlich starke und kaum klein zu kriegende Hellboy fand seinen Ursprung in „unserer“ Welt – so erzählt es sein Mythos im Prolog zu "Seed of Destruction" - als winziges Geschöpf, welches aus einer anderen Dimension in die unsere gelangte. Ein Unfall, so erscheint es zumindest zunächst, der von einer kleinen Gruppierung von Nazis am Ende des Ersten Weltkrieges verursacht wurde. Ein halbes Jahrhundert später ist der ausgewachsene „Vorfall“ teil eben jenes streng geheimen B.P.R.D. und widmet sich der Aufgabe, paranormalen Aktivitäten nachzugehen. „When things go bump in the night, we are the ones who bump back.“ Hellboy und die weiteren obskuren Agenten der Behörde – wie der Fischmensch Abe Sapiens oder die pyrokenetisch begabte Liz Sherman – agieren dabei als eine Mischung aus dem nach archäologischen und mystischen Geheimnissen suchenden Indiana Jones – vgl. auch die Nazi Schergen - und den sich mit parapsychologischen Phänomenen herumplagenden Agenten Mulder und Scully.

Mignola verzichtet beim Erzählen weitgehend auf einen kontinuierlichen Storyverlauf und unterbricht die gegenwärtigen Ereignisse der Fabula immer wieder durch kurze, in der Zeit springende Erzählungen und Rückblenden und nährt sich hierüber langsam der Geschichte und Gegenwart der einzelnen Charaktere und deren Konstellationen an, ohne dabei die Kohärenz seiner Welt aufs Spiel zu setzen. Durch den daraus resultierenden episodenhaften Stil einzelner One-Shot Stories gelingt es Mignola außerdem, seine Liebe für Pulp Geschichten, Lovecraft'schen Horror, Poe'sche Düsternis, sowie Märchen und Folklore in die eigenen Werke einfließen zu lassen. So findet sich der große rote Kerl im knittrigen Trenchcoat immer wieder in intelligenten Interpretationen zahlreicher Volksmythen wieder und wird mit Sagengestalten aus aller Welt konfrontiert, wie der slawischen Baba Jaga, die bei Mignola sowohl die Figur der bösen Hexe als auch der esoterischen Auffassung als Muttergöttin in sich vereint.

Gerade vor dem Hintergrund, dass ein wesentliches Erfolgsmerkmal der Reihe die einprägsamen und charateristischen Zeichnungen sind, hat sich der deutsche Lausch-Verlag auf ein heres Wagnis eingelssen: der Verarbeitung der mignolschen Erzählungen als Hörbuch. Neben den franchise Verarbeitungen wie Del Torros jüngste Blockbusterverfilmungen und der dichter an den Comics angelehnten Animationsfilme, ist dieser Ansatz ein originär Neuer. Dass die Macher durchaus einen ambitionierten Ansatz verfolgen wird nicht zuletzt durch die hauptsächlich orchestrale Musikuntermalung und durch den Gewinn der gesamten Synchronsprecherriege, die den Charakteren auch in eben erwähnten Filmen ihre Stimmen verliehen hat. Was das rein akustische Medium per definitionem an bildlicher Sprache einbüßen muss, versucht es durch die atmosphärische Klanggestaltung wett zu machen. Was im Comic durch zwei, drei Panel angedeutet wird und sich der Leser induktiv erschließen muss, wird hier sowohl musikalisch als auch sprachlich artikuliert. Man ist bestrebt die original Dialoge zu übernehmen, die inneren Monologe der einzelnen Charaktere glaubhaft zu inszenieren und schmückt lediglich jene Passagen der Erzählung detailreich aus, welche im Original nur Angedeutet oder durch kurze Verweise hervorgehoben werden. Dies gelingt überraschend gut, wenn auch einige kleine Unstimmigkeiten übersehen wurden; So dient Hellboy etwa auch an den Stellen als Erzähler, von denen er als Hellboy schlichtweg nichts wissen kann. Doch die Artikulation ist oftmals zu präzise, schließt jene Leerstellen, die Mignola mittels seinen Zeichnungen bewusst eröffnet. Dem Medium Comic gelingt es in dieser Hinsicht dem Betrachter oft unterschätzte Projektionen jenseits der Sprache anzubieten und es scheint mir naiv zu glauben, man könne mit Worten eben all jenes nicht nur adäquat, sondern gar klarer und deutlicher ausdrücken. Ebenfalls fraglich ist, weshalb die bislang veröffentlichten Erzählungen „Seed Of Destruction“ und „Wake The Devil“ jeweils als zwei Teile separate verkauft werden, wo eine Doppel-CD sicherlich käuferfreundlicher gewesen wäre.

Die Hörspiele sind vielleicht ein interessanter Einblick in Mignolas Werk für all jene die den Funny-Books distanziert gegenüberstehen, dem Medium Hörspiel gegenüber jedoch offen sind. Doch ist die Comic-Reihe selbst eine klare Empfehlung. Oder, um es mit Alan Moore zu sagen: „Sit down and knock it back in one, then wait for your reading experience to undergo a mystifying and alarming transformation. Hellboy is a passport to a corner of funny-book heaven you may never want to leave. Enter and enjoy."
foto: christine mignola / illustration: mike mignola

mike mignola
"hellboy"
dark horse comics
cross cult verlag
lausch 2008
mike mignola

600 Wörter [Achtjährige sind die ewigen 68er]

2009-01-19T12:19:00.003+01:00

Achtjährige sind die ewigen 68er – was wir von Ihnen lernen können
ODER: Jetzt oder nie: Anarchie!

Die Welt ist schlecht. Soweit nichts Neues. Politiker sind korrupt, Manager gierig, Frauen immer schon vergeben. Gegenstrategien versprechen statt Veränderung höchstens Lob fürs Engagement und wenn’s schlimm kommt einen Platz in der Neon-Liste der 100 wichtigsten Deutschen. Geschenkt. Zeit sich zu besinnen. Wir feiern in diesem Jahr 40 Jahre 68, jener kruden Phase der Politikentschlossenheit, einer wie auch immer gearteten Kulturrevolution, eine Jahreszahl, die für mehr Assoziationen herhalten muss als manche Jahrhundert. Wie viele Bilder assoziieren wir mit dem 13. Jahrhundert?

1968 gab es in den USA einen Revoltefachmann namens Jerry Rubin. Er trug die Haare lang, nahm Drogen, setzte sich für die Black Panther ein. Ein agitierender Bud Spencer an der Seite von LSD-Guru Abbie Hoffmann. Zwar schnitt er sich nach dem Ende des Vietnamkriegs den Bart ab, wurde vom Yippie zum Yuppie, Börsenmakler an der Wall-Street und später vom Auto überfahren (Leben und sterben auf der Straße, sic!), doch eine Parole seines Agitprop-Bändchens „Do it – Scenario für die Revolution“ ist mir bis heute in Erinnerung geblieben. „Unsere Führer müssen die Achtjährigen sein!“

Nun gut, nicht jeder Kevin-Leon und jede Britney-Jaqueline hätte das Zeug zum Che. Dennoch hat dieses Bild etwas Faszinierendes. Denn ja, die waren Anarchisten sind acht Jahre alt. Erinnern wir uns: Wir, ein paar Kinder aus dem Plattenbau, zusammengewürfelt wie Gemüsesorten beim mütterlichen Reste-Reis-Risotto. Wir stopften uns mehr Kaugummi in die Münder als hineinpasste, stahlen Smarties im Edeka Wucherpfennig („Wer so heißt, muss beklaut werden!“) tranken Cola bis wir durch die Nase sprudelten und rülpsten. Überhaupt rülpsen. Wir rülpsten in Supermärkten, wir rülpsten in der Fußgängerzone, rülpsten an Straßenbahnhaltestellen. Autoritäten waren uns fremd. Wenn wir nicht rülpsten spuckten wir, warfen mit Süßigkeiten und hauten „Ich muss um acht zu Hause sein“-Jochen eine rein. Nur zum Spaß. Wir traten Mülleimer um, warfen mit verfaulten Äpfeln und abends, wenn es dunkler wurde und Jochen sich ins holunderfarbene Bettzeug verkroch, gingen wir auf die Laternen los. Ein Knallen, ein Krachen, ein Kinderlachen!

Wir hatten Waffen, Bomben, Kriegspläne, wir hatten nichts zu verlieren. Wir versenkten unsere Köpfe in Wassermelonen und kruden Ideen, wir bauten aus Moddermatsch Panzer und aus Überraschungseierhüllen mit wenig Wasser und Backpulver kleine Sprengkörper. Wir waren nicht aufzuhalten. Wir waren Großstadtindianer und Häuserschluchtsoldaten, Panzerknackerrubbelbildträger und Barbiepuppenfrisöre, wir waren Kellerspielkinder und Straßentennisweltmeister, wir waren die bessere BMX-Bande (Nicole Kidman mit roten Locken ging ja mal gar nicht) und die Skatebordjugendgang, die immer zu laut war, wir waren Dosenfußballkoryphäen, Kaugummiautomatenkiller, Stromleitungsbewerfer und Telefonzellenpinkler, wir waren Autospiegelabtreter und Wandbeschmierer und vor allem waren wir nicht verantwortlich. Wir lebten Anarchie, unsere Träume, die Freiheit.

Unsere Eltern glaubten uns zu kontrollieren, dabei kontrollierten wir sie, bestimmten über ihren Tagesablauf, ließen uns von ihnen chauffieren. Die Politiker gaben uns Geld, allein weil wir Kinder waren, schafften Einrichtungen, in denen wir uns mit anderen Kindern zusammenschließen konnten, und versicherten immer wieder: Kinder sind unsere Zukunft!

Wir hatten längst gewonnen. Wir waren frei. Die Welt mochte schlecht sein, unsere war es nicht. Wir waren selbst korrupt und gierig genug, um alles zu bekommen, was wir wollten. Frauen? Sie küssten uns, schmusten und betonten immer wieder, wie groß wir schon geworden wären. Wir hätten sie alle haben können.

Zurück ins Jahr 2008. Rubin hatte Unrecht. Die Achtjährigen müssen nicht unsere Führer sein, sie sind es längst. Und uns Älteren bleibt nur die Kooperation. Wir können uns einschleimen und ihnen nacheifern.

Das macht die Welt vielleicht nicht besser – aber spannender. Leben wir unsere Träume, versenken wir unsere Köpfe in Wassermelonen und kleben wir uns Panzerknackerrubbelbilder auf die Arme. Und wenn uns 1968 und dieser kleine Erinnerungstrip etwas lehrt, dann das Frauen auf Outlaws stehen. Auf zum Klingelstreich!

Text: Jan Egge Sedelies
illustration: heiko windisch

Matthias Glasner [Der Freie Wille]

2009-01-14T17:36:00.003+01:00

Ein Film von Matthias Glasner über Theo und Netti. Über Einsamkeit und Zweisamkeit. Zwischen triebhafter Brutalität und liebevoller Hingabe, menschlichen Abgründen und ersehnter Normalität. Ein Film über zwei Menschen die gemeinsam bis zum konsequenten Ende gehen.

"ich möchte so eine art vorbild sein. (...) ich will zeigen, dass es möglich ist ein gesundes, normales leben zu leben, auch wenn man mal falsch angefangen hat."
(theo)

In "Der freie Wille" spielt Jürgen Vogel den Sexualstraftäter Theo Stoer, der nach neun Jahren Maßregelvollzug in der Normalität des Alltags Fuß zu fassen versucht und trotz aller Kraft und Bemühen letztlich an sich selbst, seiner Angst und seinem Trieb zu scheitern droht.
Für mich ist dieser Film einer von den Guten, den wirklich Guten. Ein Film der dem Zuschauer nicht nur eine Geschichte erzählt, sondern ihn ebenso packt, fordert und vielleicht sogar auch herausfordert. Diese Idee der Herausforderung erscheint einem sogleich einleuchtend, sobald man sich die Anfangssequenz anschaut. Theo überfällt tagsüber in einer abgelegenen Dühnengegend eine junge Radfahrerin und vergeht sich sexuell an ihr.
Nein... eigentlich müsste man es so bezeichnen, wie es dem Zuschauer tatsächlich auch präsentiert wird: er vergewaltigt sie. Er dringt triebhaft plump in die junge Frau ein, spuckt sich zwischenzeitlich auf Zeige- und Mittelfinger um es seinem Treiben zu erleichtern und schlägt ihr sogleich mehrmals kräftig ins Gesicht. Völlig gedankenlos und losgelöst von jeglichem menschlichen Verstand vergeht er sich an ihr. Und ich muss sagen: all diese Worte können nicht ansatzweise das Gefühl beschreiben, welches der Zuschauer wohl empfinden mag, wenn er mit dieser Szene konfrontiert wird.

