(paul smith)
Dementsprechend hoch sind jedes Jahr die Erwartungen an das Line-Up und heuer war die Aufregung groß, als die letzten Acts bekannt gegeben wurden, namentlich Last Days Of April, The Album Leaf, Melody Club und Deichkind. Nicht nur schien ein großer Knaller zu fehlen, besonders Letztgenannte sorgten für kontroverse Diskussionen, war dies doch neben den Puppetmastaz bereits der zweite HipHop-Act, der für dieses explizite Indiefestival gebucht worden war. So verbinden die meisten Besucher mit dem Immergut im weitesten Sinne Gitarrenmusik abseits des Mainstream, so dass der Name Deichkind bei vielen zunächst für Irritationen sorgte und auf intuitive Ablehnung stieß, während das restliche Line-Up sich in gewohnten Bahnen bewegte.
Den Anfang machten die Belgier Styrofoam, denen es bei strahlendem Sonnenschein jedoch the album leaf nicht so recht gelang, den Zauber ihrer Musik vom Studio auf die Bühne zu übertragen, was neben den fehlenden Gastmusikern insbesondere mit einem katastrophalen Sound zusammenhing. Zu begeistern wussten dagegen Timid Tiger, die als erstes die Zeltbühne betraten. Erstaunlich routiniert und gleichzeitig erfrischend präsentierte sich das jüngste Signing von L’Age D’Or, dementsprech-end sprang der Funke aufs Publikum innerhalb kürzester Zeit über.
Ein erster Höhepunkt des Abends waren The Robocop Kraus auf der Hauptbühne. Kraftvoll stiegen sie in ihr Set ein, welches durchsetzt war von Stücken ihres in Kürze erscheinenden Albums "They Think They Are The Robocop Kraus". Eine energiegeladene Masse feierte sämtliche Stücke ab, als seien sie alle bereits Klassiker. Von selbigen spielten Nada Surf nur sehr wenige, und so verstrich ihr Auftritt zwar angenehm doch unspektakulär.
Von der Euphorie des Publikums überrascht wurden Girls In Hawaii, die ihre Songs mit Hilfe von Videoclips auf mehreren Fernsehern und als Projektion visualisierten. Ihr treibender Indierock benötigte keine großen Gesten, vielmehr war die Exaltiertheit der Band auf die Gefühlsintensität zurückzuführen, die durch die Musik als Bindeglied zwischen Musikern und Publikum zu spüren war.
Unter strahlendem Sternenhimmel präsentierte sich Moneybrother als ein Headliner, der seine Band und das Publikum fest im Griff hatte. Sein gesamtes Auftreten war von einem starken Showeffekt geprägt, was dem Soulelement seiner Musik ebenfalls eine größere Betonung verlieh. Dabei überspannte er den Bogen ein wenig, doch die Menge ließ sich von ihm mitreissen.
Die Überraschung des Abends waren jedoch die Puppetmastaz, die zum Abschluss auf der Zeltbühne spielten und zum Headliner der Herzen wurden. Zu packenden Beats boten sie eine wahnwitzige Puppenshow mit verschiedenen Charakteren, die sich gegenseitig in Grund und Boden rappten. Die Reaktionen des Publikums waren dabei derart überwältigend, dass sie erst nach einem halben dutzend Zugaben die Bühne für die anstehende Disco räumten.
Samstags war der Festivalbesucher zu Beginn des Tages traditionellerweise vor die Wahl gestellt, den Mittag an einem der vielen nahe gelegenen Seen zu verbringen oder sich beim Immergutzocken am fußballerischen Können der Musiker zu ergötzen.
So war es kaum verwunderlich, dass auf dem Festivalgelände noch reichlich wenig los war, als das Programm nachmittags startete. Doch spätestens bei Seidenmatt hatte sich wieder eine größere Schar an Zuhörern versammelt. Dies honorierend lieferten die vier Berliner genauso wie ihre Sinnbus-Labelkollegen von Kate Mosh kurze Zeit später einen großartigen Auftritt ab, ihre charmante Art wirkte dabei genauso einnehmend wie ihr instrumentaler Postrock. Vor der Hauptbühne ließen sich viele Menschen zu den Klängen von The Album Leaf in ein Nachmittagsnickerchen wiegen, welche ein stimmungsvolles und andächtiges Set spielten.
Als Herzensband angekündigt wurden anschließend die Boxhamsters. Die alten Giessener Punkheroen, einstmals wichtige Wegbereiter der Hamburger Schule, wurden so stürmisch abgefeiert, dass es ihnen fast die Sprache verschlug. „Dass wir das nach zwanzig Jahren erleben dürfen!“, mit diesem Satz auf den Lippen verließen sie die Zeltbühne, während Kante auf der Hauptbühne vom Sonnenuntergang begleitet einen Querschnitt ihrer letzten beiden Alben präsentierten.
Einen der besten Auftritte bestritten Ms. John Soda, deren Sängerin Stefanie Böhm interessanterweise die einzige Frau im gesamten Festival Line-Up war. Gemeinsam mit Micha Acher gelang ihr eine packende Verquickung von Gitarren und elektronischen Beats, und nicht zuletzt sollte ihre charismatische Stimme die Zuhörer schmelzen lassen.
Der von vielen erwartete Höhepunkt des Abends waren Maximo Park. Noch vollmundig als beste Band der Welt angekündigt rechtfertigten sie diese Ansage vollkommen. Ein Paul Smith, der die Musik mit Haut und Haaren performte, eine Band, die ein musikalisches Feuerwerk abbrannte und auf einmal wurde jeder gute Song des aktuellen Albums zu einem Überhit. Großartig!
Kaum zu glauben war da, dass hinterher Deichkind noch gelang, die Stimmung im Zelt völlig zum Überkochen zu bringen. War vor dem Auftritt von manchem Skeptiker noch ein Debakel prophezeit worden, so belehrten ihn die drei Wahl-Hamburger eines Besseren. Treibende Elektrobeats und in grellen Neonfarben leuchtende Kostümierungen verwandelten das Zelt in ein Tollhaus. Ob der musikalischen Qualität und der fast schon überhandnehmenden Euro-Trash-Verweisen mag man sich streiten, doch Deichkind gelang es in jedem Fall aufzuzeigen, wie man Immergutbesucher an den Rand der körperlichen Erschöpfung treiben kann.
Umso enttäuschender war die abschließenden Melody Club aus Schweden. Sie spielten zwar ein sehr routiniertes Set, doch ihre Mischung aus Glamrock und billigem Klingeltonpop, der zuweilen an Matthias Reim erinnerte, hätte dem Festival einen unwürdigen Abschluss gegeben. Doch im Anschluss legte das Spex-DJ-Team im Zelt zum Tanz auf, und die Menge feierte bis in den Morgen hinein sich selbst und das Festival. Nicht zu unrecht, denn in diesem Jahr hat das Immergut einen Blick über den eigenen Tellerrand gewagt. Ein starres Schema wurde aufgebrochen und das sonst als wertkonservativ geltende Publikum honorierte dies. Eine Veränderung die gut tut.
foto: mujuk.de
immergut festival
Immergut Festival [Neustreliz, 27.-28.05.2005]
Cloroform [Hey You Let's Kiss / Cracked Wide Open]
Über Mundpropaganda, weshalb norwegische Musik immer höhere Standards setzt, körperliche und seelische Läuterung und was das alles mit den frenetisch zu feiernden Cloroform zu tun hat. Ein Erklärungsversuch.
