"hope to forget things that were sad."
(gregor samsa, du meine leise)
„The manifesto is, there is no manifesto", erklingt die Stimme von Sänger Tomas Torsson aus einem Diktiergerät und säumt mit dieser kryptischen Formel Beginn und Ende des mit Soundeskapaden, Bläser- und Streicherarrangements, sowie drangsalierten Gitarrenwänden überbordende Två (schwedisch: zwei), dem einzigen Stück des Albums, welches in der Muttersprache betitelt ist. Doch das Stück gibt die Richtung vor, welche die anderen Kompositionen gehen werden. Mäandernde Sounddrones und sich oft minutenlang haltende Klangwände stehen Momenten melancholischer, an Weltschmerz grenzender Inszenierungen der Zerbrechlichkeit gegenüber. Das alte Spiel zwischen pianissimo und forte fortissimo ist vermutlich älter als die Musiker selbst, doch wissen auch sie die Fragilität eines Glockenspiels und gehauchter Gesangslinien mit der Wucht stakkatoartig gespielter Gitarren zu kontrastieren. Die sich hieraus ergebende Dynamik ist letztlich das wesentliche Charakteristikum der Band.
Das ist alles nichts Neues und kann in musikhistorischer Hinsicht deshalb sicherlich als belanglos übergangen werden. Doch würde man dem Quintett damit überhastet Unrecht tun. Die Spielwiese des Postrock eröffnet auf der einen Seite einen hohen Grad an individueller Freiheit, die sich aus dem Loslösen und Überwinden veralteter Strukturen ergibt. Doch scheint sie gleichzeitig ihrerseits eine bestimmte Herangehensweise zu oktroyieren, die sich aus der Rezeption der stilprägenden Künstler ergibt. Auch EF stehen in Kontext und Tradition von My Bloody Valentine, Godspeed You! Black Emperor oder Mogwai. Und während sich die beiden Erstgenannten vielleicht aufgrund der Gefahr steter Reproduktion ihrer selbst auflösten – oder in einer unbestimmten Schaffenspause befinden, wie man will – mahnt man gerade letztgenannten an, dass sie eben jenes alte laut/leise Spiel, welches sie doch auf unübertroffene Weise auszeichnete, nicht mehr ausführlich genug bedienen. Der Hunger nach eben jener direkten emotionsgeladenen Songstruktur scheint also weiterhin zu bestehen, und für all jene, die nach dieser Spielweise dürsten, bieten EF ein gelungenes Konzept. Der Aspekt der proklamierten Verantwortlichkeit im Albumtitel ließe sich auf diesen Gedanken strapazieren, doch steht er sicherlich weniger im Kontext dieser Meatebene, als vielmehr im hermeneutisch verschlossenen Kosmos der Band selbst. „The manifesto is, there is no manifesto."
Das Moment der Entschleunigung, die zeitlupenhafte Entfaltung der einzelnen Stücke hingegen haben sich verstärkt. „Rest" setzt, seinem programmatischen Titel alle Ehre machend, da an, wo Stücke wie Loud And Clear oder We'll Lean That Way Forever vom genannten Vorgängerwerk noch fragmentarisch im Hintergrund blieben. Die eruptive Wucht solcher Kompositionen wie Young And Old - dort eben bereitet durch Gitarre und Schlagzeug - ist auf dem Zweitwerk wenn überhaupt, vielleicht schemenhaft im zentralen Stück Jeroen Van Aken wiederzufinden, bei dem Bennett und King mantraartig die Formel „All things come and go, but we won't, no we won't break" beschwören; Wenngleich beschwören die dezente, zaghafte Intonation der beiden bei weitem übertreibt. Oder in First Mile, Last Mile, dem zunächst von einem marschartigen Schlagzeugrhythmus – auch dieses Instrument eine Seltenheit auf dem neuen Werk – getragenem Stück, welches sich im Verlauf in verzerrte Rückkopplungen entlädt und welches sicherlich einen Bruch, einen bewusst gesetzten Makel im Gesamtwerk darstellt. Die Dichte in der Entwicklung der anderen Stücke wird hingegen allein durch den voluminösen Einsatz von unterschiedlichen Streichinstrumenten, Piano, Celesta, Melotorn, Klarinette, Vibraphon und manch unkonkretem elektronischen Klang erzeugt. Kaum etwas scheint noch im Vordergrund zu stehen, alles wird zu einer Gesamtheit, einer Vielheit im Hintergründigen verortet. Alles bleibt Unbestimmt, Schwebend und doch bewahren sich Gregor Samsa in ihren Arrangements mit kleinen Unstimmigkeiten, Dissonanzen und Rauschen im Detail immer wieder davor, ins rein elfenhaft Verkitschte abzudriften. So geben sie sich am Ende zwar mit gelungen großer Geste versöhnlich, wenn sie mit dem schon fast kindlich naiven Du Meine Leise sonnenuntergangsgleich ihr Album beschließen, doch bleibt der verzückende Ausklang des Märchens im Detail trotz vordergründiger Streicherharmonien, mehr im Stile eines Lemony Snicket oder Philip Ardagh. Die unzufriedene Beklemmung, das unartikulierte Unbehagen bleiben bei Gregor Samsa stets mitgedacht.