Nach neun Jahren in einer Maßregelvollzugsanstalt und drei vergewaltigten Frauen wird Theo in eine betreute Wohngemeinschaft entlassen, mit dem ehrlichgemeinten Ziel für sich und sein bisheriges Leben einen Neubeginn zu wagen: „Ich will zeigen, dass es möglich ist ein gesundes, normales Leben zu leben, auch wenn man mal falsch angefangen hat.“ Dem Zuschauer begenet Jürgen Vogel als Theo Stoer nach seiner Entlassung mit einem völlig veränderten Auftreten. Nicht nur die ins Gesicht hängenden Haare, die Bomberjacke und Jogginghose sind weg, sondern auch der bezeichnend schwere, beinah nach vorne fallende Gang ist verschwunden.
Der scheinbar „neue“ Theo wirkt auf den Zuschauer wie ein normaler junger Mann, der bereit ist eine Arbeit zu finden, ihr gewissenhaft nachzugehen und auch sonst ein ganz normales Leben zu führen.

Doch trotz festem Job, festem Wohnsitz, einem zeitweilig guten Freund als Ansprechpartner und einer Kampfsportart zum inneren Ausgleich, spürt Theo immer mal wieder seinen Trieb, das gewisse Verlangen. Dennoch beharrt er darauf alles in den Griff zu bekommen und ist beinahe besessen davon, das zu werden, was er sich als Ideal gesetzt hat: ein stink normaler Mann mit einem stink normalen Leben. Weg vom Trieb, hin zum Leben!

Zeitgleich schafft es Netti (Sabine Timoteo), die Tochter von Theos Chef, sich nach 27 Jahren von ihrem besitzergreifenden Vater zu lösen. Eines Tages lernen sich Netti und Theo persönlich kennen und verlieben sich einige Zeit und Probleme später auch ineinander. Doch zunächst sind sich beide mehr als suspekt und gehen keineswegs menschlich aufeinander ein. Netti will Theo klar machen: „Pass auf, das hier bringt nichts. Ich mag Männer nicht und ich will auch keinen in meinem Leben. Wir können uns also die ganze Unterhaltung sparen!“ „Trifft sich gut, ich mag Frauen auch nicht so besonders“, setzt Theo ihr entgegen und macht dem Zuschauer gleichzeitig klar, dass mit dieser kurzen Konversation ihre gemeinsame Geschichte nun beginnt. Die Zeit zwischen den beiden scheint beide völlig zu verändern. Sie gehen aufeinander ein, wirken wie ein ganz normales, verliebtes Paar, dass eine harmonische Beziehung zu führen scheint. Doch Theo und Netti müssen sich schnell eingestehen, dass sie beide gebrannte Kinder sind. Theo, der sich stets mit seinem Verlangen auseinandersetzen muss und Netti, die versucht über die psychischen Misshandlungen ihres Vaters hinwegzukommen. Zusammen ergibt ihre Beziehung eine komplizierte, aber für den Zuschauer zugleich romantische Liebesgeschichte, die beiden Figuren zunächst Halt und Wohlbefinden schenkt.

Doch als Theo erneut seinem Trieb erliegt und eine weitere Frau brutal vergewaltigt, erkennt er, dass es nie aufhören wird, er immer und ausausweichlich mit seinem Verlangen konfrontiert sein wird. So sehr er sich auch um Besserung bemüht, er fühlt sich gefangen in seinem eigenen Körper und zu schwach, um gegen sich selbst anzukämpfen. Theo entscheidet sich dazu, Netti seine bisher verschwiegene Vergangenheit zu erzählen. „Bevor ich hierher kam, da war ich neun Jahre weggesperrt. Ich hab drei Frauen vergewaltigt. Erst hab ich sie verprügelt und dann hab ich sie gefickt. Eine hab ich ausgezogen und auf'n heißen Herd gesetzt. Ich wollte, dass alles gut ist zwischen uns. Dass es aufhört. Aber das is’ hier drinnen. Immer. Immer. Und es hört nicht auf, das weiß ich jetzt. Hörst du das? Ich weiß, dass es nie aufhört.“

Mit dieser Ankündigung trennt sich Theo von Netti und lässt sie weinend und schreiend hinter sich. Er will sie aus ihrem Leben streichen und seine Liebe zu ihr unterdrücken. Für ihn scheint das realisierbarer als sein Verlangen nach Frauen zu unterdrücken, an dem er sich gescheitert fühlt.

Es läuft einem kalt den Rücken und das Herz hinunter, wenn man sich vorstellt, dass Nettis Liebe so eine Große ist, dass sie Theo gehen lässt. Bevor er sich selbst verliert, verliert sie lieber ihn. Den jungen Mann, der an sich selbst gescheitert ist und mit dem Gedanken nicht leben wollte, dass es niemals ein Ende nehmen wird. Netti war die erste Frau, bei der Theo nicht primär auf der Suche nach sexueller Befriedigung war. Er suchte Nähe, menschliche Nähe, und fand diese bisher ungespürte Zuneigung bei ihr, die sie ihn bis zu seinem Ende spüren ließ. Seine Erfüllung war, dass es einen Menschen in seinem Leben gab, der für ihn zutiefst bedeutsam war.
Dieser Film ist alles was ich mir wünsche: Alles und nichts zugleich. Schockierend und beeindruckend. Schonungslos und konsequent. Erlösend und fast unerträglich. Er ist einer von den Guten!
foto:

matthias glasner
"der freie wille"
2006

K&F Records

2009-01-10T15:23:00.001+01:00

Noch ist Dresden nicht der Folk-Nabel der Welt. Aber das könnte sich schon bald ändern, denn das junge Dresdner Independent-Label K&F Records bietet talentierten Singer/Songwritern eine musikalische Heimat und schielt dabei ungeniert über den großen Teich.

"k&f records heißt nicht, dass hier die ganze zeit ein einzelner mann zur akustischen gitarre
weint, sondern bezieht auch breitwandigere bandformate mit ein."
(mario cetti und lars hiller)

Nach dem großen weiten Amerika soll der Label-Sound klingen: anmutend, episch, countryesk und sich zuweilen in den Unweiten der Electronica verirrend. Das jedenfalls haben sich Mario Cetti und Lars Hiller vom Dresdner Independent-Label K&F Records groß auf die Fahnen geschrieben. Hervorgegangen aus einer Künstler- und Kreativ Gemeinschaft, welche bereits seit einigen Jahren als Bookingagentur und Veranstalter von Dresden aus die Fäden zieht, will man zukünftig auch das Label „K&F“ wachsen lassen, dabei aber die regionalen Wurzeln nicht aus den Augen verlieren. Gleichzeitig möchte man sich aber auch nationalen wie internationalen Künstler nicht verschließen, sondern stattdessen Türen und Ohren offen halten. Die ersten beiden Band-Veröffentlichungen des Labels, die in Zusammenarbeit mit Broken Silence erschienen sind, stammen von The Poem is You und Garda.

Letzt genannte Formation setzt sich aus einem bunten Musikerkollektiv um Sänger und Texter Kai Lehmann zusammen. Gardas Grundidee, minimalistische Songs zu schreiben, die allein durch Lehmanns zerbrechliches Organ und einer Akustik Gitarre getragen werden, wurde schnell verworfen und die Stücke im Studio mit Streichern, Piano, Bläsern und Klarinette arrangiert. Das Schöne daran: Die Songs würden immer noch mit spärlicher Instrumentalisierung funktionieren, denn Lehmanns Stimme kann flüsternd schreien, so wie das vor ihm in jüngster Vergangenheit nur Damien Rice und Conor Oberst perfektioniert haben. Und so dürfte es dann auch kein Zufall sein, dass die Musik von Garda durchgehend wie eine geniale Mischung aus Bright Eyes und Damien Rice klingt. „Die, Technique, Die!“ gehört auf jeden Fall mit zu den besten Herbstplatten des Jahres 2008 und es ist eigentlich eine Schande, dass diesem wunderbaren Album nicht die mediale Aufmerksamkeit zuteil wurde, die sie verdient gehabt hätte.

Anders, aber kein bisschen schlechter, klingt die sechsköpfige Multi-Kulti-Truppe von The Poem is You, die auf „The Promised South“ feinsten Neo-Folk-Rock zelebriert. Hier werden zu lebensbejahenden Cowboyhymnen sympathische Verlierertexte gedichtet und die Vocals auf charmante Weise abwechselnd von beiderlei Geschlechtern vorgetragen. Elf verschrobene Kleinode sind so in kürzester Zeit entstanden, die in ihrer Gesamtheit süßer nach Western schmecken als eine honigverschmierte Bärenpfote.

Noch in den Startlöchern bei K&F Records steht eine Formation mit dem idyllischen Namen „bergen“, in der u.a. die beiden sympathischen Label-Betreiber selber zu Klampfe und Trompete greifen und rumpelnd warmen Folkpop zum Besten geben. Musikalisch wie textlich wandert man hier eng auf den Pfaden der großen Element of Crime. Für uns jedenfalls Anlass genug, um mit den beiden Labelbetreibern und Musikern ein kleines Gespräch zu führen.

Was hat euch beide dazu veranlasst, in Zeiten der globalen Musikkrise allen Unkenrufen zum Trotz in diesem Haifischbecken als Labelbetreiber aktiv zu werden? Und wofür steht in diesem Zusammenhang eigentlich die Abkürzung „K&F“?
Mario Cetti: "Die Unkenrufe haben wir zunächst einfach ausgeblendet. Wir sind in Sachen Musik leicht bekloppt und wussten einfach, dass wir das mit dem Label jetzt einfach angehen müssen. Von so was träumt man als selbst musizierender Mensch ja schließlich schon seit Blockflöten-Musikschul-Tagen."
Lars Hiller: "Das mit Haifischbecken hatten wir uns übrigens gar nicht so schlimm vorgestellt, wie wir es nun erleben. Wir waren selbst überrascht, wie wenige Platten heutzutage tatsächlich nur noch verkauft werden. Ich bin allerdings auch immer noch der Meinung, dass da etwas grundlegend schief läuft und sich vielleicht auch irgendwann wieder einrenkt. Musik zu produzieren und zu veröffentlichen kostet etwas und eine MP3, die man mit zwei Klicks kopiert hat, spiegelt da beim Konsumenten einfach keinen Wert wider.
Das Hauptproblem ist aber, glaube ich, ein anderes. Es gibt zu viele Bands. Die erste Generation Rock-Musiker ist ja gerade erst dabei abzutreten. Seither kamen kontinuierlich weitere dazu, mehr jedenfalls, als aufgehört haben. Die Kunstform ist überbevölkert. Es ist schon schwer, sich aus der Flut neuer Veröffentlichungen überhaupt herauszuheben.
Da wir beileibe auch kein großes, umsatzstarkes Label sind müssen wir da aber auch nicht so viel erreichen. Allerdings ist es schon ein wenig frustrierend, in welch geringem Maße man von den etablierten Musikmedien wahrgenommen wird. Das Album von Garda könnte tatsächlich viel mehr Menschen, als nur einen kleinen Kreis Eingeweihter glücklich machen, aber Qualität allein reicht leider nicht, um in der Musikpresse berichtet zu werden. Da sollte man nach gerade mal einem Jahr Label-Arbeit aber auch nicht zu viel erwarten."
MC: "K&F entlehnt sich im Übrigen von unserem Mutterschiff, den 'Kumpels and Friends“' Das ist eine Art Kreativgemeinschaft, die ursprünglich aus dem Erzgebirge kommt und heute im Dresdner Raum Booker, Bands, Grafiker, Filmemacher, Comic-Zeichner oder Werbemenschen vereint. Man kennt und mag sich untereinander und hilft sich gegenseitig und kostenfrei beim Umsetzen diverser Projekte."
LH: "Die Reduktion des Namens soll das Ganze einerseits offener, irgendwie neutraler klingen lassen, so dass eher die veröffentlichte Musik den Namen langsam mit Bedeutung füllt. Schließlich gibt es kaum etwas nichts sagenderes, als zwei Buchstaben als Name einer Sache. Außerdem wollten wir auch ein Stück weit weg von dem ursprünglichen Kumpels-Gedanken, eine Linie ziehen zwischen reiner Freundschaft und Kunst. Das ist wichtig für die Qualität auf dem Label. Idealerweise jedoch sollte beides zusammenfallen."

Viele Independent-Labelbetreiber werden vom Idealismus angetrieben, Musikkunst unter das Volk zu bringen, was ihnen dann beim Kreditgeber der hiesigen Bank zumeist nur ein gequältes Lächeln einbringt. Wie schwierig war es einen finanzkräftigen Partner für K&F Records zu finden, oder läuft die Finanzierung derzeit noch komplett über private Mittel?
LH: "Leider gibt es hierzu nicht allzu viel zu sagen. Es ist der pure Idealismus, finanzkräftige Partner sind weit und breit nicht in Sicht. Das Ganze finanziert sich aus privaten Ersparnissen. Die Idee ist auch nicht die, davon irgendwann reich zu werden, es würde auch schon reichen, beständig schwarze Zahlen zu schreiben. Das ist ja auch heute noch ein realistisches Ziel."