(the all-righter)
"Hey you sitting at the bar with the brown hair; With your brown drink, at you I stear."
(Hey You Let’s Kiss)
Mundpropaganda setzt sich immer genau dann durch, wenn sich die übliche Infrastruktur noch kein ausreichend differenziertes Bild eines Ereignisses gemacht hat. Sie ist jedoch auch stets unübersichtlich verästelt und wenig nachvollziehbar in ihrer netzwerkhaften Struktur. Die dänische Freundin eines Mitbewohners des in Berlin lebenden Bruders meiner Freundin. Das ist die komplexe URL im Netzwerk der Mundpropaganda in diesem expliziten Fall. Cloroform. Als das Video zu dem Stück Hey You Let’s Kiss über den dunklen Bildschirm meines Rechners flimmert, bin ich hin und her gerissen von dem schmalen Grad zwischen Wahnsinn und Genialität und entscheide mich für das einzig vernünftige, was sich in diesem Fall anbietet: tanzen und weitersagen. Es ging einfach nicht anders, als dass wir Kontakt mit dieser Band in Norwegen aufnehmen, und ihnen unsere Dringlichkeit und den Wunsch der Berichterstattung mitteilen mussten. A man’s got to do …
In besagtem Video, welches eine Komposition einzelner Live Auftritte visualisiert, sieht man einen smarten Sänger in einem Pete Townshend ähnelndem Arbeiter Overall, einen vollbärtigen Unterhemdträger, der mit einem Drumstick seinen riesigen Kontrabass malträtiert, sowie einen wild treibenden, völlig durchnässten Schlagzeuger auf einer kleinen Bühne stehen und eine Art von Performance darbieten, die sich in ihrer Dringlichkeit rhythmisch zwischen dem bewegt, was man sich unter Shows von Frank Zappa, den Sex Pistols, den Stray Cats und einem Jazz Trio vorstellen mag. Allein die Konstellation der Instrumente der drei Herren ist beneidenswert unorthodox: Sofort ins Auge sticht nicht nur optisch der bereits angesprochene Kontrabass, an welchem Øyvind Storesund – der auch für das Kaizers Orchestra und Wunderkammer spielt – die Stücke mit unmittelbar groovenden Bass Linien vorantreibt, ohne darauf zu verzichten immer wieder um diese Themen herum zu improvisieren. Børge Fjordheim vermischt Elemente aus Rock 'n' Roll und Jazz am Schlagzeug und transportiert diese mit dem Druck eines Heavy Metal Drummers in einer schroffen Ästhetik. Die Melodien der Stücke werden maßgeblich durch Clavinet und Keyboard geprägt, und scheinen mit ihrer klanglichen Old School Hommage diese immer wieder ad absurdum zu führen. Verantwortlich zeigt sich hierfür Mastermind John Erik Kaada, der neben Cloroform auch als Solokünstler und Soundtrack Komponist arbeitet. "Cloroform ist eine Art Läuterung für Körper und Seele", umschreibt er metaphorisch. "Wir wenden nicht viel Zeit dafür auf, darüber nachzudenken, was wir gerade tun – wir machen einfach was wir für das Richtige halten. Wir haben eine Menge Schmerz der kanalisiert werden muss, und das reflektieren wir in unserer Musik."
storesund, kaada Cloroform gelingt es diese düsteren und zorni-gen Elemente, aber auch die "rhythmische Finesse und harmonische Eleganz" (Mic Norway) zu differieren, und sich mit ihrer nonkonformistischen Musik souverän irgendwo zwischen Rockabilly Ästhetik, Free Jazz, Heavy Metal, Industrial, Britpop und Cut & Paste Electronica anzusiedeln. In Kaada’s Texten werden dabei gern bissig ironische Alltagsbeobachtung ("Bad Cop, bad Cop, no Donut" aus No Good) fallen gelassen. Zu meist sind die Stücke vornehmlich durch die beängstigend gut situierte Rhythmusarbeit vorangetrieben, um sich dann jäh in eine völlig andere Richtung zu bewegen. Dazwischen tummeln sich immer wieder ganz subversiv Musical Referenzen, Hillbilly Naivität und bizarre Samplezitate, wie das unterschwellige erklingen des Windows Start-up Jingles in dem vortrefflichen, immer wieder die Richtung wechselnden Song Crush. In einem Stück wie Special Needs lässt man dann jede Konvention und Pietät hinter sich, und springt zwischen präzisen Bass Riffs, verzerrten Keyboardmelodien, Industrial Sondeffekten, und lakonisch monotonen Wort Repetitionen auf der einen Seite und beatlesk, mehrstimmigen Harmonie Gesang auf der Anderen. "I want a new drug that will last forever / Gimme, Gimme, Gimme, Gimme". Analoges gilt auch für das maßgeblich für diese Besprechung verantwortliche Titelstück des vorletzten, und fünften Albums der Band, Hey You Let’s Kiss; Wenn hier die Zeile "Hey you, let’s kiss" abwechselnd voller Inbrunst übersteuert geschrieen um danach mit einem Vocoder deformiertem und hoch gepitchtem Klang, fast niedlich über einem Jazz-Punk-Elektronik-Konglomerat gesungen wird, dann dürfte dies hier zu Lande in der öffentlich-rechtlichen Berichterstattung Verwirrung und Distanzierung regnen und nicht etwa zu Äußerungen wie "One of the most exciting concerts in this year" (Staatliches Musik Informations Zentrum Norwegen) führen.
Cloroform stammen aus Stavanger, der viertgrößten Stadt Norwegens mit knapp 115000 Einwohnern. Kleinstädtische Verhältnisse, vergleicht man es mit den Maßstäben die in unserem Land über den fahlen Beigeschmack von Provinz oder den vermeintlich kosmopolitischen Glamour der Urbanität entscheiden. Dass die Skandinavischen Länder in mannigfaltiger Weise anders sind als der kontinentale Rest Europas, schlägt sich nicht nur durch die jüngsten PISA Studien nieder. Irgendwo las ich mal einen mehr als bezeichnenden Kommentar, der besagte, dass die Deutschen im Jahr durchschnittlich 16 Euro, die Briten rund 88 Euro für Popmusik ausgeben. In Norwegen herrschen vermutlich britische Verhältnisse und dies zu Recht. Das reichhaltige Angebot an beängstigend guten norwegischen Produktionen - Turbonegro, Motorpsycho, Röyksopp und Jaga Jazzist hier nur mal exemplarisch aufgeführt - sprechen Bände. Dies ist jedoch auch von Seiten des Staates durch Subventionierung von jungen Talenten gefördert. Nicht nur, dass die norwegische Gesetzgebung von jeder Gemeinde fordert, Kindern Kunsterziehung anzubieten, auch die vorbildliche Infrastruktur bietet jungen Künstlern direkte Unterstützung etwa in Form von Tournee, Transport und Produktions Subventionen. Der norwegische Kulturrat deckt zum Beispiel zwischen 60 und 75% der Kosten bei den größeren Konzertveranstaltungen im Land. Und dies sind jährlich über 300. Vor diesem Hintergrund ist es selbstverständlich nicht schwer zu erahnen, dass ein enormes Netzwerk innerhalb der Kulturszene Norwegens existiert, und immer wieder Bands das europäische Ausland erreichen und Euphorie und Begeisterung hinterlassen. Oder, um einen anderen Erklärungsansatz neben diesem und dem Eingangs erwähnten für das Phänomen der skandinavischen Exklusivität im Allgemeinen, und Cloroform im speziellen, von der Band selbst zu nutzen: "Just three white kids from Rogaland / Have come to play in your town / I came to get down, I came to get down / White trash / We are the losers / Roll on, roll on, white trash / We'll rock your shit up you all" (Coming Over)
Von Kaadas eindringlichen Clavinet Melodien und Sample Arrangements über Storesunds unbeirrbaren Kontrabass Läufen bis zu dem unbeugsamen Rhythmen von Schlagzeuger Fjordheim, sowie dem oft mehrstimmigen Gesang, welcher sich besonders auf dem aktuellen Album "Cracked Wide Open" manifestiert, kreiert das Trio einen unverwechselbaren, selbstironischen Stil, der wohl selten seines Gleichen finden wird. "What a great pleasure it is, to hear music such as this" (R. Krautheim, Concussion Magazine).