foto:
"i am responsible"
and the sound records 2008 cd
ef
gregor samsa
"rest"
own records 2008 cd / lp
gregor samsa
EF [I Am Responsible] / Gregor Samsa [Rest]
Mit [Coda]
(gebaut)
Warum hat es mit "Coda" so lange gedauert? Wolltet ihr alles richtig machen oder habt ihr einfach auf den richtigen Moment gewartet.
Tamer: "Da wir immer viel unterwegs waren, hatten wir nie die Zeit uns Gedanken über ein Album zu machen. Man kann schon sagen, dass wir es ein wenig vor uns her geschoben haben. Als wir dann letztes Jahr in die Gewölbe des Kölner Hauptbahnhofs eingeschlossen wurden entstand 'Coda'".
Eure Musik ist relativ ortsungebunden: man liest viel von euch in englischen Blogs, außerdem habt ihr in Japan bereits ein Album veröffentlicht. Hattet ihr nicht Angst, dass ihr im Ausland auf taube Ohren stoßen würdet?
"Da wir nie beabsichtigt haben ins Ausland zu gehen, hatten wir keine Erwartungen. Wir waren natürlich schon sehr erschrocken als erste Anfragen aus England kamen und wir das erste Mal (2 Monate nach Bandgründung) dort spielen sollten. Jetzt ist es so, dass wir regelmäßig in England spielen und wir schnell gemerkt haben, dass wir uns nicht auf Deutschland beschränken wollen."
Wie ist das Label in Japan eigentlich auf euch aufmerksam geworden? War das wieder dieses kosmopolitische Myspace-Phänomen: 'Ey, eure Musik klingt spitze, kommt doch mal vorbei und spielt in einem unserer Clubs und wir sorgen dafür, dass man euch auch zuhört?'
"Vor ungefähr einem Jahr hatten wir eine E-Mail vom unserem Bekannten und sehr geschätzen Label rallye/Klee aus Japan im Postfach. Es ging um ein Album-Release in Japan. Natürlich stimmten wir sofort zu."
Der erste Durchlauf von "Coda" erzeugte bei mir auf der einen Seite ein warmes Wohlbefinden im Ohr, aber gleichzeitig hatte sich im Gegensatz zu den EPs auch so viel verändert. Ist das nach all der Aufregung eine große Verweigerungshaltung à la Von Spar oder eher eine längst fällige Weiterentwicklung eures musikalischen Ansatzes?
"'Coda' ist für uns der Stand der Dinge. Als wir im Sommer anfingen das Album zu schreiben war uns schnell klar, dass wir keine Lust mehr hatten für uns alte Songs weiterzuführen. Das war nie unsere Idee. Wir haben bisher immer so gearbeitet. Man muss sich von Dingen lösen können. Wir hören uns jetzt eben anders an als vor 2 Jahren. Komisch, dass es verwundert. Wir tragen auch nicht zwei Jahre dieselben Hosen."
Wie wichtig sind Brüche oder Veränderungen in eurem musikalischen Schaffen?
"Brüche bedeuten mir nicht viel. Wenn man sich entscheidet, die Musik zu verändern, passiert es eben. Es geht ja noch immer um uns: Edi, Tamer und Felix. 2008 ist 'Coda' und 2009 ist 'Coda' vielleicht schon alt."
Wie sehr definiert ihr euch über eure Texte?
"Texte sind für uns Mittel zum Zweck. Wir haben schon früh gemerkt, dass wir die Stimme als Instrument nutzen wollen. Thematisch gibt es sicherlich einen bestimmten Rahmen in dem wir uns bewegen."