K&F Records ist im Großen und Ganzen für Singer/Songwritermusik reserviert, wie es auch aus eurem Pressetext sehr schön zu entnehmen ist. Gibt es in Deutschland, oder wo auch immer, ein vergleichbares Label, dass musikalisch eine ähnliche Philosophie fährt wie ihr und an dem ihr euch orientiert?
LH: "Ganz so sklavisch folgen wir der Singer/Songwriter-Idee dann auch nicht, aber es lässt auch nicht verhehlen, dass wir beide ruhigere Musik ganz gerne haben. Eine weitere Grundidee ist die, dass es auch in Deutschland Bands geben sollte und geben darf, die diese Art von Musik spielen und dabei glaubwürdig klingen. In Skandinavien ist das akzeptiert und sogar erfolgreich, in Deutschland rümpft man da eher die Nase, wenn eine Band zu amerikanisch klingt. Aber gerade an diesen urbanen deutschen Wohnzimmer-Folkpop kann ich selbst auch nicht so richtig ran."
MC: "Ich schon eher. Ich spiele in einer solchen Band. Zum Thema andere Labels fällt mir ein bisschen Glitterhouse ein, wenngleich die sich gefühlt ja eher an die alten Zausel und Familienväter wenden. Und das meine ich hier durchaus positiv. Uns verorte ich da doch ein gutes Stück jünger. Von der Organisation her mag man vielleicht noch Sinnbus nennen. Die machen musikalisch zwar was komplett anderes, wurzeln aber in einem ähnlichen Kollektiv-Gedanken."

Worauf basiert eure Affinität zu Genres wie Folk, Americana und Country? Gab es ein konkretes Erlebnis, das euch zu dieser Art von Musik brachte oder wie kam es dazu?
LH: "Die Nähe zu den besagten Genres resultiert daraus, dass wir beide schon länger in Bands spielen, die solche Musik machen. Dort haben wir mit der Zeit Freunde gefunden, eine Art Zuhause."
MC: "Das hast Du schön gesagt! Außerdem hast du mir vor Jahren mal ein Mixtape gemacht, das meiner musikalischen Sozialisation nochmal einen ganz neuen Impuls gegeben hat. Gebe ich ungern zu, war aber so."

Das Herzstück jeder Labelarbeit ist die Auswahl der „richtigen“ Künstler, welche im Idealfall dafür sorgen, dass durch die Veröffentlichung der Alben über die Kostendeckung hinaus ein Ertrag erwirtschaftet wird, um weitere Releases realisieren zu können. Wie geht ihr im Bereich A&R vor und nach welchen Kriterien entscheidet ihr, was gesignt wird und was nicht?
MC: "Nachdem wir mit den Kumpels and Friends ja auch viele Herzens-Bands beim Booking betreuen, fragen wir da auch manchmal gleich unverschämt nach, ob die nicht auch noch Lust auf ne Platte mit uns haben. Bei Garda oder The Poem is You war das zum Beispiel so. Ansonsten ist uns große musikalische Eigenständigkeit wichtig. Wir mögen keine Bands, bei denen uns beim ersten Hören bereits dreiundzwanzigeinhalb Referenzgruppen einfallen."

Zum Abschluss möchte ich mit euch noch einen kurzen Ausblick auf das Jahr 2009 wagen. Laut Pressetext werden im kommenden Jahr die (Debüt?-)Alben von „The Green Apple Sea“ und „Rumen Welco“ erscheinen. Sind weitere Veröffentlichungen in 2009 geplant? Wird darüber hinaus „The Sound of Bronkow – Vol. 2“ erscheinen, oder wie sind eure Compilation-Ambitionen?
LH: "2009 beginnt mit einem Album der Band bergen, auch von hier aus Dresden. Dann wird es ganz sicher ein zweites Album von The Poem is You geben, denn die sind unglaublich produktiv und da muss man auch einfach zügig hintereinander weg veröffentlichen.
Ganz besonders freuen wir uns darüber, dass The Green Apple Sea ihr nächstes Album bei uns rausbringen wollen. Das ist eine Band, die das, was wir hier machen wollen, in Deutschland so ziemlich als erste gemacht haben. Zusammen mit Missouri haben sie uns ganz maßgeblich beeinflusst in unserer musikalischen Entwicklung, dem Wunsch auf Tour zu gehen, egal wie klein der Laden ist und wie wenig Gäste an dem Abend da sind und eben darin, dass Songwriter-, Americana-, Folk was auch immer nicht zwangläufig aus Amerika kommen muss, um gut zu sein. Das Split-Album von Missouri & Green Apple Sea 'By The Time I Get To Phoenix' ist schon ewig eine meiner Lieblingsplatten."
MC: "Auf Rumen Welco freuen wir uns auch sehr. Schon seit vielen Jahren meine Lieblingsband hier in Dresden. Das ist dann deren Debüt auf einem Label und die Platte wird ganz sicher großartig. Leider brauchen die eine gefühlte Ewigkeit, um das Album fertig aufzunehmen, was uns aber irgendwie auch hilft, mit dem Budget zu haushalten."
LH: "Zu Sound of Bronkow: Wir werden über das Jahr Beiträge sammeln, sind da auch immer sehr offen für randständige, völlig unbekannt Künstler und wenn genug beisammen ist, dann veröffentlichen wir auch Volume II. Das wird wahrscheinlich jedoch eher erst Anfang 2010."
foto: frank grätz

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Sidney Lumet [Tödliche Entscheidung]

2008-12-22T16:03:00.009+01:00

“May you be in heaven for half an hour before the devil knows you’re dead.”
Sidney Lumet entfacht in der jüngsten Inszenierung seines über 50 Filme umfassenden Opus ein so turbulentes wie blutiges Spiel mit dem Teufel.

"der teufel hat die welt verlassen, weil er weiß,
die menschen machen selbst die höll' einander heiß."
(friedrich rückert, die weisheit des brahmanen, XVI-III, 21)

Mit "Tödliche Entscheidung" haben es sich die deutschen Übersetzer einmal mehr zum Hobby gemacht, eine gänzlich adäquate Bezeichnung ("Before The Devil Knows You’re Dead") in einen nichtssagenden Filmtitel umzuwandeln – doch glücklicherweise tut das der Qualität des Films keinen Abbruch an.

Im besten Tarantino-Stil beleuchtet die Geschichte des 1924 geborenen Regie- Altmeisters Sidney Lumet die Vor- und Nachwirkungen eines fehlgeschlagenen Verbrechens, deren Protagonisten durch die Brüder, Andy und Hank Hanson respektive Philipp Seymour Hoffmann und Ethan Hawke, sowie deren Vater Charles Hanson (Albert Finney) verkörpert werden. Andy Hanson hat einen gut bezahlten Job als Immobilienmakler, jedoch befindet er sich in einer Krise mit seiner Frau Gina (Marisa Tomey), die sich durch seine Vernachlässigung weder geliebt noch begehrenswert fühlt. Aufgrund von Depressionen ist Andy Heroin- und kokainabhängig. Zu allem Überfluss hat er auch noch Firmengelder veruntreut, und das Finanzamt ist im Begriff, ihm auf den Pelz zu rücken. Sein Bruder Hank hingegen hat andere Probleme: Er kommt mit den Alimentszahlungen für seine Tochter nicht hinterher, zudem wird er von allen Beteiligten als Versager betrachtet. Die Brüder beschließen, ihre finanziellen Probleme zu beseitigen, indem sie den Juwelierladen ihrer Eltern ausrauben wollen – mit erheblichen Konsequenzen.

"Before The Devil Knows You´re Dead", um den wunderbaren Titel des Originals zu verwenden, beleuchtet in schockierender Manier das Böse, welches im Menschen steckt. Die intelligent herausgearbeiteten Charaktere sehen sich, jeder auf seine Art und Weise, mit Entscheidungen konfrontiert, die ihr Gewissen auf eine harte Probe stellen, sei es nun Betrug, Verrat oder die Verletzung mehrerer christlicher Gebote. In diesem Sinne schafft der Film interessante Kontraste. Einerseits durch den zerbrechlichen Hank, der im Grunde genommen lediglich ein gutes Verhältnis zu seiner Tochter schaffen möchte, sich aber durchaus der Tatsache bewusst ist, dass selbst die ihn als Verlierer ansieht. Andererseits durch seinen Bruder Andy, der, oberflächlich betrachtet, das genaue Gegenteil von ihm darstellt: erfolgreich, selbstbewusst und unantastbar. Im Verlauf des Films wird jedoch deutlich, dass auch Andy erhebliche Selbstzweifel hat und droht, an diesen zu zerbrechen.

Die schauspielerischen Leistungen sind gleich auf dreierlei Weise gut. Erstens ist die Besetzung exzellent gewählt – Marisa Tomey als die schöne, aber frustriere Ehefrau, Ethan Hawke als abgebrannter Verlier, Philipp Seymour Hoffmann erfolgreicher Geschäftsmann, der in einen Strudel von Betrug und Lüge gerät. Zweitens bleiben die Charaktere stets in ihrer Rolle, wirken jedoch zu keinem Zeitpunkt stereotypisch oder gar oberflächlich. Drittens schaffen es die Darsteller, im Verlauf der Geschichte eine eigene Entwicklung zu durchlaufen, ohne aus der Rolle zu fallen.

Zu guter Letzt muss auch noch Erzählstil hervorgehoben werden. Die Handlungsstränge sind sinnvoll miteinander verknüpft, die Entscheidungen der jeweiligen Protagonisten bestimmen den weiteren Verlauf der Geschichte, was insbesondere dadurch an Wert gewinnt, dass diese aus den Augen dreier vollkommen verschiedener Menschen, namentlich Andy, Hank und Charles Hanson dargestellt werden. Nach und nach werden dem Zuschauer immer mehr Häppchen an Informationen serviert, bis die einzelnen Handlungsstränge in einem grandiosen Finale zusammenlaufen.

"Before The Devil Knows You’re Dead" ist ein clever erzähltes, action-reiches Familiendrama. Hervorragend wird das Thema des Bösen im Menschen dargestellt und die seelischen Abgründe der Charaktere exploriert. Letzten Endes hat sich jeder, wenn auch unterschiedlich motiviert, die Finger schmutzig gemacht. Philipp Seymour Hoffmann brilliert einmal mehr, und auch der Rest der Besetzung liefert eine überzeugende Darbietung ab. Das Prunkstück des Films ist jedoch die Art und Weise, in der er erzählt wird – da dies im Kontext dieses Artikels nur bedingt dargestellt werden konnte, möchte ich ihnen raten, sich eine eigenes Bild zu machen.
foto:

sidney lumet
"tödliche entscheidung"
(before the devil knows you're dead)
2007

Gemma Ray [The Leader]

2008-12-22T12:22:00.001+01:00

Düsterer Blues-Folk mit einer Prise Soul von einer 27-jährigen Singer/Songwriterin aus Essex/Südengland, die in ihren stärkeren Momenten so geheimnisvoll und intensiv klingt, als hätte Kate Nash sich zu nächtlicher Stunde auf dem Friedhof verirrt.

"ich wünsche den frauen dort einen langsamen, schmerzhaften tod.
das hat mich lebenslang für einen herkömmlichen beruf verdorben
– vielleicht haben sie mir damit ja einen gefallen getan."
(gemma ray über ihre zeit als auszubildende in einem essexer reisebüro)

Als junge, aufstrebende Sängerin hat man es dieser Tage nun wirklich nicht leicht sich gegen die permanenten Amy-Duffy-Vergleiche zur Wehr zu setzen. Erst recht nicht, wenn man sich musikalisch der Vintage-Schublade bedient, adrett aussieht und von der britischen Insel stammt. Warum aber derlei Gleichnisse dann ausgerechnet bei Gemma Ray aufgefahren werden, bleibt schleierhaft, zumal der versponnene Blues-Folk von Fräulein Ray so rein gar nichts mit dem Retro-Soul einer Amy Winehouse zu tun hat. Wenn es überhaupt so was wie einen kleinen gemeinsamen Nenner zwischen den beiden Damen gibt, dann ist es die Soundästhetik der 1960er-Jahre auf „The Leader“, dem Debütalbum der jungen Britin, die ursprünglich mal Reiseverkehrskaufrau werden wollte, was ihr aber von garstigen Kolleginnen ordentlich vermiest worden war. (Ein kleinwenig bizarr ist die Vorstellung ja schon, dass dieses morbide wirkende Geschöpf mit den viel zu dunklen Augenringen tatsächlich mal in der Welt der gut gebräunten Sekretärinnen gearbeitet haben soll.) Ray hat Arrangements komponiert bei denen immer an der richtigen Stelle das Glöckchen klingelt, die Melodica laut dazwischenfährt, oder sich eine leicht verzerrte E-Gitarre ihren Weg bahnt. Nicht nur einmal denkt man beim Hören des Albums an Nancy Sinatra in ihrer Lee Hazlewood-Phase, PJ Harvey oder gar den frühen Nick Cave. Coproduziert wurde das Album übrigens von Michael J. Sheehy, der einst Frontmann der erfolglosen britischen Band Dream City Film Club war.