foto: nina solheim
"hey you, let's kiss"
kaaa records 2003 cd
cloroform
"cracked wide open"
waggle daggle 2005 cd
cloroform
Maximo Park [Frankfurt, 27.11.2005]
Maximo Park präsentieren live die immense Power ihrer Songs und überzeugen durch Charme und musikalisch kontrollierter Ekstase.
(pauls smith)
In diese Liste einreihen lassen sich scheinbar auch Maximo Park, deren Beliebtheitsgrad in Deutschland allerdings innerhalb des Jahres 2005 stetig angestiegen ist. Zeitgleich mit der Veröffentlichung ihres Debütalbums "A Certain Trigger" gab das Quintett aus Newcastle upon Tyne eine kurze und komplett ausverkaufte Clubtour durch Deutschland sowie eine kleine Anzahl an Festivalauftritten. Nur ein halbes Jahr später füllten sie nun bedeutend größere Hallen, so auch die Festhalle in Frankfurt.
Deren Charme entspräche eher der Aktionärsversammlung eines mäßig erfolgreichen Mittelstandsunternehmen, denn einem Rockkonzert. Die Wand ist holzvertäfelt, das Licht zu hell und es herrscht Rauchverbot, was ein bemerkenswert großer Teil des Publikums respektiert. Der riesige Raum ist zwar gut gefüllt, doch im Gegensatz zu den übrigen Konzerten nicht ausverkauft. Das Publikum entspricht einmal mehr den Frankfurter Verhältnissen und zugleich auch dem nicht unüblichen Durchmischungsgrad für Konzerte dieser Größenordnung, den man bei Maximo Park allerdings weniger erwartet hätte: Neben kreischenden Groupies weichen Kuttenträger, Eintracht-Fans und Nachwuchs-Gangstaz das Stereotyp des durchschnittlichen Konzertgängers erheblich auf.
Ebenso sehr hebt sich der Support von Maximo Park ab, die New Pornographers aus Vancouver eröffnen den Abend. Schon äußerlich taugt diese Band nicht dazu, einen inszenierten Hype auszulösen und auch die Musik ist weit weniger direkt und mitreißend, wie es beim Hauptact der Fall ist. Ganz und gar nordamerikanisch klingen ihre Songs, doch die feinen Arrangements der aktuellen Platte "Twin Cinema" gehen in einem katastrophalen Soundbrei unter. Dies ist sowohl der Akustik des Raumes, als auch der mangelnden Motivation des Mischers zuzuschreiben und so haben die New Pornographers mit mehr als widrigen Bedingungen zu kämpfen. Dementsprechend gering ist der Enthusiasmus, mit dem die sonst so großartigen Hymnen vorgetragen werden und dem Publikum nicht mehr als pflichtschuldigen Beifall entlocken können. Schade für eine Band, deren Potential um ein vielfaches höher ist, als die meisten Bands, denen momentan bedeutend mehr Beachtung geschenkt wird. Und so dauert der Auftritt, der in einem anderen Rahmen für wahre Begeisterungsstürme hätte sorgen können, nur etwas länger als eine halbe Stunde.
“How long has it taken for you to look so fine, fine, fine, fine, fine.“
Maximo Park sehen verdammt gut aus auf der Bühne. Das liegt jedoch nicht an ihren körperlichen Vorzügen oder an ihrer Aufmachung, allenfalls Sänger Paul Smith verweist im perfekt paul smith sitzenden Anzug auf das momentan so hofierte Lad-Ideal. Vielmehr präsentieren sie sich als eine Einheit, sie fühlen sich wohl in ihrer Rolle und scheinen ihren Platz auf der großen Bühne genau zu kennen, obgleich sie vor einem Jahr noch in kleinen und verrauchten Kellerclubs spielten. Und trotzdem ist kein Hauch von Arroganz zu bemerken, Paul Smith weiß, was sich gehört und seine sehr freundlichen Ansagen verströmen eine äußerst sympathische Art von Charme, wie sie einem Pete Doherty völlig abgeht.
Auch ist der Ausdruck Show bei Maximo Park nicht als einstudierte Bühnenpräsentation, Effektspielerei oder gar das Ausleben billiger Rock’n’Roll-Posen zu verstehen. Die Band strahlt eine fast schon unheimliche Energie aus und Paul Smith führt in ekstatischen Bewegungen vor, wie nachhaltig sich die Vorteile des Kinderturnens auszahlen.
Zu Gute kommt ihnen dabei, dass der Sound von Beginn an besser ist, als jener der Vorband, wenn auch dank der ungünstigen Halle bei weitem nicht optimal. Vom Opener Signal and Sign an lassen Maximo Park es mächtig krachen, ohne dabei die Kontrolle über auch nur einen einzigen Ton zu verlieren. Durch präzises Zusammenspiel und mit einer unwahrscheinlichen Dynamik feuern sie einen Song nach dem anderen ins Publikum, jeder Song ein Hit. Dass sie mit The Coast Is Always Changing einen der größten Hits bereits ganz zu Beginn auspacken können, spricht dabei nur für sie. Der Auftritt hat keinerlei Tiefpunkte, steht’s geht es immer weiter nach vorne und das im Vergleich zu anderen Städten weniger ekstatische Publikum nähert sich immer mehr dem Adrenalinspiegel der Band an, selbst die in die Setlist eingestreuten B-Seiten fügen sich nahtlos in die Show ein.
"What happens when you lose some pressure? Apply some pressure!”
Gerade bei Apply Some Pressure kennt dann auch das Publikum kein Halten mehr und alle Hemmungen gehen verloren. Zu guter Letzt offenbart sich Going Missing als besonderes Bonbon, mit dessen großem Knall das Konzert seinen Abschluss fand. Zwar mögen die knapp 70 Minuten kurz erscheinen, doch für eine Band, die gerade ihr Debüt ablieferte, ist dies eine fast schon bemerkenswerte Länge. Aber selbst, wenn man diesen Umstand außer Acht lässt, Maximo Park sind eine Liveband die ihresgleichen sucht. Wie bei kaum einer anderen Formation strotzen sämtliche Songs vor Ideen und packende Melodielinien, vorgetragen mit ausgesuchter Freundlichkeit und famoser Schlagkraft zugleich. Diese Band ist wirklich bedeutsam.
foto: landmark
maximo park
the new pornographers
The Samuel Jackson Five [Easily Misunderstood]
Nicht zwischen Samuel L. Jackson und den Jackson Five, wie uns der Name vielleicht glauben machen möchte, ist die Musik der fünf Norweger verankert, sondern doch eher zwischen Do Make Say Think und Tortoise.
"it sounds better than 'the plastic fantastic cyberchickens from outer space', i guess."