Und diesen Rahmen gibt es mit Sicherheit. Thematisch erzählt "Coda" in vielerlei Hinsicht von der Großstadt und ihren Menschen. In kleinen Worthülsen spiegelt sich so alles Gelebte wieder: von der schieren Unmöglichkeit der Möglichkeiten, bis hin zu dem Gefühl der Zeitlosigkeit des urbanen Lebens. Und obwohl Tamer von MIT das Stadtleben als "unser Leben" bezeichnet – als Sinnbild des Gegebenen – so schwingt dennoch eine klare Widersprüchlichkeit in den Worten Edis. Ein Widerspruch zwischen dem Verdruss und der Auflehnung des Einzelnen. Diese Gegensätze finden sich in nahezu jedem Song auf "Coda". Während in Park und Genau An Diesem Abend von Menschen die Rede ist, die halbverloren in Straßen und Clubs umherirren, weist Edi in Gebaut sogar auf einen Individualitätsverlust hin: "nirgendwo kein Stück blau, wir werden neu gebaut". Im Laufe des Albums verfestigen sich diese Ansätze zu einem bunten Flickenteppich von Stadtimpressionen. Es scheint sogar, als ob die Stadt zum eigentlichen Protagonisten von "Coda" wird.
Doch vielleicht ist das zu viel des Guten, zu viel Beiwerk, zu viel Interpretation. Was bleibt ist "Coda": ein wirklich ausgereifter Erstling, der gleichzeitig viel gibt und doch nicht viel verlangt. MIT haben alles richtig gemacht und legen so mal eben frei aus der Hüfte die Messlatte für intelligente elektronische Musik ein wenig höher.
foto: lukas hoffmann
mit
"coda"
haute areal 2008 cd
mit
Ton [Wir Haben Die Zeit Sie Uns Zu Nehmen]
(ich bin bereit)
Rückblick bitte, zurück zu meinem Geburtstag vor wenigen Wochen. Ich wollte nicht feiern, denn wozu soll man ein weiteres Jahr begießen, in dem man nichts erreicht hat und im Grunde genommen war mir vollkommen egal was passiert, als ich an diesem Morgen in der Wohnung von Stefan und mir aufwachte. Egal war mir auch, dass es übertrieben ist, sowohl von Morgen als auch von Wohnung zu sprechen. Stefan und ich hatten vom Sozialamt ein Plattenbauzimmer zugewiesen bekommen. Mieser Geruch, undichte Fenster, Schimmel in den Ecken vom schlechten Lüften, aber wenigstens einen Platz für Matratzen und die Stereo-Anlage, die wir vor einigen Monaten im Sperrmüll gefunden hatten. Wir lebten die Geschichte, die in den 90ern jeder Punk als Lebenslauf angab, aber es bis zum Schluss keiner wirklich durchgehalten hat: Haare gefärbt, Ausbildung abgebrochen, von zu Hause rausgeschmissen worden, Steine geschmissen, Anarchie, Rebellion, Alkohol, Straßenleben.
Stefan hieß zu dieser Zeit noch Grütze, doch heute steht auf den Briefumschlägen vom Arbeitsamt nur Herr Schneider als Empfänger. Von der damaligen Zeit ist nichts mehr geblieben. Das klingt jetzt wie Altenheim, Opa denkt noch einmal an die guten alten Tage, doch wenn man es so sieht, hatten wir erst gar keine guten Tage.
Grütze, also Stefan, stört das nicht. Er liebt es wie wir wohnen und leben. "Ist doch knorke, quasi der Höhepunkt unseres Lebens", gibt er immer lauthals zu Wort und verschweigt, dass er sich das alles auch irgendwie anders gedacht hat. Wir lernten uns damals bei der Ausbildung im Hotel Sternlieg kennen: Berufsziel Koch. Stefan hatte Talent und hätte es zu etwas bringen können, aber dann erfuhr er, dass ihn seine Freundin mit Thomas, unserem Ausbildungsleiter, betrogen hatte und drehte durch: Faust und Gesicht, in der Ausbildung eine unpassende Kombination. Natürlich wurde ihm fristlos gekündigt und Stefan lernte die Punk-Musik zu schätzen, die ihm in dieser Zeit den Hass auf die Welt erklären konnte: Slime, Daily Terror, Razzia, und alles, was sonst damals noch einen Namen hatte. Vielleicht war mein Fehler damals, dass ich dachte, ich könnte Stefan noch zur Vernunft bringen, denn auf einmal stand ich selber mit Nieten-Lederjacke und grün-rot gefärbtem Irokesen auf den Konzerten. Die Ausbildung ließ ich schleifen, weil man eh keinen Teil dieses "Scheißsystems" werden wollte und nach ein paar Wochen wurde auch mein Vertrag fristlos gekündigt.