The Sick Sessions

Womit wir auch schon beim Wesentlichen angelangt sind, der Musik: Von dem kurzen, aber sehr eindringlichen Interlude Yes I Am... wird der Hörer genau da abgeholt, wo ihn seinerzeit Nancy und Lee auf der Straße haben stehen lassen, ehe man auch schon in die Klang-Hemisphären von „Hard Shoulder“ eintaucht. Dumpfe Pauken, Akustikgitarre und die niedliche, aber ebenso starke Stimme Gemma Rays nehmen einen unweigerlich in Beschlag. Die vorhin beschworene Melodica darf sich immer ein kurzes Stelldichein geben und hier und da ist Gemma als ihr eigener Hintergrundchor zu hören. Ist Hard Shoulder eine noch eher ruhige Einstiegsnummer, die sich sogar auf dem Soundtrack zu einem Tarantino-Film oder gar Gorillaz-Album wieder finden könnte, überzeugt Dry River mit eingängigem Ohrwurmrefrain. Bring It To Me lebt vom aggressiveren, schnelleren Tempo, das durch den ausdrucksstarken Gesang harmonisch abgerundet wird. Mit Rise Of The Runts hat Ray gar eine wahre Pop-Perle aus dem Hut gezaubert, die genug Potential haben dürfte, um es in die hiesigen Radiostationen zu schaffen. Nachdem man sich an dieser Stelle, durch die zuckersüße Melodie bedingt, fast schon ein kleinwenig in vorweihnachtlicher Stimmung wähnt, wird es bei On Your Own wieder richtig spooky und geheimnisvoll. Wie zuvor schon bei Dry River, bestimmt auch hier wieder die x-malige Wiederholung des Titels im Refrain das Programm und man fühlt sich in eine grotesk lustige Bestattungsfeier im New Orleans der 1970er Jahre versetzt. Metal In The Morning bewegt sich wiederum weg vom Blues & Soul hin zum Gospel-Pop. Sakrale Lollipop-Stimmung verbreitet gar das wunderbare Eyes And Ears, ehe einem der yellow Pick-Up Truck in die heiße Wüste von Nevada, oder halt eben auch nur vor die Haustüre von Michael Stipe verschleppt. Klingen die darin enthaltenen Harmonien doch verdächtig nach Suspicion vom 99er R.E.M.-Album „Up“.

Weshalb diese Scheibe in ihrer Gesamtheit so herrlich schräg und düster geworden ist, kann man nur mutmaßen. Zwei Jahre lang kämpfte die Sängerin angeblich gegen eine mysteriöse Krankheit und verbrachte den Großteil dieser Zeit überwiegend im Krankenhaus. 50 Tracks sind dabei entstanden, die Ray dann scherzhafter Weise „The Sick Sessions“ benannt haben soll. 13 dieser „kranken“ Stücke sind auf „The Leader“ zu hören. Wenn man so will, das starke Destillat dieser schwierigen Zeit, eine Art „Best Of“ aus den vergangenen drei Jahren. Mangels fehlender Hit-Single und aufgrund des insgesamt für den Mainstream zu sperrigen Songwritings dürfte der kommerzielle Erfolg leider ausbleiben, was die musikalische Größe des Albums aber in keinster Weise schmälern soll.
foto:

gemma ray
"the leader"
bronzerat records, 2008
gemma ray

3 Kurze [Jacob Faurholt, Nina Kinert, Pen Expers]

2008-12-14T17:52:00.022+01:00

Wohingegen sich unsereins auf mittelprächtigen Weihnachtsmärkten den fiebrigen Körper mit Glühwein und heißer Schokolade aufwärmt, machen die Skandinavier in der heißen Grippephase das, was sie am besten können: Sie nehmen Platten auf und streuen diese unters Volk. Einige Glanzlichter hier in der Kurzkritik.

"the same rainy streets i walked with your old address in my sleeve.
i'm in my valentine shirt."
(pen expers)

Jacob Faurholt - "Hurrah Hurrah"

Das dänische Städtchen Århus ist die kleine Schwester Kopenhagens, das lässt sich nicht verheimlichen. Ein wenig verschlafen und mit verminderter Strahlkraft steht es leider immer noch im Schatten des großen Ostseebolidens. Das wird und muss sich langsam ändern, denn die Szene in Århus macht so langsam eine Gratwanderung durch.

Mit Beta Satan, The Broken Beats und den isländisch anmutenden Under Byen eröffnen sich neue musikalische Wege in Dänemark. Hinzu tritt Jacob Faurholt, der sich wie ein Fabelwesen durch die internationale Popgeschichte wälzt und von Album zu Album immer andere Kolorite ausprobiert. 2005 erobert er mit seinem Projekt Jacob Faurholt & Sweetie Pie Wilbur die dänischen Alternative-Charts. In diesem Jahr stellt er nun endlich sein zweites Album „Hurrah Hurrah“ vor, das sich wie eine Melange aus Anti-Folk und Bedroom-Pop in den Ohren festsetzt. Dazu kommen eine skandinavische Schwermütigkeit und die obskursten Instrumente/Gegenstände. Faurholt wuselt mit so ziemlich allem herum, was er in seiner Wohnung finden konnte und zeigt, dass man auch mit Küchenutensilien eine ziemlich intime Atmosphäre schaffen kann. Gut so!

Pen Expers - "Baby’s Gone Straight"

Alexander Arvman – Sänger der schwedischen New Wave-Epigonen Pen Expers – ist schon durch so manche Hard Times gegangen: Suff, Verbitterung, Lovesick, Weltverdruss. Grund genug für ihn diesen Themen mit „Baby’s Gone Straight“ ein zutiefst betrübtes Denkmal zu setzen.

“The days that light up here are wasted” heißt es beispielsweise in “Valentine Shirt”. Wenn man das vor dem Hintergrund hört, dass hier nicht etwa versucht wird eine ironische Kunstfigur im Stile Charles Bukowskis zu schaffen, sondern dass Arvman sein Ideal im leidenden Künstler gefunden hat, möchte man dem Schweden behutsam auf die Schulter klopfen und sagen, dass alles wieder gut wird. Doch nein: vor der Therapie liegt immer noch das Suhlen im Selbstmitleid und die Teenage Angst in ihrer urigsten Form: rau, ungeschliffen und so verdammt angepisst von der bösen, bösen Welt. Ganz klar können da im direkten Vergleich nur der frühe Nick Cave und Ian Curtis mit all ihrer Tragik mithalten. Musikalisch ist das ganz großer, eklektischer New Wave-Pomp mit einem Galle spuckenden Sänger, dessen Stimme eine solch dunkle Klangfarbe hat, wie man sie heute selten findet.

Nina Kinert - "Pets and Friends"

Ane Brun und Nina Kinert sind Buddies, das hört man nicht nur an ihrem leicht folkig-verspielten, fast schon transzendentalen Songwriter-Pop, sondern auch an dem Fakt, dass beide hin und wieder gerne gemeinsam auf Tour gehen. Das Problem dabei ist nur, dass man nicht eindeutig ausmachen kann, wer hier eigentlich wen supportet. Sicherlich hat Ane Brun mit ihrem rauchigen Vibrato den eindeutig größeren, weil bekannteren, Namen, aber dennoch spielt Kinert so langsam in der gleichen Liga wie die ehemalige Straßenmusikerin Brun. Und das mit gerade mal 25 Jahren und vier veröffentlichten Alben.

jacob faurholt
"hurrah hurrah"
quartermain rec 2008 cd
jacob faurholt

pen expers
"baby’s gone straight"
i-ration records 2008 cd
pen expers

nina kinert
"pets and friends"
another 2008 cd
nina kinert

Sonntag Nachmittag [Dezember 2008]

2008-12-10T13:11:00.001+01:00

fotos: manuel kaufmann

Chase The Dragon [Replacing Space]

2008-12-10T11:11:00.012+01:00

Während Siegfried die Tarnkappe der Zwerge poliert, um sich an die Schätze der Drachen dieser Welt heranzuschleichen und den mythologischen Echsen das Schwert der Vergessenheit in die Kehlen zu rammen, machen sich zwei Magdeburger als Drachenkämpfer gleich daran, zu zeigen, dass österreichische Berghütten doch ihren Sinn haben können.

„we should find out, but it is so much better to break up
from the heights that we don’t know.“
(the lasting)

Jage den Drachen! So hätte auch damals ein weiser Rat von Mr. Miyagi an sein Karate Kid lauten können. Die Suche nach dem Drachen im eigenen Ich, der sich immer wieder einschleicht und ganz in der Element of Crime-Manier wie ein Tier alles zerstört, was man sich vornimmt, sodass man nur noch gerne wüsste, wer man wirklich ist. Oder aber auch ein umgangsprachlicher Begriff für das Inhalieren von erhitztem Heroin. Welcher hobby-philosophischen Spielerei man nun in gewohnter Wikipedia-Google-Tradition nachgehen will, bleibt jedem selbst überlassen, denn hier dreht es sich nun um Musik. Chase The Dragon, sprich Robin Kellermann und Mathias Schieweck aus Magdeburg. Die Beiden sind weder mit einer bekannten Affinität zu Karate Kid noch zur Drogenszene beseelt, aber dennoch steckt hinter ihrer zweiten EP „Replacing Space“ in der dreijährigen Bandgeschichte eine Klangsphäre, die sich ähnlich wie ein Drachenjäger ihren Weg durch die alltäglichen Hindernisse kämpft.

Den Anfang macht The Names Of The Lands We Had Crossed. Besattelt mit einem leisen Zusammenspiel aus Synthesizerklängen und Klaviermelodie wird schon hier direkt der Weg in den Pop geebnet. Nicht in diesem abwertenden Sinn, wie man ihn heutzutage nur zu oft verwendet. Eher wie die Hoffnung auf einen besseren Tag, während draußen der Regen jeglichen Sonnenschein untergräbt, die Passanten auf der Straße das Lachen auf einen anderen Tag verschieben und selbst die dicke Decke einen nicht wärmen kann. „We decided to break up with our past to find the true one inside“.

Fast schon als wäre diese subjektive Assoziation gewollter Pathos begrüßt einen The Lasting mit Vogelgezwitscher, als der besagte bessere Morgen, an dem man noch einmal neu anfangen kann. Vielleicht aber auch nur ein kurzer Einblick in die friedlichen Anfänge der Tage, die Robin und Mathias während der EP-Aufnahmen auf einer österreichischen Berghütte erlebt haben müssen. Wenn man auf den alten und knarrenden Holzdielen mit einem frisch gebrühten Kaffee aus erhitztem Bergwasser und Instantpulver steht und man eigentlich nicht drum herum kommt, sich mit den eigenen Dämonen auseinander zu setzen.

Musikalisch wie ein Wechsel aus Sonne und Schnee, um dann beim dritten Stück Could We vollends in den Gedanken versunken zu sein. Melancholie in ihrer Reinform: „Could we all just apologize for the things we never did for ourselves“, während der eigene Fall über die ganzen vier Minuten aufgebaut wird, um zum Schluss mit einer vorwurfsvollen Aggressivität in den oben zitierten Worten den Sturz nur noch zu beschleunigen. Kein Happy-End in Sicht. Auch nicht in den Streets Of My Hometown, die genau das heraufbeschwören, was man sich unter dem Titel vorstellt: Ein Zurückkommen an die alten bekannten Orte der Heimat, an denen das Gehirn knuspert und alte Erinnerungen projiziert, ohne auf längst verheilte Wunden Rücksicht zu nehmen, die nun schmerzhaft wieder aufgekratzt werden. Geigen aus dem Off, ein Leiden in der Stimme und die Moll-Akkorde vom Klavier als die nötige musikalische Untermalung, um danach der siebtgrößten Stadt Mecklenburg-Vorpommerns in Goodnight Güstrow die ersehnte Nachtruhe zu wünschen. Ein perfekter Abschluss, wenn dann im Hintergrund wieder Alpenvögel zwitschern und ein Bachlauf der Atmosphäre den richtigen leise, matt-glänzenden Schliff verpasst. „Bend your head and lay down“. Resignation und ruhiges Durchatmen nach fünf musikalischen Stücken, die wenig durch ihre Texte als viel mehr durch die Musik Geschichten erzählen, über die kleinen großen alltäglichen Kämpfe mit den Drachen in uns selbst.