(stian tungerod über den bandnamen)
Als ich das erste Mal über den Namen dieser Band stolperte, wurde ich bereits Aufmerksam und hatte ein gewisses Interesse. Obwohl solche Bandnamenkonstellationen in letzter Zeit ja relativ präsent sind. Man widmet den eignen Namen einer Persönlichkeit, mit der die Musik als Solche meist nichts gemein hat. The Brian Jonestown Massacre. The Stephen Malkmus Experience. Samuel L. Jackson – wie gut, dass man von dem Übernehmen des zungenbrecherischen L Initials im Bandnamen absehen konnte – ist an sich ja eher der prollige ActionJackson Typ, doch seit Pulp Fiction wohl über jede Kritik erhaben und somit eine ausgezeichnete Wahl. Dass The Samuel Jackson Five aus Norwegen stammen erhöhte mein Interesse ungemein, die Gründe dafür dürften musikethnologisch auf der Hand liegen.
Ein Titel wie Person Most Likely To Enjoy The Taste Of Human Flesh stellt das Quintett ganz klar in eine Tradition mit jenen Instrumentalbands, die ihren Drang nach Verbalisierung in den Songtiteln auszuleben scheinen. Zwischen politischem Statement (vgl. Godspeed You! Black Emperor) und semiotischen Nonsens (vgl. Mogwai) steht für die Band in dieser Hinsicht der interessierte Umgang mit Begriffen im Mittelpunkt. "Thomas (Kaldol, Gitarist der Band, Anm. d. Verf.) spielt gern mit Worten und deren Bedeutungen oder überträgt Film- und Fernsehzitate in unseren Kosmos", erklärt Schlagzeuger Stian Tungerud im Gespräch. "Die meisten unserer Titel haben also in gewisser Weise eine tiefere Bedeutung oder wenigstens eine gute Geschichte dahinter." Ein ausnahmslos instrumentales Album mit dem Titel "Easily Misunderstood" zu versehen ist vielleicht eine dieser ironisch zwinkernden Spielereien.
Musikalisch grenzt man sich von den meisten Postrock Bands insofern ab, als dass die fünf Herren aus Oslo und Umgebung geschickt einen klaren Jazz Einfluss in ihre klanggewaltige Musik integrieren. Nicht ganz so exaltiert wie die ebenfalls aus der Umgebung von Oslo stammenden Jaga Jazzist und weniger vordergründig wie die Briten vom Cinematic Orchestra, aber doch als prägnantes Stilelement. Jazz im Sinne von Improvisation einzelner Instrumente. Im Sinne von Polyrhythmik und Call and Response Elementen. Im Sinne von kreativer Freiheit. Im Sinne einer Öffnung des Postrock, weg vom Laut-Leise Spiel zwischen introvertierter Detailliebe und extrovertierter Explosion, hin zu einer Variationsoffenheit mit unverschämtem Groove. Der Freejazz Exzess in erwähntem Stück, der sich irgendwo zwischen gemäßigtem Art Ensemble Of Chicago und Herbie Hancock bewegt, könnte viele Hörer zunächst abschrecken, aber man möchte sich mit der eigenen Musik klar nonkonformistisch geben.
Auch wenn Bläser, Streicher, Glockenspiel und vor allem das Klavier allesamt niemals als bloßes Beiwerk oder freie Füllung Verwendung finden, sondern bewusst gleichberechtigt zu dem üblichen Instrumentarium verstanden werden, atmet die Platte mit jedem Takt Rock und weist ihn dennoch im gleichen Moment wieder von sich. Ob plötzlich hervorbrechend treibende Grooves (Unimog), das impulsive Klavier als Rhythmusinstrument (Easily Missunderstood) oder das hervorragende Arrangement der Streicher, dass sich immer wieder mit verzerrten Gitarren abwechselt (Michael Collins Autograph); die daraus entstehende Demontage bleibt ohne Frage bis ins Detail hörenswert und kann das Niveau nur an sehr wenigen Stellen nicht zur vollen Zufriedenheit halten.
Das an den englischen Künstler Andy Goldsworthy denken lassende Cover Artwork und die im Booklet befindlichen Grafiken von einer seltsam anmutenden und auch um 180 Grad gedreht funktionierenden Landschaft, erfassen die Musik der Band vielleicht auf eine stimmig-entrückte Weise. Zwischen Verwirrspiel und organisch harmonischem Ganzen bewegt man sich, was mir niedergeschrieben wenig erklärend scheint. Easily Misunderstood. Worte eben.
foto: knut neerland
the samuel jackson five
"easily misunderstood"
honest abe 2005 cd
the samuel jackson five
LipService [Cardboard Robots]
Auf dem Cover ihres Debütalbums rollt das Quartett metaphorisch eine überdimensionale Bowlingkugel durch die Straßen einer Stadt, deren Bewohner ihre Köpfe unter ausdruckslosen Pappkartons verstecken.
"saturate this migrane with gasoline, i'm coming clean."
(red shift)
Lippenbekenntnisse.
Wenn sich eine Band mit genau diesem Namen schmückt, dann muss dahinter schon eine toughe Attitüde stecken. Es geht also um Rock . Die maskuline, testosterongesteuerte Ausgabe eines abgegriffenen Genres, welches - so lehrt uns bereits Philip Seymour Hoffman als Journalist Lester Bangs in Cameron Crowes Film "Almost Famous" - vorbei ist, und von dem man 1973 lediglich noch den letzten Atemzug erleben konnte. Die vier Herren aus Trier entfalten auf ihrem Debüt Album "Cardboard Robots" - eine Anspielung auf den ehemaligen Bandnamen, den die Musiker bis Februar 2005 trugen – gut produzierte, Gitarrenriff getragene, solide Rockmusik und werden im Pressetext, der "pop-induzierten Punkrock" zu erkennen weiß, über alle Maßen gelobt. Besonders die Live Darbietung wird gesondert hervorgehoben, und auf dem vorliegenden Videomitschnitt kann man die "physikalisch geerdeten" Emotionen der Band, welche maßgeblich von ihrem Sänger transportiert werden, beobachten. So scheint es kaum verwunderlich, dass sich dieses Energiebündel während dem Stück enthusiastisch auf den Boden wirft, um seinen Gefühlen Nachdruck zu verleihen. Auf den liebevoll als Waschzettel jargonisierten Pressemitteilungen ist diese Lobhudelei natürlich keine Seltenheit, wird doch stets der nächste große Wurf skandiert, welcher die Musikwelt in den Grundmauern erschüttern wird, nur um kurz darauf festzustellen, dass immer heißer gekocht wird, als gegessen.
Im Falle von LipService entschied man sich gegen die blanke Selbstdarstellung und bat die Macher vom Onetake.de Magazin sich der Aufgabe anzunehmen, die Musik der Band in Worte zu fassen. "Das Musikbusiness ist", so wird dort von Daniel Hecktor eingeleitet, "eine kleine billige Hure, die mit jedem in die Laken steigen würde, wenn der Preis stimmt. Nun, in einer perfekten Welt würde sie für LipService mit einem breiten Lächeln auf dem Gesicht die Beine breit machen […] und ich bin mir sicher, dass die kleine, billige Hure auch dann noch lächelt, wenn von LipService nur noch das Kleingeld auf dem Nachttisch übrig ist." Eine durchaus fragwürdige Utopie, diese hier ersonnene "perfekte Welt", in welcher man die "kleine billige Hure" mit etwas Kleingeld nach dem bezahlten Geschlechtsakt glücklich machen kann. Eine chauvinistische Perspektive, die hier im Bezug auf das überstrapazierte Rockklischee mit Sexismus kokettiert, und nur schwerlich als flapsige Metapher für Gut geheißen werden kann.