Nun sitze ich an meinem Geburtstag auf der Matratze in unserem Höhepunkt-des-Lebens-Zimmer, neben mir hockt meine Freundin Jenny und wartet gespannt darauf, dass ich ihr Geschenk auspacke. Jenny ist klasse, sie ist Studentin und mein gutes Gewissen, quasi. Wir haben uns damals in der S-Bahn kennengelernt, als Stefan betrunken rumgepöbelt hat und sie die Einzige war, die sich ihm in den Weg stellte. Ich fand es beeindruckend, denn so etwas hätte ich mich nicht getraut. Irgendwie kamen wir dann ins Gespräch und ein paar Verabredungen später waren wir zusammen. Natürlich ist sie Stefan ein Dorn im Auge, weil sie seine Machtspiele durchschaut, aber er erträgt es, unserer Freundschaft wegen.
"Jetzt mach doch schon. Pack es endlich aus!", stichelt sie von der Seite und reißt mich aus den Gedanken. "Ist ja gut", murre ich zurück und öffnet das rot-weiß gestreifte Geschenkpapier. Es ist eine CD und ich muss lächeln, denn ich mag es, wenn Leute mir Musik schenken und sie weiß es auch. Ton - "Wir haben die Zeit sie uns zu nehmen" steht auf dem Cover, das geziert ist von drei Herren in einem Landschaftspanorama der etwas gefühlsdrückenden Art. Ich gebe Jenny schnell einen Kuss, schmeiße die Platte sofort in die Stereo-Anlage und begrüße die ersten Worte, die mir aus den alten Boxen entgegen schallen: "Ich fühl mich wie Altpapier, beschrieben und doch nicht mehr für irgendetwas gut". Ich blicke zu Stefan, der sofort die Miene verzieht und im selben Moment erschrocken die Augen öffnet: "Moment mal. Jetzt weiß ich auch, woher ich die Stimme kenne. Das ist doch der Sänger von den...ach, wie heißen die noch? Diese Pop-Punk-Scheiße damals. Moment. Wohlstandskinder. Ja, genau. Das ist der Sänger von den Wohlstandskindern!" Während Stefan dies sagt, fällt mir auch auf, dass es Tobias Röger ist, der dort in den Boxen sitzt und ich laufe zu Jenny, um sie zu umarmen. Während einer unserer ersten Verabredungen hatte ich in einem Plattenladen mal erwähnt, dass ich die Wohlstandskinder mag und vermissen würde, seit sie sich 2005 getrennt haben, denn damals haben mir Songs wie Die Gedanken sind frei und Klischee eine gesunde Alternativen zum öden Anarchie-Punk-Haushalt geboten. Doch das Wichtigste ist, dass sie sich an das alles erinnert hat.
"Das Geheule kann sich doch keiner anhören. Ich bin mal raus, bis später", höre ich Stefan sagen und danach nur noch die Tür ins Schloss fallen. Jenny und ich haben uns unterdessen auf die Matratze gelegt und reden, während sie mit dem Kopf auf meiner Brust liegt und die CD ein zweites Mal in der Anlage rotiert. Wir reden einfach nur, über meinen Geburtstag, mein Leben, ihr Leben, ihr Studium und die Musik. Sie erklärt mir, dass Ton nicht nur Tobias Röger von den Wohlstandskindern ist, sondern er mit seinen alten Freunden Philipp Kostka am Bass und Christoph Zipper am Schlagzeug dieses Album aufgenommen hat. Sie hat im Plattenladen direkt an mich denken müssen, als sie es sah und ihr gefällt es dazu noch. Mir auch. Es hat zwar alles einen melancholischen und pathetischen Beigeschmack, Hamburger würden es wahrscheinlich sogar als befindlichkeitsfixiert betiteln, doch es ist ehrlich. Ich glaube jede Silbe, die Tobias Röger singt und das konnte ich lange bei keinem Sänger mehr.