So ist „Replacing Space“ ein Stück Musik, ohne jegliche Allüren etwas Besseres sein zu wollen. Immer mit dem nötigen Maß an Hoffnung im Blick, sei es in der Stimme, im Text oder in den Tönen. Chase The Dragon erfinden hier nichts neu, fordern nicht heraus und werden niemals Trend werden. Alles Gründe, wieso man diese EP in das eigene Herz schließen sollte. Und sei es nur, um einmal sagen zu können, man hätte die Welt durch den Klang eines österreichischen Bergbachs ein Stück besser verstanden.
foto: confidence records

chase the dragon
„replacing space“
eigenvertrieb 2008 ep
chase the dragon

Hellsongs [Hymns In The Key Of 666]

2008-12-05T17:21:00.006+01:00

Sie sind die Pioniere des "Lounge Metal" und ihr Band-Name mindestens so aberwitzig wie irreführend: Hellsongs. Auf ihrem Debütalbum mit dem nicht minder abstrusen Titel "Hymns In The Key Of 666" tauschen die drei Schweden E-Gitarren und Schlagzeug gegen Piano, Akustikgitarre und Tambourine ein - und unterziehen Heavy-Metal-Klassikern einer erfrischenden Zell-Kur.

"wir finden, dass der begriff ’lounge metal’ unsere musikalische synthese am besten charakterisiert."
(hellsongs)

Neu ist die Idee des frivolen Grenzgangs nun wirklich nicht: Nouvelle Vague packten vor nicht allzu langer Zeit 80er-Jahre-Klassiker ins Lounge-Gewand, Helge Schneider wagte sich einst gewohnt jazzig an Jimi Hendrix’ Hey Joe heran und Mambo Kurt interpretierte bereits vor zehn Jahren AC/DC-Hits auf seiner Heimorgel. Doch das schwedische Trio Hellsongs setzt dem ganzen nun die Krone auf. Allein schon das quietschbunte Cover erinnert eher an selige Hippie-Zeiten als an düsteren Metal. Legt man dann die Scheibe in den Player, ist man zumindest als Ahnungsloser erst mal vollkommen irritiert: Statt heftigen Heavy Metal bekommt der Hörer feinsten "Lounge Metal", wie die drei Göteborger ihre Musik treffend bezeichnen, serviert. „Heavy Metal Klassiker interpretiert als entrückte Folk-Nummern“, könnte man das ganze auch nennen, wäre dann aber nicht ganz so schön griffig formuliert wie mit dem eigens dafür gewählten Begriff der Schweden.

Eigenwillige Interpretation von Heavy-Metal-Klassikern.

Getreu dem Motto "Weniger ist mehr" kommt Iron Maidens Run To The Hills dann auch standesgemäß als lyrischer Folk-Song auf der Wandergitarre daher. Black Sabbaths Paranoid als schmachtende Piano-Ballade mit Streichern, Metallicas Blackened als Hippie-Folk-Nummer, Slayers Seasons In The Abyss als Klavier- und Streicherstück, was nur noch von AC/DCs psychedelischem Thunderstruck übetroffen wird. Einzig Megadeths Symphony Of Destruction verliert im Boogie-Woogie-Gewand an Klasse und will nicht so ganz zum Rest der ansonsten sehr gelungenen Folk-Platte passen. Von dem einen Aussetzer mal abgesehen, sind die zehn Songs durchgehend homogen arrangiert und funktionieren auch als Nicht-Cover-Versionen sehr gut. Will heißen, wer die Originale nicht kennt, wird sie auch nicht zwingend vermissen. Jedes Stück auf der Platte kann für sich allein stehen und versprüht individuellen Charme. Umgekehrt dürfte obgleich der eigenwilligen Interpretationen der Stücke zunächst große Verwunderung bei jenen vorherrschen, die die Stück im Original kennen, was sich dann aber schnell in Wohlgefallen auflösen sollte.

Im Jahr 2004, so besagt es die Legende, spielen Sängerin Harriet Ohlsson (die im Gegensatz zu ihren beiden musikalischen Mitstreitern keine Metal-Vergangenheit nach sich zieht, aber ganz gerne zu Highway to Hell die Wohnung fegt), Keyboarder Johann Bringhed und Gitarrist Kalle Karlsson irgendwo in der tiefsten schwedischen Provinz ihr erstes Konzert. Im Gepäck haben sie ausschließlich Heavy-Metal-Klassiker von Iron Maiden, Black Sabbath, Saxon, AC/DC und Metallica. Und jetzt kommt der Clou: Sämtliche Stücke wurden auf ihre melodische Grundstruktur reduziert und mit akustischer Gitarre, sanften Keyboards und Harriets glockenklarem Gesang vorgetragen. Man kann sich die verdutzten Gesichter ihres damaligen Landeier-Publikums bildhaft vorstellen. Von ungläubigem Staunen bis hin zu enthusiastischer Begeisterung soll dann auch alles dabei gewesen sein. Dieses erste Konzert ermutigte das Trio, ihr eigenwilliges Konzept fortzusetzen: „Wir sind alle Heavy-Metal-Fans. Unsere Herangehensweise an diese Songs ist sehr liebe- und respektvoll. Wir haben zwar einen gewissermaßen spielerischen Ansatz, aber wir nehmen die Songs sehr ernst und sind todernst, bei dem was wir tun“, so Karlsson. Auf jeden Fall wolle man vermeiden, dass ihre Musik als eine Art Ironisierung von Heavy Metal aufgefasst werden könnte. Das Gegenteil sei der Fall. Vielmehr sehe man in dem Album eine Art Huldigung der großartigen Songs dieser Zeit. Hunderte von Konzerten haben sie seither gegeben. Das größte Highlight sei dabei ein Auftritt mit den Göteburger Philharmonikern in der Göteburger Stadthalle gewesen. „Das war unglaublich“, schwärmt Harriet Ohlsson immer noch. „Wir waren sehr überrascht, wie aufgeschlossen und freundlich die klassischen Musiker auf unsere Musik reagiert haben. Sie waren überhaupt nicht egoistisch, wie man es so oft in der Popwelt findet.“

„Hymns In The Key Of 666“ ist jetzt sicherlich kein musikalischer Meilenstein, der die Popwelt auf den Kopf stellen wird. Diesen Anspruch an sich selbst hat die Scheibe auch zu keinem Zeitpunkt. Vielmehr ist die Zusammenstellung das, was Easy Listening auszeichnet: Gemütliche Chill-Out-Musik für die Party nach der Party. Und das ist auch gut so.
foto:

hellsongs
"songs in the key of 666"
bodogmusic 2008 cd
hellsongs

Haldern Pop [Rees-Haldern, 07.-09.08.2008]

2008-11-30T10:05:00.000+01:00

Im Anblick des feuchtkalten Novemberwetters erscheint der Gedanke an die strahlende Sommersonne fast wie eine Kindheitserinnerung, von der man nicht mehr genau weiß, ob man sie wirklich gesehen, oder sich nur eingebildet hat. Dennoch wagen wir einen Rückblick.

"die ohnmacht der möglichkeiten"
(festival motto 2007)

Haldern ist ein kleines Dörfchen am Niederrhein, und wenn man möchte, kann man hier - zumindest eine zeitlang - alle äußeren Umstände und Geschehnisse ausblenden, hinter sich lassen und einfach mal das Heute genießen, ohne Sorgen und Hintergedanken. Besonders gilt dies für ein bestimmtes Wochenende im Jahr, und ganz speziell zum 25. Jubiläum des Haldern Pop Festivals vom 7. - 9. August 2008. Die Welt umher drehte sich normal weiter und bescherte Bevölkerungen schrille bunte Bilder von einer gefakten Olympiaeröffnungsfeier und von Flüchtlingen in Georgien. Nur etwa 5500 junge und in diesen Tagen sorglose Menschen klammerten jeglichen Weltschmerz aus und konzentrierten sich auf etwas, was zumindest einmal im Jahr wichtiger sein sollte als alles andere: Popmusik.

Und die war dieses Jahr ganz besonders erlesen und hörenswert. Erstmals lockte man die Besucher schon am Donnerstag- Abend vor die Hauptbühne um die Legenden der Flaming Lips das Jubiläum einläuten zu lassen. Und trotz eines etwas angeschlagenen Sängers mit wenig Stimme konnten die alten Herren durch ihre kunterbunte Konfetti-Show und den überdimensionalen grünen Plastikbällen alle Gemüter auf dem alten Reitplatz auf ein fröhliches und großartiges Festivalwochenende einstimmen. Wer vor dem Auftritt der Flaming Lips schon die Acts im Spiegelzelt erleben wollte, musste viel Geduld und warme Pullis mitnehmen, und sich in die lange Schlange vor Zelttüren und Securitypersonal einreihen. (Im Vorfeld wie auch nach dem Festival war die Zelt-Problematik im Haldern Pop-Forum ausführlicher als sonst besprochen und scharf kritisiert worden.) Tatsächlich hat jedes Jahr nur ein Bruchteil von zahlenden Besuchern auch wirklich die Chance sich die im Spiegelzelt auftretenden Bands anschauen zu können, es sei denn man entschließt sich dazu auf jeglichen Auftritt auf der Hauptbühne zu verzichten. Ein Zwiespalt, den die Besucher verständlicherweise als ungerecht verurteilen. Dem mangelnden Platz im Zelt zum Trotz bleibt dieses jedoch weiterhin Garant für atmosphärisches Höchstgefühl und sehr spezielle, intime Konzerterlebnisse, die wohl jeder, der ihnen schon mal beiwohnen durfte nicht mehr missen möchte. Dieses Jahr war das Angebot im Spiegelzelt zahlreich und vielfältig, die erst kurz vor dem Festival bestätigten Noah and the Whale fielen jedoch leider aus, nach dem etwas blassen Norman Palm gab es dann den ersten von vielen heißerwarteten Auftritt des Donnerstags im Zelt. The Fleet Foxes kamen und sangen, und das über Strecken vierstimmig, eine popmusikalische Meisterleistung, die man wohl fast als einmalig bezeichnen kann. Ebenso schön und zurückhaltend wie die bärtigen Herren aus Seattle waren Yeasayer, die ganz natürlich und angenehm fern von Stereotypen Indie-Jungspunden auftraten, ein psychodelisch- gemütliches Set spielten und die Zuhörer in die richtige Stimmung für die Hautbühne versetzte. Denn vor den Flaming Lips kamen da ja noch die Foals, eine in den letzten Monaten kräftig durch die Hype-Maschine gedrehte Band bestehend aus Oxford-Stundenten. Allesamt jung, heißblütig und unerbittlich auf Erfolgskurs. Ihrem Namen machte die Band in einem kurzweiligen und sehr launigen Konzert dann auch alle Ehre, da wurde wild umhergesprungen, getanzt und getrommelt, und nebenbei auch noch hervorragend musiziert - einmal mehr machen Gitarren, Schlagzeug und Bass gepaart mit minimalistischem Elektro einfach Spaß. Bleibt zu hoffen, dass den Foals ihre offen zur Schau getragene Arroganz nicht allzu weit über den Kopf wächst, und sie wenigstens mit einem Fuss auf dem Teppich bleiben. Nach den Flaming Lips wurde es ruhig auf Reit-und Campingplatz, dem Verbot Stromgeneratoren selber mitzubringen sei Dank.

Als Höhepunkte auf der Hauptbühne sind für den Freitag ohne jegliche Zweifel die Editors zu nennen, nebst dem am Nachmittag aufspielenden Jack Penate. Auch auf der Haldern-Bühne stellten die Editors ihre enormen Livequalitäten unter Beweis, wieder war ein Auftritt von ihnen besser als jegliche noch so fein ausgesteuerte Album-Version. Düster und vorwärtstreibend die Songs, stimmgewaltig und charismatisch ihr Sänger und Charakterkopf Tom Smith, der weder wildes Gezappel noch gewitzte Plapperei zwischen den Songs nötig hatte um sein Publikum in Spannung zu versetzten.

Dem 22-jährige Jack Penate aus London merkte man am sonnigen Freitagnachmittag seine spanische Herkunft an, bei miserabelsten Soundbedingungen auf der Hauptbühne rockte er seinen Stiefel locker und überheblich runter, seine Musik ist poppig, witzig und eingängig - ein wunderbar sommerlicher Auftritt vor der in allen Belangen peinlichen Joan As A Police Women. Furchtbar artifiziell gebarte sich die ehemalige Profiviolinistin Joan Water mit Glitzerkleid und Minispli-Perücke, dafür aber ohne Stimme und jegliche Ausstrahlung versuchte sie das Publikum mit teilweise haarsträubend absurden Phrasen heiter zu faseln - zum Glück blieb sie mit ihrem Auftritt der einzige Fehltritt des Festivals.

Vor den Editors hatte schon die heißerwartete Kate Nash gespielt und vielerorts enttäuschte Gesichter hinterlassen - wirkte sie doch auf der großen weiten Bühne etwas klein und blass, und so schön und anrührend ihre Songs und ihre Persönlichkeit sind, augenscheinlich ist sie nicht der Typ für größtes Entertainment und passt - so wie letztes Jahr glasklar bewiesen - eben besser auf eine beschaulichere Spiegelzelt-Bühne.