Auch der letzte Song des Albums, Uma, welcher sich als einziges Stück über die 3-Minuten-Grenze hinaus wagt, bedient diese oberflächlichen, patriarchischen Strukturen, wenn Sänger Mick Buonaz darin leicht prollig "I met a girl by name of Betty / and this babe Betty so pretty she was / I met a girl by name of Jane / and this chick named Jane was into pain", singt. Übrigens verfliegt der Hauch von objektiver Betrachtung durch ein unvoreingenommenes Medium recht schnell, wenn man sich vor Augen führt, dass "Cardboard Robots" als Eigenproduktion bei Onetake Records erschienen, und Onetake Magazin Chefredakteur Daniel Hecktor die Band resümierend als "verfickt gut" zu loben weiß.
Zusammenhangslos und isoliert erscheint dann das thematisch eher politisch einzuordnende Stück El Cortito, in welchem kurz César Chávez angesprochen wird, der US amerikanische Gewerkschaftsgründer, welcher Mitte der Siebziger Jahre das Verbot der Benutzung einer sehr kurzen Hacke, der Cortito, in der Landwirtschaft durchsetzen konnte, da diese eine enorm gebeugte und gesundheitsschädliche Körperhaltung provozierte. Erfreulich zu beobachten, dass man sich mit gesellschaftswissenschaftlichen Themen auseinandersetzt, aber weshalb mit einem längst verjährten Thema? Und in welchem Zusammenhang steht dann die potentielle Wut, die sich in Zeilen wie "the sound of quarreling neighbours / makes me fuckin sick! / through their window I will throw a big fuckin red brick!" (The Wet One) entläd?
Was am Ende bleibt sind elf, zumindest in der zeitlichen Dimension, Punk orientierte Rock Stücke, die auch bei der ab und an aufblitzenden ambitionierten Melodieführung und den soliden, leider pragmatischen und wenig innovativen Songstrukturen letzten Endes an der aufgesetzt wirkenden Attitüde scheitern und deren Vergleiche mit den eher ironisch daherkommenden Foo Fighters oder gar den Queens Of The Stone Age (Allschool Network) nur hinken können.
Lippenbekenntnisse.
foto: lip service
lip service
"cardboard robots"
one take records 2005 cd
lip service
David O. Russel [I ♥ Huckabees]
Da wir leider nicht relevant genug erschienen, um von Fox Searchlight Pictures für eine Film Besprechung des aktuellen Werkes von David O. Russel akkreditiert zu werden, haben wir kurzerhand einen Außenkorrespondenten zu einem Interview mit Bernard Jaffe entsendet.
(brad stand)
Ich betrete das helle Wartezimmer und gehe auf eine junge Empfangsdame zu. Die hoch gewachsene, blonde Frau blickt kurz in den Terminkalender und bittet mich dann einen Augenblick Platz zu nehmen, da Mr. Jaffe noch in einer Besprechung ist. Neben mir sitzt ein Mittfünfziger in einem Unterhemd. Beide Oberarme sind mit grünlichen Tätowierungen verziert. In der mir gegenüberliegenden Ecke des Raumes brummt fast unbeachtet ein Ventilator.
"Mr. Jaffe erwartet sie jetzt", entgegnet mir die junge Dame Augenblicke später, und weist auf eine Tür. Bernard Jaffe empfängt mich in seinem Büro. Er sitzt hinter einem hellen, aufgeräumten Schreibtisch aus Birkenholz und steht auf, um mir die Hand zu geben. "Freut mich sie zu sehen", lächelt er. Jaffe ist Mitte Sechzig und trägt einen dunklen Nadelstreifenanzug und eine rot-schwarz gestreifte Krawatte. Die Ärmel seines weißen Hemdes sind nicht zugeknöpft, stattdessen hat er sie leicht nach oben geschoben. Beinahe über die gesamte Breitseite der Wand hinter Jaffes Schreibtisch erstreckt sich eine riesige Tafel wie ein Gemälde, auf welcher unzählige, angedeutete Rechtecke mit Kreide gezeichnet sind. Durch das wandhohe Fenster flutet das vormittägliche Licht in das Büro. Bernard Jaffe arbeitet seit 17 Jahren mit seiner Gattin Vivian Jaffe als existentieller Detektiv. "First In Buisness" kann man stolz auf dem Firmen Logo lesen.
Wie es die Höflichkeit erfordert tauschen wir zunächst einige Oberflächlichkeiten aus, bevor wir uns intensiver unterhalten können. Er erklärt mir, dass das penible Beobachten eines jeden seiner mittlerweile über 300 Klienten zur Erörterung der individuellen Fragestellungen führt. Wie die Umkehr der eigentlichen Arbeit eines Defektives erscheint der berufliche Alltag von Jaffe & Jaffe.
"Wie sieht die Konkurrenz aus?", frage ich ihn.
"Es gibt Wenige die sich auf unser Terrain begeben, ohne zu straucheln. Viele Klienten begeben sich zunächst zu Therapeuten und Psychiatern, bevor sie erkennen, dass das eigentliche Problem nicht in dysfunktionalen Familienverhältnissen oder unterdrückten Sexualfantasien, sondern in der Welt selbst liegt."
Es ist bekannt, dass zwischen Bernard Jaffe und der Französin Catherine Vaubon, ihrerseits auf eine ähnliche Weise in Frankreich beruflich aktiv, ein intellektueller Misskredit besteht, über welchen gern geschwiegen wird.
"Woran liegt es, dass Sie auf die französischen Philosophin Vaubon nicht gut zu sprechen sind, Mr. Jaffe?"
Er setzt seine zierliche Lesebrille ab, steckt sie in die Brusttasche seines Jackets, lehnt sich, auf dem Schreibtisch abgestützt nach vorn und faltet die Hände. Seine dunklen, klaren Augen schauen wach unter seinem bereits ergrauten Pagenkopf hervor.
"Sehen sie", entgegnet er ruhig mit gekräuselten Lippen, "Catherine Vaubon betrachtet alles aus einem anderen Blickwinkel. Und das ist eigentlich gut so. Meine Frau und Partnerin Vivian zum Beispiel ist Existentialistin. Sie geht davon aus, dass sich jeder Einzelne durch sein spezifisches Verhalten gegenüber sich selbst, anderen Menschen und der Welt verwirklicht. Ich betrachte die Dinge gern etwas anders und dennoch, wir beide ergänzen uns ganz ausgezeichnet. Es gibt viele Wege die man ausleuchten muss, um sich auf den weisesten Pfad zu begeben. Sehen sie, Catherines Ansichten zufolge steht das Nichts hinter Allem; ein Standpunkt, der in der Geschichte der Philosophie zu meinem Unverständnis von einigen skurrilen Persönlichkeiten geteilt wurde. Doch das Sein und das Nichts überschneiden sich." Er hält kurz inne und schaut mich an.
"Was denken sie ist das reine Sein?"
Ich fühle mich überfordert und schaue ihn vermutlich einige Sekunden mit großen Augen an, überzeugt davon, gleich etwas zu sagen. Dann erlöst er mich.
"Genau", lächelt er und stimmt mir - um mich damit vollends zu verwirren - zu.