Die nächsten zwei Wochen höre ich nur noch das Album, was Stefan komplett zur Weißglut bringt. "Was willst du eigentlich mit dieser Pop-Scheiße? Ok, das Lied, in dem er über Berlin singt, ist in Ordnung. Also das, wo er singt, dass er keine Lieder mehr über Berlin hören kann. Ist ja auch eine Drecksstadt. Ach, und dieses Angebot-Lied, in dem er die ganzen Kommerz-Werbesprüche aufzählt. Das geht auch, aber der Rest ist doch nur Gefühlsdreck", mault er rum, "wenn Du den Kram wenigstens hören würdest, um Jenny flachzulegen, wäre es ja in Ordnung, aber das will doch eh keiner". In dem Moment blicke ich ihn wütend an, hole die CD aus der Anlage, während die Zeilen "Ich finde es schade, dass du dich versteckst, hinter einer Fasse, wo dich kein Mensch entdeckt" noch für einen kurzen Moment in der Stille des Raumes stehen, greife meinen Rucksack und schlage die Tür mit einem "Arschloch" auf den Lippen hinter mir zu. "Es ist soweit. Du wirst es tun", murmel ich vor mich hin, während ich die letzten Stufen im Treppenhaus beinahe schon stolpernd hinter mich bringe. Jenny hat mich gefragt, ob wir zusammenziehen und ich habe bisher noch nichts Genaues dazu gesagt. Ich konnte es zu dem Zeitpunkt einfach noch nicht. Zu dick war die Seifenblase um mich herum gewesen, die in letzter Zeit immer dünner geworden und nun endgültig geplatzt ist. Endlich fühle ich mich bereit dazu. Doch kurz bevor ich die Bushaltestelle erreiche, packt mich eine Hand an der Schulter und reißt mich herum. Stefan steht mit hochrotem Kopf und pulsierender Halsschlagader vor mir. "Ey, Arschloch! Was denkst du eigentlich, wo du hin willst? Verkriechst du dich zu deiner Schlampe?", brüllt er mir entgegen. Ich weiche einen Moment zurück, fasse mich jedoch wieder und nehme den Mut zusammen, den mir der Blick auf die Zukunft endlich wieder macht: "Lass es bleiben, Stefan. Du hast mich schon zu lange vom Leben abgehalten und Jenny hat es endlich geschafft, dass ich das auch einsehe. Punk IS dead und unsere Freundschaft auch!"
Wäre das hier ein Film, müsste es nun einen ultramodernen Schnittmoment geben und alles zum Anfang dieser Geschichte zurückgedreht werden, während man sieht wie Stefan die Wut überkommt, er die Fäuste ballt, zuschlägt und leise im Hintergrund meine anfänglichen Worte zu hören sind. Doch dies ist kein Film und leider läuft alles schneller ab, als ich es mir gewünscht hätte.
Stefans Faust trifft mich mitten ins Gesicht und obwohl ich merke, wie meine Beine schwach werden und mein Körper für einen Moment aufhört dagegen anzukämpfen, habe ich nur Tobias Rögers Gesang im Ohr: "Bereit für ein neues Leben, bereit für ein den neuen Start. Ich bin bereit zu fliegen, nur der Aufprall wird hart". Und was macht schon ein harter Aufprall aus, wenn das gute Leben endlich an die Tür geklopft hat...
foto: ton
ton
"wir haben die zeit sie uns zu nehmen"
bonnboommusic 2008 cd
ton
Laura Imbruglia [Laura Imbruglia]
"i'm all out of faith / this is how i feel
i'm cold and i am shamed / lying naked on the floor"
(natalie imbruglia, torn)
Laura singt und schwitzt neben ihrer Backing-Band – im Trio. Auf ihrem selbstbetitelten Erstlingswerks huldigt sie nicht nur der klassischen Schrammelgitarren-Fraktion, sondern entwirft ihre eigene Formel aus Folk, Punk und einer Brise Selbstironie. Besonders letzteres wird zum Faszinosum der Platte und ergießt sich in Kaskaden über den Hörer. Laura hält sich den Spiegel vor das Gesicht und erzählt surreale Geschichten aus ihrem Leben, von verrückten Wissenschaftlern und den spätestens seit "Donnie Darko" in der Popkultur angekommenen Kaninchen-Mythos.
„I had a trolley full of carrotts
and started looking for a rabbit.
I passed a guy whose eye was cabbaged,
and searched his unattended baggage."
Nicht nur Looking For A Rabbit ist ein Beweis für Lauras unübertreffliche Fantasie, die Liste lässt sich beliebig fortsetzen. Sie macht keinen Unterschied zwischen Kopfsalat und Anarchisten (Lettuce And Anarchists). Alles hat seinen Platz und wird Teil ihrer Fantasiewelt.