Ein unfassbar stimmiges und denkwürdiges Konzert lieferte die Schwedin Lykke Li bei geschätzten 30 Grad im Spiegelzelt ab, herrlich natürlich und soulig singt die erst 21-Jährige, und tanzt und benimmt sich so selbstverständlich auf der Bühne, als sei sie schon zehn Jahre im Geschäft. An Lykke Li ischeint alles echt, die persönlichen, unheimlich groovenden Songs, ihr Stil sich zu bewegen, ihr Gesang. Genau das Richtige für Freitags Nacht im Spiegelzelt.

Auch am Samstag gaben sich musikalische Höhepunkte die Klinke in die Hand. Nach den noch etwas unsicheren, aber vielversprechenden Dodos, die das Schlagzeug zu einem eigenständigen und vollwertigem Instrument erheben und nebenbei auch noch eine Posaune im Gepäck haben, erklimmte am Nachmittag Jamie Lidell mitsamt einer erstklassigen Kombo die Bühne und kombinierte gewitzt und äußerst sexy Soul, Jazz und derben Elektro. Den Abschluss auf der Hauptbühne bestritten erst The National, die mit einem verstört wirkenden Sänger finsteren, ernsten, vor allem aber gut gemachten Rock mit New Wave-Einflüssen boten und dann, zu guter Letzt Kassenschlager Maximo Park, die ganz wie erwartet ein quirliges, gut gelauntes und aufgeheiztes Set ablieferten, dass aber, trotz bestens aufgelegtem Sänger Paul Smith nicht den Auftritt der Editors vom Abend vorher toppen konnte. Abgerundet wurde der letzte Abend dieses denkwürdigen Jubiläums im schönsten Sinne des Wortes von den sehr intimen, fast anrührenden Auftritten von Songwriter Scott Matthew und Multiinstrumentalist Olafur Arnalds. Und das Wetter? Das war zum ersten Mal seid Jahren in diesem Sommer nicht interessant, dank der Organisationsleistung der Haldern-Helferlein und natürlich den vielen kleinen und großen Musikern dieses feinen bunten Festes am Niederrhein.
foto:

haldern pop

John Dahl [You Kill Me]

2008-11-25T10:34:00.000+01:00

John Dahls selbstironisches und lakonisches Gangster-Lustspiel unterzieht das Genre einer gründlichen Runderneuerung: "You Kill Me" bewegt sich nicht zufällig irgendwo zwischen romantischer Liebeskomödie und groteskem Gangster-Thriller. Dass das funktioniert, liegt nicht zuletzt an einem hinreißend agierenden Ben Kingsley, der sich als zynischer und verletzbarer Einzelgänger von einer ganz anderen Seite zeigt.

"ich weiß nicht wie man 'alkoholiker' definiert, aber nach allem, was ich hier so höre,
denke ich, dass ich ein ziemlich guter bin. aber ein noch besserer killer."
(frank falenczyk)

Frank Falenczyk (Ben Kingsley) ist ein knallharter Gangster und Auftragskiller. Zynisch und gelassen betrachtet er das Töten als eine Art des Geldverdienens. Seine Auftraggeber sind gleichzeitig seine Angehörigen, eine polnische Gangster- und Familienbande, die den für Buffalo so wichtigen Handel mit Schneepflügen (!!) kontrolliert. Ihre Geduld stellt Frank mit seinem exzessiven Alkoholkonsum auf eine harte Zerreißprobe, vor allem, als er den wohl wichtigsten Auftragsmord in der Familiengeschichte in einer alkoholvernebelten Nacht verschläft. O’Leary, der Anführer einer rivalisierenden irischen Familie, erhebt Ansprüche auf Onkel Romans Revier – den Schneepflug-Markt in Buffalo. Ihn sollte Frank erledigen und sein Versagen hat verheerende Auswirkungen, denn nicht nur die Finanzen, sondern auch Leib und Leben der Familie schweben ab sofort in größter Gefahr. Nachdem sein Onkel ein Machtwort gesprochen hat, wird Frank kurzerhand nach San Francisco verfrachtet, wo der ebenso verschlagene wie bedrohlich wirkende Immobilienhai Dave (Bill Pullmann) ihm Wohnung, Job und eine 12-Punkte-Therapie bei den Anonymen Alkoholikern verschafft. Als frisch gebackener Leichenkosmetiker in einem Bestattungsunternehmen darf er sich fortan nicht mehr mit dem Töten, sondern nur noch mit Toten beschäftigen. Inmitten einer kuriosen Schar von Freunden, Feinden, Aufpassern, lebensbejahenden Alkoholikern und untröstlichen Angehörigen wird Franks Leben völlig auf den Kopf gestellt. Erst recht, nachdem er der taffen Laurel (herrlich schräg: Téa Leoni) begegnet ist.

„Schwarze Komödien akzeptieren, dass das Leben schwierig und manchmal schmerzhaft ist.“
(John Dahl)

Nennen wir’s ruhig beim Namen: Regisseur John Dahl ist ein cineastischer Weirdo, aber ein Spinner im positiven Sinne, den man reinen Gewissens als geistigen Bruder der Coen-Brüder bezeichnen darf (ja, vielleicht sogar muss) und der irgendwann sein eigenes Genre mitbegründet hat: „Ich mag Kriminalgeschichten, aber ich finde sie sehr viel besser, wenn man dabei auch lachen kann“, behauptet er von sich selbst. Wie schon in seinen früheren Werken "The Last Seduction" (1994) und "Red Rock West" (1992) kommt auch in "You Kill Me" diese ganz eigene Mischung aus Komödie und Drama zum Tragen. Das von Dahl entwickelte Genre kombiniert dabei geschickt die Screwball-Qualitäten einer romantischen Komödie mit den Elementen der finsteren Gangsterwelt. Die klassische Hollywood-Komödie wird also bereichert um einen kräftigen Zug zynischer Doppelbödigkeit, einhergehend mit skurriler Tragik. So entsteht der Humor in "You Kill Me" in erster Linie durch die absurde Selbstverständlichkeit, mit der Frank seine Existenz als Killer definiert und mit der er ernsthaft zu vermitteln versucht, dass dies mitunter der normalste Job auf Erden sei - vergleichbar mit dem Handwerk einer gewöhnlichen Bäckereifachverkäuferin. Natürlich ist das kompletter Blödsinn, aber eben nicht in Franks Welt. Überhaupt sollte sich die Besetzung der Hauptrolle „Frank“ durch Ben Kingsley für Dahl als absoluter Glücksgriff erweisen. Wie kein Zweiter beherrscht der charismatische Kahlkopf das Spiel ohne Worte: Allein durch Gestik und Mimik generiert er bei seinem ersten Aufeinandertreffen mit den Anonymen Alkoholikern eine derartige Situationskomik, dass der Zuseher im ersten Moment nicht weiß, ob er lieber - obgleich der aufkommenden Absurdität - schreien, oder sich lauthals lachend auf dem Boden wälzen soll.

Der 1943 als Krishna Bhanji geborene Ben Kingsley wollte zunächst, wie sein Vater, Arzt werden. Nach dem Besuch der Royal Shakespeare Company ändert er jedoch seine Ziele. 1966 feierte er in London sein Theaterdebüt und wurde 1967 Mitglied der Company, für die er unter anderem in die Rolle des Hamlet schlüpfte. Nebenbei trat er in kleineren Rollen im Fernsehen auf. Sein internationaler Durchbruch gelang ihm allerdings erst in seiner Oscar-prämierten Rolle als Gandhi in Richard Attenboroughs gleichnamigen Film von 1982. Bis heute stellt Kingsley seine enorme Wandlungsfähigkeit unter Beweis und seine Begabung, sich nicht auf eine darstellerische Richtung festlegen zu lassen. So schlüpft er immer wieder in die Rolle historischer Persönlichkeiten mit großer Bandbreite, etwa in "Schindlers Liste" (1993), "Moses" (1995) oder in "Haus Und Sand Und Nebel" (2003). Aber auch die Grenzen zwischen Gut und Böse überschreitet Kingsley immer wieder gerne, wenn er heldenhafte Rollen wie die des Watson in "Genie Und Schnauze" (1988) oder den bösartigen Charakter des Don Logan in "Sexy Beast"(2000) übernimmt.

"You Kill Me" ist zweifelsohne mehr als eine schwarze Killerkomödie. An und für sich könnte der Streifen sogar als echter Coen-Film durchgehen, mit dem kleinen Unterschied, dass er eben nicht von den Coen-Brüdern inszeniert worden ist. Trotzdem reiht er sich mühelos zwischen "The Big Lebowski", "Fargo" und "Burn After Reading" ein. Und dass dürfte wohl so mit das größte und schönste Kompliment sein, welches man John Dahl und diesem kleinen Independent-Meisterwerk machen kann.
foto:

john dahl
"you kill me"
2007
kochmedia

Superleutnant [Schöner Als Die Weisheit]

2008-11-18T17:30:00.000+01:00

Man nehme eine lo-fi’sche Brise Hamburger Schule, stelle eine mitteljunge Frau ans Mikrophon, gebe ein paar melodische Johnny Marr-Gitarren dazu, garniere das ganze subtil mit einem leichten Hauch Naivität und fertig ist er, der Superleutnant, der musikalisch irgendwo zwischen Wir sind Helden und Juli beheimatet ist.

"ich hab die welt gewollt und nicht bekommen und das hier ist der trauermarsch."
(ich schenke dir ein bild)

Mit Verlaub, aber Superleutnants Sängerin Sigrid Herrenbrück klingt in ihren stärkeren Momenten wie die taffe Schwester von Judith Holofernes. Und dass soll jetzt bitteschön als Kompliment aufgefasst werden. Superleutnant, die aufgrund der ähnlichen Namensgebung bitte nicht mit Superpunk aus Hamburg verwechselt werden sollen, bestehen neben Sängerin und Bassistin Sigrid aus den beiden Gitarristen Jan Peter John und Olaf Langner, sowie Schlagzeuger Daniel Kluge. Zuhause ist das Quartett im stylischen Berlin-Friedrichshain, wo man seit vier Jahren gemeinsam musiziert. Noch mehr Sympathiepunkte gefällig? Aber gerne doch: Die noch relativ unbeschriebene Band teilt sich ein und denselben Übungsraum mit den befreundeten Kollegen von Britta, Team Blender, und Patrouille. Selbst Wahl-Berliner Dirk von Lowtzow soll schon in den Räumlichkeiten gesichtet worden sein. Fleißig war man zudem. Seit ihrem 2005er Debütalbum, mit dem programmatischen Titel "Gib Her", war die Band unermüdlich auf Tour (unter anderem auch als Support von Nena, Toni Kater oder Spitting Of Tall Buildings) und belieferte darüber hinaus sämtliche Radiostationen eifrig mit Single-Auskopplungen.

Let there be Pop.

Auf ihrem nun erscheinenden zweiten Langspieler "Schöner Als Die Weisheit“, zelebrieren Superleutnant extrem tanzbaren wie melodischen Indie-Pop/-Rock. „Pop, mit einem Hang zu Kitsch und Krach“ steht es pathetisch im Beipackzettel der Plattenfirma geschrieben, und der Rezensent befürchtet zunächst Schlimmeres. Der Ritt zwischen Kitsch und Kunst kann mitunter ein schwieriger Balanceakt sein, der nicht jedem gelingen will, hört man die süffisante Stimme aus dem Off sagen. Zum Glück aber bleiben derlei Sorgen bei Superleutnant unbegründet. Denn Sängerin Sigrid klingt auf den elf anmutend schönen Indie-Pop-Perlen frisch (Ich Schenke Dir Ein Bild), verliebt (Liebeslied), abgeklärt (Heidi) und mitunter auch ironisch-schmerzfrei (Der Commander). Dazu peitschen Bass und Schlagzeug dem Hörer den Beat geradewegs in die Beine, dass man sich als Hörer wünscht, es wäre endlich Freitag-Abend und Indie-Disco-Zeit. Dazwischen surfen elegant-verspielte Gitarrenspuren, die einen unweigerlich an die gute alte Johnny Marr-Gitarrenschule denken lassen. Einzig textliche Plattheiten wie „Es ist eine Präzision, sie trifft auf meine Emotion“ trüben den ansonst guten Gesamteindruck des Albums. Überhaupt stiften die Superleutnanten trotzig Verwirrung. Uneitel wird auf Biegen und Brechen stets auf den nächstbesten Reim zurückgegriffen, der sich der Band in den Weg stellt. Da wird 25 Jahre nach der Neuen Deutschen Welle ungeniert „Herz“ auf „Erz“ gereimt oder eben „egal“ auf „global“. Aber schwamm drüber. Sängerin Sigrid kommen selbst derlei Zeilen so herzhaft und charmant über die Lippen, dass man darüber gerne hinwegsieht.