"Das reine Sein enthält zunächst Nichts. Es ist kein Mobil Telefon, kein Schoko Keks und auch kein fünf Sekunden Orgasmus. Das reine Sein an sich enthält Nichts. Das reine Nichts enthält jedoch sich selbst, und macht aus dem Nichts etwas Seiendes. Ich bin der Überzeugung, dass eine übergreifende Verbindung existiert, eine höhere Identität, welche sowohl die Identität als auch die Nicht-Identität enthält."
Die Nicht-Identität? Dies übersteigt meinen gegenwärtigen Horizont bei weitem. Jeder Mensch hat eine eigene Identität denke ich bei mir, und bisweilen liegt es einem jeden sehr daran, seine eigene Identität besonders hervorzuheben. Eine Nicht-Identität jedoch? Wie kann ich nicht ich selbst sein? Während ich nachdenke, ist Bernard Jaffe aufgestanden und hat aus einem Schrank ein Bettlaken geholt, was er jetzt vor mir ausbreitet.
"Sehen sie, dieses Laken hier umfasst uns alle. Das hier sind sie", er hebt unter dem Laken eine Hand. "Das hier drüben bin ich. Und das hier ist der Eifelturm. Paris, verstehen sie?" Ich kann nicht umhin ihn verwundert anzulächeln. "Und das hier ist ein Krieg, das ist die Milchstraße, das hier ist eine Krankheit und das ist ein Hamburger. Verstehen sie? Es gibt keinen Rest in der Mathematik der Unendlichkeit. Wir alle sind Teil des Ganzen, und das mein junger Freund, dürfen sie niemals aus den Augen verlieren."
Ich staune nicht schlecht. "Wo denken sie befinden sie sich im Augenblick? In einem Raum, einer Stadt, einem Land? Das mag sein. Warum springen Menschen aus Flugzeugen oder nehmen Drogen? Sind sie auf der Suche nach sich selbst? Auch das mag sein. Aber ist es die ganze Wahrheit?"
Die Tür öffnet sich und eine Dame mit schulterlangen schwarzen Haaren und einem schwarzen Kostüm tritt herein.
"Darf ich vorstellen", setzt mich Jaffe in Kenntnis, während er auf die Dame zugeht, "meine Frau und Partnerin Vivian Jaffe. Endschuldigen sie mich einen Augenblick". Verlegen lächle ich. Die beiden tauschen einige Worte miteinander, küssen sich kurz und Vivian Jaffe verlässt das Zimmer.
"Ich bin untröstlich, doch leider muss ich mich auf den Weg machen. Ein Kunde von uns befindet sich in einer Gewissens Krise dritten Grades. Es hat mich sehr gefreut sie kennen zulernen."
Er gibt mir die Hand, hält mir die Tür auf, und ich kann mich nur noch verabschieden, anstatt ihn nach der großen, ganzen Wahrheit zu fragen, von der er eben gerade noch sprach. Beim Verlassen des Gebäudes schwirren meine Gedanken wild durcheinander und ich bemerke nur im letzten Augenblick, dass mich beinahe ein weißer Lastwagen überfahren hätte. Eine blonde Frau lächelt mich überlebensgroß von der weißen Plane aus an und in bunten Lettern prangt I ♥ Huckabees auf der Breitseite.
text: Cosmo Kramer
foto: 20th century fox
600 Wörter [Schreibblockaden]
Warum es so lange gedauert hat und mehr in den nächsten 600 Wörtern...
Man beginnt dann nach Ursachen zu suchen. "Woher kommt diese Unruhe?", "Was hält mich davon ab zu schreiben?" und auch: "Woher nehme ich neue Ideen?" Ich fühlte mich schrecklich unkreativ. Obwohl immer wieder das Gefühl aufkam, dass jetzt bald doch was kommen müsste. Da war doch so viel in mir, so viel das raus musste. Ablenkung war natürlich auch genug da, man muss ja schließlich "nebenbei" auch eine Schule abschließen und ach, die Frauen… Aber das gehört hier nicht hin.
Verschiedenste Masterpläne wurden also er- und durchdacht. Ein Konzept Album! Neue (Stamm-) Plätze zum schreiben (in der U-Bahn, in einem Alt-Wiener Kaffeehaus mit Live Piano Musik - das wäre wirklich ein schöner Platz zum schreiben - oder in irgendeinem Park - es wurde ja doch auch langsam wieder warm), ein Buch kaufen in das man immer mal wieder was schreibt… Das mit dem Buch hat noch nie funktioniert (ich habe 2 Bücher in denen jeweils ein Text steht), an öffentlichen Orten kann ich nicht schreiben, weil ich immer Angst habe, dass jemand meine Sachen liest oder denkt "Aha, der schreibt jetzt Texte! Sowas!" und ein Konzept sollte man sowieso immer haben.
Ich suchte Inspiration bei den großen Alten und habe viel Bob Dylan, Velvet Underground, Tom Waits und Beatles gehört und Lieder von ihnen selbst nachgespielt. Das einzige was passierte war, das ich immer wenn ich einen Text vertonen wollte, irgendeine Melodie geklaut habe. Funktionierte also auch nicht.
So. Was macht man also? Abwarten und Bier trinken! Vom Bier trinken mach ich mir nur Sorgen einen Bierbauch zu bekommen oder Alkoholiker zu werden. Und ich gehe rücksichtsloser durch Menschenmassen. Inspiration bringt mir das leider nicht. (Vielleicht sollte ich mal ein Lied über das Älterwerden und im speziellen: Angst vor einem Bierbauch schreiben. Das wäre mal was. Und da ich doch auch bald 20 bin, ist es vielleicht eine gute Zeit um mit den Liedern übers Älterwerden anzufangen.). Bleibt noch das Warten…
Vorhin gerade ist es passiert! Unter der Dusche. Ich dachte darüber nach, was ich denn alles zu tun habe und was ich tun könnte. Und da fiel mir auch dieser Text wieder ein. Und ich dachte an die Schreibblockade. Und dann dachte ich, dass es doch eigentlich ein gutes Thema wäre. Und nun sind es schon fast 500 Wörter darüber, dass ich nichts schreiben kann. Jetzt also nicht groß mit Fragen aufhalten "Warum funktioniert das jetzt?“ und „Moment, jetzt hab ich doch einen langen Text geschrieben… aber wie fülle ich jetzt die letzten 100 Wörter und kriege noch die Kurve zu etwas wirklich Gehaltvollem?", einfach weiter schreiben.
Und doch noch eine kluge Erkenntnis zum Schluss und ein bisschen ein Ratschlag, damit ihr auch was davon hattet euch durch diese Kolumne zu lesen: Gedanken sind oft mehr im Weg, als dass sie einen weiter bringen. Manchmal hält das Nachdenken einen zwar davon ab, dumme Dinge zu tun, aber man verpasst manchmal auch einiges. Man muss immer versuchen, sich an einem guten Gedanken festzuhalten, sich nicht von dem ganzen anderen Gedankenwirrwarr ablenken zu lassen und den Gedanken zu Ende bringen.
Text: Martin Konvicka
illustration: heiko windisch
Diverse Interpreten [Schubfladen #1]
Was zunächst sehr nach Computer Nerdism klingt, ist es tatsächlich auch. Dennoch macht die 8-bit Musik, wie sie unter anderem gerade auf dem vorliegenden Sampler veröffentlicht wurde, eine sehr gute Figur.
"we built this gameboy on rock 'n' roll!."