Der große Durchbruch wurde der Band bereits 2005 bei Erscheinen ihres Debütalbums prophezeit, hat sich aber bis dato nicht eingestellt. Bleibt nur zu wünschen, dass Superleutnant dank "Schöner Als Die Weisheit“ schon bald in derselben Liga spielen werden, in der es sich in jüngster Vergangenheit andere „drei Jungs/ein Mädel am Mikro“-Bands bequem gemacht haben. Verdient hätten sie es allemal.
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superleutnant
"schöner als die weisheit"
solaris empire 2008 cd
superleutnant

Essay [Der amerikanische Monomythos]

2008-11-12T18:26:00.006+01:00

Eastern meets Western meets Eastern.
Die wechselseitigen Einflüsse östlicher und westlicher Kultur in zwei sehr unterschiedlichen Erzählungen mit doch recht ähnlichem Muster.

"what's the use of worrying about your beard when your head's about to be taken?"
(gisaku, der dorfälteste; die sieben samurai)

Die Totale richtet unseren Blick auf ein kleines Bauerndorf im Japan des 16. Jahrhunderts. Mit schnellen Schnitten nähern wir uns den auf dem Dorfplatz kauernden Bewohnern. Männer, Frauen und Kinder hocken auf der Erde, die Gesichter zum Boden gewendet oder mit verzweifelt ernster Miene ins Leere starrend. Es ist letztlich eine Frau die aufsteht und als erste das Schweigen bricht. „Ein Unglück nach dem anderen bricht über uns herein. Der Krieg, die Dürre, dazu die Steuern. Und wenn das Korn reif ist, kommen wieder die Banditen.“ Es ist die expositorische Wehklage, welche das Setting des Films zusammenfasst und den Verlauf der Handlung bestimmen wird. Die Eröffnungssequenz von Akira Kurosawas Meisterwerk, „die Sieben Samurai“, führt knapp in die Problematik des Sengoku Zeitalters ein, welches durch eine klare Ständeordnung und instabile Machtverhältnisse geprägt war.

Um sich der aussichtslos beklemmenden Lage zu erwehren, beschließt man auf Anraten des Dorfältesten Samurai zu engagieren, welche das Dorf vor der Bedrohung schützen sollen. „Ihr müsst sehen, dass ihr Samurai findet, die Hunger haben“, lautet der Rat des Dorfältesten, denn die stolzen Krieger werden sich der untersten Gesellschaftsschicht nur dann annehmen, wenn sie selbst vor unlösbaren Problemen stehen. „Not besiegt den Stolz.“ So sind es Ronin, herrenlose Samurai, welche die Dorfbewohner für sich gewinnen können, allen voran den mutigen Kambei, der in ärmlichen Verhältnissen das Land bereist und sich darum bemüht, sechs weitere tapfere Krieger für die Befreiung des Dorfes zu gewinnen.

Kurosawa lässt sich gerade in diesem Teil seiner Arbeit die nötige Zeit, um dem Ensemble der Samurai Tiefe zu verleihen, die einzelnen Charaktere dem Zuschauer nahe zubringen. Den erfahrenen Gorōbei, der nicht auf die zur Probe gestellten Falle von Kambei hereinfällt, den strengen und meisterlichen Schwertkämpfer Kyūzō oder den jungen Heihachi, der sich mit einfach Arbeiten den Lebensunterhalt verdient. Es sind diese Einblicke in die zuvor überlebensgroß inszenierten Samurai, welche die Charaktere auf menschliche Art und Weise reifen lässt. Scheitern, Niederlage und Existenzangst halten Einzug in das in der japanischen Tradition schier übermenschliche Bild der Samurai. So etwa wenn Kambei seinen alten, längst tot geglaubten Freund Shichirōji wieder sieht und dieser ihm erklärt, dass er sich in einem Graben bei den Wasserpflanzen versteckte, um einen Angriff zu überleben.

Das zweite Drittel des Films beschäftigt sich mit dem Zusammenspiel von Samurai und Bauern im Dorf, mit den auftretenden Standesunterschieden und -vorurteilen sowie den sich daraus entwickelnden Konflikten innerhalb der Zweckgemeinschaft. Gerade der siebte Samurai, Kikuchiyo, der die Möglichkeit einer Verknüpfung darstellt, stammt er doch selbst aus einer Bauernfamilie, wird zur zentralen Figur der weiteren Erzählung, die letztlich im dramatischen Kampf mit den einfallenden Räubern mündet, welchen Kurosawa mit technischer sowie erzählerischer Raffinesse brillant zu inszenieren weiß.

Bemerkenswert ist, dass Kurosawas Samurai Epos einer als typisch amerikanisch geltenden Erzählstruktur vorgreift. Obwohl er selbst immer den westlichen Einfluss auf seine Arbeiten herausstellte, verfolgt "die Sieben Samurai" einer erst 23 Jahre später von Robert Jewett und John Shelton Lawrence erfassten Struktur: Im Gegensatz zum bekannten campbellschen Monomythos, der Heldenreise ins Ungewisse als Paradigma der vor allem filmischen Erzählung - von Tolkiens "Herr der Ringe" über Hitchcocks "Vertigo" bis zu Lucas "Star Wars" -, beobachteten Jewett und Lawrence Veränderungen von Form, Struktur und Perspektive dieser Theorie. Die grob in drei Akte gliederbare Heldenreise – Aufbruch aus der gewöhnlichen Welt, Reise in die andere Welt, Rückkehr in die gewöhnliche Welt – wird in der amerikanischen Variante so modifiziert, dass der Ausgangspunkt eine paradiesische, oder sich zumindest in gewisser Harmonie befindlichen Gemeinschaft darstellt, die von einem externen Bösen bedroht wird. Die regulären internen Institutionen sind nicht in der Lage dieses Böse abzuwenden, woraufhin der selbstlose Held in Erscheinung tritt – in der Regel ungern - und sich dem Bösen stellt. Nachdem dieses besiegt, der paradiesische Urzustand wieder installiert wurde, verschwindet der Held in der Dunkelheit. Oder reitet in den Sonnenuntergang.

Als Paradebeispiel dieses Mythos lesen sich auch die 1984 von Kevin Eastman und Peter Laird als Underground Comic erschaffenen „Teenage Mutant Ninja Turtles“. Was zunächst als parodistische Betrachtung des aufkeimenden Ninja- und Samurai-Hypes im Allgemeinen (Vgl. etwa die unzähligen stereotypen B-Movie Filme der 1980er Jahre, wie „American Ninja“ mit Michael Dudikoff) und Frank Millers experimentellen Martial Arts-affinen Comic Reihen „Ronin“ und „Daredevil“ im Besonderen, konzipiert wurde, entwickelte sich schnell zu einem der langlebigsten schwarzweiß Comics der Geschichte. Hier geht es selbstverständlich um die weitaus rauere, kantigere Ursprungsreihe, lange vor Frank Zander, Bananenpizza und Cowabunga. Die gesellschaftlich geächtete Symbolik der antropomorphen Reptilien die in Abwasserkanälen leben und von einer Ratte aufgezogen werden – in Form der ebenfalls anthropomorphen Vaterfigur Splinter – potenzieren sich hier gegenseitig und machen die Antihelden-Haltung der ursprünglichen Idee über deutlich.

Die erste, als One-Shot konzipierte Folge der TMNT Reihe steht noch in der Tradition klassischer Racheerzählungen – von Shakespears „Titus Andronicus“ bis Tarantinos „Kill Bill“ –, in welcher in recht hölzerner Inszenierung der Entstehungsmythos der Charaktere entfaltet wird. Die Ratte Splinter, früher Haustier des Sensai Hamato Yoshi, sieht mit an, wie dieser einen zornigen Widersacher, der sich gewaltsam an Yoshis Geliebter vergeht, erschlägt. Yoshi emigriert nach dem Verlust seiner Ehre – der Erschlagene gehörte zum gleichen Geheimbund wie er selbst - in die USA, wird dort jedoch nach Jahren vom kleinen Bruder des Ermordeten – dem späteren Shredder - aufgespürt und gleichfalls erschlagen. Die Ratte flieht und trifft im Jenseitigen der New Yorker Kanalisation zufällig auf vier Babyschildkröten. Allesamt kommen in Kontakt mit einer radioaktiven Substanz, woraufhin sie sowohl körperlich als auch geistig mutieren. Splinter, der seit jenen Tagen seinem Herrn Rache schwört, unterrichtet die vier Schildkröten unter anderem in Ninjutsu, der Kampfkunst der Ninja. Das hölzerne Korsett spielt hier selbstverständlich mit zahlreichen urbanen Mythen.

Dass sowohl Splinter als auch Shredder auf der Ebene einer endlosen Rachespirale zunächst einen ähnlich unlegitimierten Stand haben, spiegelt sich auch in ihren Namen, die aus dem gleichen Wortfeld stammen. Bereits in dieser ersten Ausgabe der Reihe kommt es zur finalen Konfrontation und Shredder unterliegt den vier Brüdern, die ihm am Ende jedoch die Möglichkeit bieten, durch den rituellen Selbstmord die eigene Eher wieder herzustellen. Erst hier, auf der Ebene eines moralischen Ehrenkodex disqualifiziert sich der Shredder durch seine Abtrünnigkeit und Selbstgefälligkeit endgültig als Bösewicht, da er das Angebot ablehnt und als Slebstmordattentäter versucht die vier Schildkröten mit in den Tod zu reißen. Erst jetzt wird der Shredder zum düsteren Gegenstück des ehrenwerten Meister Splinter; Nur in der Relation zueinander werden die dualistischen Postionen von Gut und Böse deutlich.

Sowohl der dreckige Moloch New York - die Heimat der Turtles - als auch das feudale Bauerndorf in Kurosawas Erzählung, dienen der Darstellung des harmonischen Ausgangspunkts im amerikanischen Monomythos. In beiden Fällen können die für Recht und Ordnung sorgenden Mittel der Gemeinschaft - die kampfunerprobten Bauern bzw. die New Yorker Polizei - der übermächtigen äußerlichen Bedrohung – der vierzigköpfigen Räuberbande bzw. dem Verbrecher- und Assasinensyndikat unter der Leitung des Shredder – nichts entgegensetzen. Erst das Erscheinen einer externen Größe kann der Gemeinschaft helfen: Sowohl die Samurai als auch die Ninjas treten als selbstlose Helden wider Willen auf. Erstere sind aufgrund ihrer sozialen Stellung darauf angewiesen ihre Dienste anzubieten; Helden werden sie in dem Moment, in welchem sie den Dorfbewohnern ihre aufopferungsreiche Hilfe gegen dürftige Kost und Logis anbieten. Letztlich setzen sich alle Samurai aufgrund eines höheren Guts, einer idealen Vorstellung von Gerechtigkeit und Ehre für das Dorf ein. Gleiches gilt für die Ninja Schildkröten, die stets ohne Bezahlung gegen das Verbrechen kämpfen, würden sie doch eigentlich lieber in Ruhe Pizza essen. Der Mythos wird so auch zum Spiegel einer sich selbst als hilflos und bedroht empfindenden Gesellschaft, die stets in der Hoffnung lebt, durch eine übermächtige Macht Rettung zu erfahren. Die Wiederherstellung des Urzustandes bedeutet jedoch stets den Abgang der jetzt überflüssigen Helden. Der reflektierte Kommentar Kambeis im Anblick sowohl der fröhlich singenden, ihre Reisfelder bestellenden Bauern, als auch der Gräber der gefallenen Gefährten - „Wir haben gesiegt. Und trotzdem haben wir verloren. Gewonnen haben nur die Bauern dort, niemals die Samurai“ -, lässt sich problemlos als paradigmatisch für den amerikanischen Mythos lesen. Auch wenn der Erfolg am Ende stets vom Zusammenspiel individueller und gemeinschaftlicher sozialer Handlungen abhängt – die Samurai können nur mit Hilfe der Dorfbewohner für deren Sicherheit sorgen, während die „Heroes in a half-shell“ zunächst einzeln im Kampf gegen den Shredder unterliegen, um diesen später als brüderliche Gemeinschaft zu bezwingen – haben die ausgedienten Helden am Ende keinen Platz in der harmonischen Gemeinschaft. Es ist ihre Bestimmung zu verschwinden, ein Schattendasein zu führen. „We are the Teenage Mutant Ninja Turtles. We strike hard and fade away into the night.“
foto:

akira kurosawa
"die sieben samurai"
(shichinin no samurai)
1954

kevin eastman / peter laird
"teenage mutant ninja turtles"
mirage studios 1984 - 1993

Sonntag Nachmittag [November 2008]

2008-11-10T13:11:00.001+01:00

fotos: manuel kaufmann

Philosophy Slam! [Kassel, 17.10.2008]

2008-11-03T10:09:00.005+01:00

Ein Philosophy Slam ist wie das platonische Symposion. Man trifft sich in großer Runde, isst und trinkt und unterhält sich. Dann treten reihum Redner auf und versuchen eine Frage zu beantworten und am Ende gewinnt Sokrates. Was nun, wenn Sokrates nicht da ist und die Frage zunächst gar nicht bekannt?

"es wird ein spiel gespielt, d.h. es gibt regeln, und wer sich in ihren grenzen bewegt,
und nicht nur das: wer sie am besten ausreizt, der gewinnt."
(raul peszke)

Die nordhessische Provinz initiierte dieser Tage tatsächlich etwas, was zumindest auf bundesdeutschem Grund ein Novum darstellt. Weder die üblichen Verdächtigen in all solchen Fällen wie Berlin, Hamburg oder Köln, noch die wichtigen Universitätsstädte wie Heidelberg, Tübingen oder Marburg hatten bislang zu einem Philosophy Slam aufgerufen, einem Derivat der mittlerweile populären Poetry Slams, die sich in den 1980er Jahren in den USA entwickelten.

Binnen knapp bemessenen 45 Minuten wurde die kreative Fähigkeit der Teilnehmer gefordert, denn nur solange hatten sie Zeit sich Gedanken zu machen und letztlich auch einen rezitierbaren Text zur vorgeschriebenen Fragestellung zu verfassen. Nach einer kurzen Einführung in das Reglement durch den MC, den Moderator des abends in Form des Hochschuldozenten und Organisator Dr. Dirk Stederoth, schrieb dieser die zu beantwortende Frage an die Tafel des Seminarraumes in der Kasseler Universität: „Braucht der Mensch Konkurrenz?“. Elf ambitionierte Schreiber, darunter maßgeblich Studenten, jedoch auch drei Buchautoren, erhoben sich und gingen in einen Nebenraum, in dem sie über der Frage und deren Beantwortung brühten konnten. Denn im Unterschied zum Poetry Slam brillieren die philosophischen Slammer - und zumindest ist dies ein Novum, mit dem sich Kassel auch vom selbsterannten Philosophy Slam Paten Augsburg abgrenzt - nicht mit vorgefertigten Texten zu einem selbstgewählten Thema, sondern müssen alle gleichzeitig einen Text zu eben jener, erst am Abend bekannt gegebenen Fragestellung und in besagtem Zeitraum verfassen. Währenddessen übernahmen Stederoth und sein Kollege, der Philosophie Professor Dr. Walter Pfannkuche, das Wort und verstrickten die bereits zahlreich erschienenen Zuschauer in eine lebhafte Diskussion, in welcher beide für sich eine gespielt stereotype Stellungnahme zur Frage einnahmen. Eine Flasche Bier, ein paar Chips und junge, unabhängige Musik mit Creative Commons Lizenz taten ihr übriges zu einem gelungenen Einklang. Der leider recht steril wirkende Raum füllte sich mit rund 70 Gästen, als die elf Slammer schließlich gegen halb acht zurückkehrten. Interessierte Blicke huschten durch die Reihen und man fragte den ein oder anderen Bekannten unter den Kontrahenten schon mal vorab nach den gemachten Erfahrungen.

Eine vierköpfige Jury, eher wohl ein Schiedsgericht, dessen Aufgabe es war die Texte während des Vortrags mitzulesen, damit niemand rasch eine später ersonnene Idee improvisieren und sich somit einen Vorteil verschaffen konnte, wachte über den regelgerechten Ablauf, als um 20 Uhr der eigentliche Höhepunkt begann, die Teilnehmer in alphabetischer Reihenfolge zum Rednerpult traten und dem interessierten Publikum ihre Werke darboten. So verschieden die Autoren – in Alter und Zunft -, so verschieden waren auch die Texte. So lauschte man den bereits erahnten marxistsichen Ansätzen über die Schlechtigkeit der kapitalistischen Gesellschaft genauso wie esoterisch verklärten Energieverlagerungstheorien. Vielleicht lag es am sich maßgeblich aus dem Studentenkreis rekrutierten Publikum, denn den größten Beifall erhielten immer wieder die kreativen Ideen gekannter oder unbekannter Kommilitonen. Einen ersten begeisterten Beifall konnte tatsächlich der Herausgeber dieses Magazins hier verbuchen, der in seiner amüsant ironischen Darbietung Wittgenstein zitierte und Sven Regener immitierte. Zwischen Pro und Kontra wägte er einen verheißungsvollen Mittelweg ab. „Aber irgendwie klang das auch wieder flach, dachte er. Unattraktiv. Unsexy. Irgendwie bedeutungsschwanger, aber dann doch wieder nur nach neuer Mitte, dachte er. Irgendwie zwar wie die Oblate, die man sich auf der Zunge der Erkenntnisbegier zergehen ließ, nur um dann doch zu bemerken, 'Ah, Esspapier!'“ Eine der beiden weiblichen Teilnehmerinnen hingegen entwickelte das Bild eines trägen Fernsehkonsumenten der sich kaum zu irgendetwas aufraffen konnte, um schließlich in dem Bild mehrer Billardkugeln zu münden, welche den richtigen Antrieb benötigen, um sich aus der stagnierenden Bewegungslosigkeit zu befreien. Ein weiterer Redner versuchte das Prinzip der Konkurrenz als Sprachspiel zu entlarven, um durch geschicktes hinterfragen der Regeln des Wettbewerbes diesem zu entgehen. Der letzte Beitrag hingegen griff in liebenswürdiger Art die Problematik der konkurrierenden Slammer dieses Abends selbst auf, und verstrickte sich gedanklich zwischen Begriffsdefinitionen und logischen Ableitungen soweit, dass das über Sieg und Niederlage entscheidende Publikum in gewisser Weise ja selbst irgendwie zur Konkurrenz für jeden einzelnen wurde.

Gerade die kurzweiligen, charmanten Texte konnten sich mit ihrem intelligenten, teils subtilen Humor der Gunst des Publikums gewiss sein und verwiesen manch zu verkopften und für die Kürze der einzelnen Darbietungen unangemessen theoretischen Text auf die Plätze. Das Ergebnis mit der Siegerehrung überraschte somit höchstens noch in der Reihenfolge und wurde mit lautem Applaus begleitet. Auch wenn nicht alle damit einverstanden waren; so kritisierte einer der nicht siegreichen Teilnehmer seine Konkurrenz auf dem gedachten Treppchen damit, dass er sich an den Siegerbeitrag schon jetzt nicht mehr erinnern könne – was als Kriterium für eine schwache Leistung anzusehen sei – und der zweite Platz an jenen gegangen sei, der sich eben nur lustig dem Publikum angebiedert habe. Vielleicht der falsche Ansatz für einen sehr gelungenen und nach Fortsetzung schreienden Abend!
foto: flickr user todderick42

kasseler philosophy slam
plakat
interview bei spiegel-online

Honig [Treehouse]

2008-10-31T10:00:00.001+01:00

"Die Sonne geht auf über dem Baumhaus und begrüßt den neuen Tag mit goldenen, warmen Strahlen und süßem Duft. Willkommen in der Welt von Honig!" So steht es auf der Rückseite der Platte und dieses Wort zum Geleit darf man getrost unterschreiben.

"and tonight i will take a ride on my brand new bike."
(brand new bike)

Es gibt diesen Augenblick im Leben, wenn man das Kindsein verliert. Das hat nicht zwangsläufig etwas mit Unschuld zu tun. Oder dramatischen Einschnitten. Es ist der Augenblick, wenn man die Gabe verliert mit seinen Spielsachen zu spielen. Wenn man in dem Baumhaus nicht mehr die Festung sehen kann, die es doch eigentlich bis gestern noch war. Wenn die Actionfigur nur noch das Plastik ist aus der sie besteht und man sie mit einer Berührung nicht mehr zum Leben erwecken kann. Wenn das eigene Bett nicht mehr in der Lage dazu ist, nachts zu anderen Planeten zu reisen und ein paar Stühle und eine Decke darüber nicht mehr die heimelige Höhle darstellen. Dass dies tatsächlich ein Verlust ist, bemerkt man meist nicht während man diesen Moment durchlebt, denn an seiner statt stellt sich das neue Interesse und die damit verbundenen Probleme der Pubertät und ähnlicher Gemeinheiten. Erst viel später bemerkt man, dass das erklingen einer geliebten Fersehmelodie jener Tage ein sentimental melancholisches Gefühlt heraufbeschwören kann. Wer das als infantil abschreibt, hat die Bedeutung nicht verstanden.

Stefan Honig und Jan Sedgwick, die eigentlich für Gesang und Klavier bei der Kölner Band Benevolent sorgen - bzw. sorgten, Jan ist dort gerade ausgestiegen -, greifen gemeinsam als Honig eben dieses Gefühl konzeptionell auf. Das Debüt mit dem bezeichnenden Titel "Treehouse" bietet eine Fülle an kindlichen Verweisen, Thematiken und Träumen. Wenn von Rittern und Cowboys die Rede ist, von Raumschiffen und Flugzeugen, von der Biene, die sich plötzlich gefährlich nahe an einen schmiegt, oder einfach nur von dem Bedürfnis in den Arm genommen zu werden, bevor man ins Bett geht. Die mit Wasserfarben nicht ganz sauber ausgemalten Zeichnungen im Booklet belegen diesen Ansatz zusätzlich.

Bei all dem kindlichen Charme bricht aber auch immer eine reflektiertere Ebene durch, den kindlichen Denkenshorizont bei weitem übersteigend, die sich in den vorsätzlich verspielten Texten von Honig zeigen. „I should stop trying to save anyone from a life they chose to live. It does depend on who you are and what you've been through where your mind is at.“ (One) Kinderlieder im Sinne von für Kinder komponiert sind die Stücke jedoch bei weitem nicht. Es geht aber auch nicht um ironische Brechung, sondern eine ganz ehrliche Auseinandersetzung mit eben jenen Themen. Musikalisch ist man hingegen durchaus erwachsen. Erwachsen verspielt vielleicht. Im Sufjan Stevens Sinne. Im Sinne von Postal Service, Architecture in Helsinki, Adem oder Tunng. Spätestens wenn im Opener In Full Makeup nach ein paar Minuten die Bläser einsetzen weiß man, dass sich einem gerade jetzt, in diesem Augenblick, eine wunderschöne, ganz bemerkenswerte Platte in all seiner Unaufdringlichkeit eröffnet. Wenn der Kinderchor plötzlich im Refrain von Brand New Bike einsetzt, ganz unerwartet, aber dann doch wieder nur verständlich. Oder wenn im Hintergrund immer wieder diese kleinen Details zu erahnen sind, die sich vor einem beim ersten, zweiten hören noch versteckt zu haben scheinen.

Die zehn Stücke auf „Treehouse“ - plus einem kurzen Interlud und einem nicht überflüssigen Remix - funktionieren sicherlich, wie derzeit live zu bewundern, auch in reduzierter Singer/Songwriter Manier nur mit dem verhaltenen, beinahe zärtlichen Gesang und begleitender Akustikgitarre. So lies sie Stefan Honig auch ursprünglich reifen, bis er auf Jan Sedgwick traf, welcher den Stücken eine andere Wendung bescherte und sie mit Chören, Bläsern, Streichern, Flöten, Klavier, Perkussion und vielem mehr opulent verfeinerte ohne sie zu überfüllen. Oder wie es bei ihnen selbst zu lesen ist, schien Jan in der Lage den Songs „neue Ideen zu geben, ihnen Mut zu machen sich von einer ganz neuen Seite kennen zu lernen. Einige entdeckten ihre romantische Ader, andere wurden sich auf einmal erst so richtig ihrer selbst bewusst. Sie bekamen immer mehr Farbe und einige fingen sogar an zu tanzen, obwohl sie sich das früher nie so recht getraut hatten. Wieder andere blieben ein wenig zurückhaltender und schauten sich das ganze Spektakel eher aus dem Hintergrund an.“

Bemerkenswert ist hierbei außerdem, dass die Musiker den Mut aufbringen einigen Instrumenten ausdrucksstarke Soli zuzugestehen, welche zwar in der jüngsten Popgeschichte, jedoch bei weitem nicht in der allgemeinen Anerkennung genügend Aufmerksamkeit erhalten. So bietet Choke On Bees – einer kurzen, fantasievollen Anekdote über eine Biene, die langsam in den Mund und die Kehle krabbelt – ein gut ein-minütiges Querflötensolo. Paperbag hingegen glänzt mit einem Perkussion- und einem Streicherintermezzo, und in One erlaubt man es schließlich der klassisch quietschenden E-Gitarre sich anstandslos in den Vordergrund zu spielen, ohne dass einem dabei „Rock“ in den Sinn käme. Das ganze wirkt so überzeugend, so gelungen und gelassen, dass man es sich nicht besser hätte wünschen können. So ist „Treehouse“ am Ende wie die zärtliche Umarmung bevor man schlafen geht, die sich Honig in Breakfast Cereals selbst wünschen. Bitte, bitte kaufen!
foto: honigsongs.de

honig
"treehouse"
babsies diktatur 2008 cd
honig
benevolent