(schubfladen pressetext)
Auf dem Cover der stilvoll als 7" erschienenen ersten Veröffentlichung des jungen Musikfladen Labels rast die kleine, pixelige Koopa Troopa Schildkröte aus dem Konsole Spiel Super Mario Kart den gepflasterten Platz am Lüneburger Sande hinab. Ein wenig Lokalpatriotismus darf man sich durchaus zugestehen, ist die alte Handwerksstadt doch eine kleine Hochburg was den liebevollen und enthusiastischen Umgang mit den 8-bit Chips anbelangt. Die vier darauf befindlichen Titel stammen dann jedoch aus ganz Deutschland und sind überraschend ambitionierte Elektropop Stücke die, Mal mehr Mal weniger, zum Tanzen auffordern. Gerade das erste Stück des Samplers Ninja Kornjace begeistert mit seiner Melange aus elektronischen Melodien, den überraschend groovenden C64 Beats und der wunderbaren Stimme von Natalie Kerkez, die auf Kroatisch die Geschichte einer Ninja Schildkröte erzählt. Julian Schmidt, der Kopf hinter der One-Man-Army A Boy And His SID, verwendet maßgeblich den alten Commodore 64 und "führt vor, dass der Sidchip auch heute kräftig nach vorne gehen kann", wie nicht nur der Pressetext zu berichten weiß. Aber es ist noch mehr als das liebevolle Zugeständnis an einen Computerfrickler; der Song ist ein wunderbares, leicht ins Ohr gehendes und dennoch keinesfalls plattes Stück Elektropop.
Das Musikfladen Label – der Name ergab sich aus einer Assoziation aus der von 1972 an über zwölf Jahre ausgestrahlten Fernsehsendung Musikladen, und der Formschönheit von Vinylplatten – entstand wie so oft aus der Not heraus, um sich in einer Tugend zu äußern. Nach zahlreichen Live Darbietungen zwischen Lüneburg und Brüssel konnte sich die 8-bit Musik für eine kleine Szene etablieren, und die Nachfrage nach Veröffentlichungen wurde größer. "Dass ein Release gemeinsam mit anderen Bands, die man im Laufe der letzten eineinhalb Jahre kennen lernte noch viel sympathischer und spannender sein würde, stand außer Diskussion. Mein Wunsch war es schon seit Jahren, irgendwann ein kleines, feines Plattenlabel zu gründen. Nicht aus kommerziellen Gründen, sondern weil es irgendwann für mich einfach die logischste Konsequenz aus 15 Jahren Musiker Dasein ist; entweder aufhören und Erwachsen werden oder einen Schritt weitergehen und einfach mal schauen, was so passiert", erklärt Labelgründer Mike Witschi, auch Teil der auf dem Sampler vertretenen Naomi Sample & the Go Go Ghosts. Mit firestARTer aus Wuppertal ist auf "Schubfladen #1" eine Größe der Micromusik Szene vertreten, der sich besonders durch Hardware Erfindungen, wie dem SidSyn – einer Midisteuerung für C64 und Gamboy – einen Namen gemacht hat.
Das Label selbst zeichnet sich durch seine Non-Profit Attitüde aus, denn das eingenommene Geld des ersten Release wird direkt in die Folgeprojekte investiert. Man erhofft sich auf diese Weise innovativen Künstlern eine Plattform zu bieten, welche "Lüneburg und dem Rest der Welt eine Prise mehr aus einer kleinen kulturellen Nische beschert, dem 8-bit Rock 'n' Roll".
Bei den zukünftigen Veröffentlichungen, so erklärt uns Witschi, wird sich Musikfladen nicht ausschließlich auf die 8-bit Szene beschränken, diese aber dennoch weiter im großen Stil bedienen. "Der zweite Schubfladen wird beim 8-bit-Sound bleiben, sich jedoch etwas deftiger präsentieren; Naomi Sample wird ohne seine Go Go Ghosts einen Song releasen, den er einst für seinen Großvater schrieb. Dieser Lo-Fi Punk Song und drei weitere rockigere 8-bit Stücke werden den zweiten Fladen schmücken."
foto: musikfladen/martin boehnert
diverse interpreten
"schubfladen #1"
musikfladen 2005 7"
Decibully [Sing Out America]
Der arg konstruierte, und in unseren Gefilden zunächst auf fragende Gesichter stoßende Name, lässt zunächst auf etwas ganz anderes schließen, als sich tatsächlich dahinter verbirgt.
"i left home with the rising sun, if i ever find my way back home, i'm gonna tell you."
(i'm gonna tell you)
Die Bilder amerikanischer Vorstädte, mit ihrer organisierten Anonymität zeugen von einer Tristess, die bisweilen auch in den Stücken des Septetts wieder zu finden ist. "Sing Out America!" scheint hier als eindeutiger Ratschlag gemeint zu sein. Der Titel der Platte und der Name der Band thronen fragmentiert wie Wolken über der wenig überzeugenden Idylle. Akustisch setzt sich die Musik aus elektrischen und akustischen Gitarren, verbunden mit dem Klang von Rhodes, Lap Steel Gitarren, Banjo, zahlreicher Perkussion Instrumenten und einer verspielten, ideenreichen Rhythmussektion zusammen.
Im Herbst 2001 gründete sich die Band um die Multiinstrumentalisten William J. Seidel, W. Kenneth Siebert und Nick Westfahl. Auf unzähligen Touren wurde die Band immer weiter ausgedehnt, zunächst zweckdienlich, um die aufgenommenen, mit einer Vielzahl von Overdubs arrangierten, opulenten Stücke auch live umsetzen zu können, um dann schließlich 2002 ihr Debüt Album "You Might Be A Winner, You May Ba A Loser, But You’ll Always Be A Gambler" selbst zu veröffentlichen. Das gerade veröffentlichte dritte Album bewegt sich zwischen eingängiger Melodieführung, Experimetierfreudigkeit, politischer Aufgeklärtheit und blasierter Verspieltheit. Selbstverständlich darf bei einem gewählten Titel wie dem hiesigen, eine gewisse gesellschaftliche Kritik nicht fehlen. Decibully suggerieren dies mit ihrem Stück Notes For Our Leaders recht plakativ. "Sidewalk chalk writers leave notes for our leaders / Who cover our eyes with candy and bubblegum", singt Seidel zu Beginn des Stückes. "Welcome to the states / Here is a flag and a minimum wage / Be grateful for what you’re given."
Decibully überzeugen genau dann, wenn sie sich auf ihre Stärken berufen. Ein siebenköpfiges Ensemble sollte sein Hauptaugenmerk auch auf diese Besonderheit legen. In Stücken wie I’m Gonna Tell You, dem Opener des Albums, kann es nicht offensichtlicher sein. Ein breiter Klang, pointiert durch die betörend verspielten Klänge des Banjos ebnet dem androgynen Gesang von William J. Seidel den Weg, sich in einem melancholischen Stück Weltschmerz zu verlieren. Überall strömen neue Klänge empor und vermischen sich im Höhepunkt des Stückes zu einem eruptiven Ganzen, bevor es nach fast fünf Minuten ausklingt und Handclaps in das zweite Stück hinüber klingen. Megan & Magill, ein mit treibenderem, Snare betonten Schlagzeug nach vorn zielendes Mittempo Stück glänzt durch eine verspielte Aufnahmetechnik. Die sieben Herren haben das Stück gleich zweimal aufgenommen und die Tonspuren jeweils auf den linken bzw. rechten Ausgang gelegt, was dem Stück einen spannenden Stereo Mix verleiht. Ein intelligentes und kreatives Gespür für Melodien steckt in einer vielzahl der zehn Stücke.
Die Band verliert jedoch mit jedem Song, bei dem man sich auf das Basis Songwriting einer dreiköpfigen Band konzentriert, und die weiteren Instrumente nur hier und da wie eine kleine Beigabe wirken, obgleich das Album, so weiß der Pressetext zu berichten, das erste ist, welches von dem Septett gemeinsam geschrieben wurde. Die erste Single etwa, das eingängige Penny, Look Down ist leider nicht mehr als eine gewöhnliche Pop Rock Nummer, die zwar verspielte Ideen aufweist, aber im großen und ganzen auch ohne Rhodes und Banjo auskommen würde, ohne dass dies das Stück maßgeblich beeinträchtigen würde.
Überraschen und polarisieren - und hierbei ist sich der Autor noch nicht ganz seiner Position sicher – dürfte keineswegs das Stück Temptation, ein acapella vorgetragener Bastard aus Beach Boys Ballade, Gospel Versatzstücken und mehrstimmigem Gesang, der in einem selbstironischen Gelächter endet.
Ein ausgewogenes, repräsentatives Album ist der Band mit "Sing Out America!" fraglos geglückt, welches mit mehr Mut zur Abstraktion gewiss mit Ausnahme Bands wie den Norwegern Jaga Jazzist oder den Kanadiern Broken Social Scene schritt halten könnte, denn die Ideen und auch das Potential für einen solchen Schritt stehen den Nordamerikaner ohne Frage zur Verfügung.
foto: chris strong
decibully
"sing out america"
polyvinyl records 2005 cd
decibully
Naked Lunch [Wiesbaden, 02.04.2005]
Die Österreicher Naked Lunch zelebrieren ihre eigene Vergangenheit und unterstreichen, dass auch ein steiniger Weg in eine positive Gegenwart führen kann.
(first man on the sun)
Doch zunächst betritt der österreichische Songwriter Florian Horwath die Bühne des gut gefüllten kleinen Saals im Wiesbadener Schlachthof. Seine Band besteht aus einem Gitarristen und einem Drummer, er selbst greift mal zur Gitarre, mal zum Tambourin. Die Songs klingen zunächst in klassischer Songwritermanier, sind jedoch von zu vielen Brüchen durchzogen. Es sind unaufdringliche Spielereien, die kaum Spannung aufbauen und teilweise etwas konzeptlos erscheinen. Florian Horwath versucht, die Musik in körperliche Posen umzusetzen, was einen Zuhörer zu der Aussage veranlasst, auf der Bühne stehe wohl der leibhaftige Jesus. Tatsächlich haftet seinen artifiziellen Gebärden auch etwas Spiritualität an, ein Schweben in anderen Sphären, dennoch scheint ein roter Faden besonders auf musikalischer Ebene zu fehlen. Das Publikum zeigt sich nichtsdestotrotz begeistert von dieser mystischen Atmosphäre und honoriert es dementsprechend.
Kaum kontrastreicher könnte da der Auftritt von Quasi sein. Das Keyboard von Sänger Sam Coomes liegt noch eingefasst in einem Transportcase aus Holz, auf dem Fragile Musical Instrument gestempelt steht. Doch das Duo aus Portland/Oregon rumpelt und scheppert durch das dreißigminütige Set, als würde es kein Morgen geben, von Zerbrechlichkeit keine Spur. Zu Beginn ist der Sound sehr mäßig, das Keyboard und der Gesang gehen zunächst in einem Schlagzeuginferno völlig unter, was sich aber im Laufe der Zeit bessert. Drummerin Janet Weiss, die ansonsten bei Sleater Kinney die Stöcke schwingt, versprüht grenzenlose Energie, die Dynamik des Spiels und der kraftvollen Bewegungen ist mitreißend. In minimaler Besetzung lassen die Beiden krachige Soundwände entstehen. Irgendwo im Schrammeluniversum zwischen schrägem Keyboard und polternden Drums machen Quasi klar, dass es weder Gitarre noch Bass bedarf, um ordentlich zu rocken.
"Picture yourself in a room with no one left to talk to..."
Zunächst allein und mit gesenktem Haupt betritt Oliver Welter die Bühne, symbolisch für all das stehend, was Naked Lunch in den Jahren ihrer Existenz durchlitten haben. Einsamkeit und Schmerz vermittelt dieses Bild, das mehr als nur eine Pose ist. Es kommt aus dem tiefsten Innern und ist stark durchdrungen von einer Geschichtlichkeit, welche zu einem essentiellen Fixpunkt geworden ist, um den sich die Musik nun dreht. Wunderbar fügt sich da die Band nach den ersten beiden solo gespielten Stücken in die Atmosphäre ein. In blaues Licht gehüllt, welches sich in einem Alufolien-Vorhang an der Rückwand spiegelt beginnt ein Set von großer Intensität, eine Leidensgeschichte wird erzählt, jedoch ohne in aufmerksamkeitshaschenden Pathos zu verfallen.
"Not the slightest chance of relief, no escape, he's paralyzed..."
Langsam wird ein großer Spannungsbogen aufgebaut, der sich in auch in Instrumentierung und verstärkten Bewegungen auf der Bühne widerspiegelt. Der Sound nimmt im Laufe der Zeit eine kräftigere Gestalt an, immer wieder verlieren sich die Stücke in breiten Klangteppichen, um anschließend wieder in eine weiche Fragilität zurückzukehren. Stärker noch als auf den Studioaufnahmen wird hierbei die künstlerische Verwandtschaft mit Weilheim offenbar, Soundschnipsel und sanfte elektronische Beats werden bei Stücken wie Man Without Past oder Lost It All von der spielerischen Facette zu einem bestimmenden Element umgewandelt. Gleichzeitig löst sich die Band langsam aus ihrer geistigen Blase der Einsamkeit, die Stimmung des Publikums wird aufgenommen und Oliver Welter kommuniziert zunehmend gelöst. Wie in dem Video zu Stay erklimmen Naked Lunch einen imaginären Berg, diesmal scheitern sie jedoch nicht. Jeder Schritt wird einfacher und als der naked lunch Wolkenschleier schließlich durchbrochen ist, gibt es kein Halten mehr. Nach nur 45 Minuten erreichen sie mit Solitude bereits den ersten Gipfel, eine riesige Soundwand wird aufgeschichtet und fällt abschließend in sich zusammen, nicht mehr als ein zartes Keyboardsample hinterlassend.
"Stay here, let your love come over."
Immer stärker nähern sich die Band und das Publikum in ihrer musikalischen Wahrnehmung, die Zuhörer werden aus der Beobachterrolle in ein selbstbewusstes Mitfühlen gedrängt. So bittet Oliver Welter um einen Applaus für Scott Walker, bevor dessen Klassiker The Sun Ain’t Gonna Shine Anymore als zweite Zugabe gespielt wird. Mit dem Verweis auf den Zeitdruck durch eine nachfolgende Tanzveranstaltung wird zum scheinbaren Abschluss First Man On The Sun gespielt, doch zuletzt zwingt der frenetische Applaus des Publikums die Band ein letztes Mal auf die Bühne. Naked Lunch sind wieder angekommen im Leben, doch der Boden der Tatsachen erweist sich dieses Mal offensichtlich als ein weicher Untergrund.
"Lay down cause you know it will last."
foto: kwentin
naked lunch
florian horwath
quasi
schlachthof wiesbaden