Doch reicht der Hang zur Selbstironie leider nicht aus, um auf der ganzen Linie zu überzeugen. My Opus beispielsweise ist der augenzwinkernde Versuch in psychedelische Nostalgie abzudriften und verliert sich in cheesigen Melodien und belanglosen Themen. So hart wie es klingt, aber „It’s getting worse". Leider hält der Song, was er verspricht und spätestens mit „Hurt my feelings" zuckt der Finger und sucht die Skip-Taste.
„An insignificant other? Tell me and I’ll put on a mask."
Und während Laura im Wunderland immer noch auf der Suche nach dem entschwundenen Kaninchen ist, drängt sich spätestens beim zweiten Hördurchgang ein kleiner Schimmer von Banalität in die noch entzückten Gehirnwindungen. Es war doch alles so sympathisch? Die schroffe Art, die lustigen Texte, der Hang zum Dilettantismus – alles Dinge, die man heutzutage zu schätzen weiß. Es sind vor allen Zeilen wie: „I sense impending doom is being signified. I don’t need doom, I need apple pie" (My Opus), über die man stolpert und einfach nicht darüber hinweg kommt. Sicherlich ist der Reiz von surrealistischen Texten und sinnentleerten Textphrasen nicht auszuschließen, aber es kommt immer auf die Umsetzung an und die wird in diesem Fall wie ein D-Zug gegen die Wand gefahren. Was übrig bleibt ist das Kondensat von drei Songs für die auch allemal eine EP ausgereicht hätte.
Liebe Laura,
es war schön mit dir, nur leider kann ich nicht mehr bei dir bleiben. Ich mag deine Stimme und deine Art sie einzusetzen, nur willst du mir manchmal einfach zu viel und realisierst dafür zu wenig. Nimm dir beim nächsten Mal etwas mehr Zeit und fange endlich an Songs zu schreiben. Mein Gott, du sollst ja nicht die Welt verändern. Kopf hoch, ich weiß, dass du das schaffst. Zur Not kannst du dir ja jemanden engagieren, zum Beispiel den netten Herrn, der die Songs für deine Schwester schreibt.
Die besten Grüße,
Holger.
foto: motor fm
laura imbruglia
"laura imbruglia"
silversonic 2007 cd
laura imbruglia
Werle & Stankowski [Köln, 27.11.2007]
(my mask)
Letzter Akt, letzte Szene; Von Beginn an dieses zerstreuenden Abends schwirrt das Bewusstsein der Unwiederholbarkeit, des endgültigen Charakters dieses Tourabschlusskonzertes im Raum, auf beiden Seiten sind die Erwartungen hoch, an sich selbst und an den Gegenüber. Es ist eine seltsame und aufreibende Stimmung, die um sich greift, sobald die beiden Aufwärm- Acts die Bühne verlassen haben, diese Mischung aus Spannung und gleichzeitiger Gewissheit um das Gelingen dieses finalen Auftritts der "Two Rebel without a Crew"-Tour kratzt an Nerven. So lugen Simon Werle und Johannes Stankowski fast scheu um die Ecke, betreten ein wenig zurückhaltend die kleine Bühne, als zögerten sie noch, als seien sie sich ihrer Beliebtheit noch nicht ganz sicher, oder aber einfach aus einem Anflug von Nervosität vor dem Publikum. Für die meisten Menschen heute abend ist allein das Wiedersehen mit dem Duo Anlass und Antrieb für minutenlanges klatschen, kreischen und feiern, wie verlorengegangene Helden werden Werle & Stankowski begrüßt, noch bevor ein einziger Ton gefallen ist.
Und Werle & Stankowski grüßen gerne zurück, sie machen sich ans Werk, mit dem Ansporn vor dem Heimatpublikum zu glänzen und mit dem sicheren Gefühl hier und heute nichts falsch machen zu können.
Johannes Stankowski zieht seine Schuhe aus, Simon Werle macht die Knie locker, und alles nimmt seinen Lauf, es werden alte Schätzchen zu Tage gezaubert, neue Beats schwingen sich empor, es wird getanzt und schönerweise kenne alle den Text, und sei der Song noch so anspruchsvoll.
Es stellt sich heraus, dass das Zweigestin nicht bloß Musiker-, sondern auch vortreffliche Unterhalterqualitäten besitzt, beinahe jeder Song wird mit trivialen Geschichtchen angesagt, erklärt, es fallen eine Menge Namen und Liebesbekundungen an diesen und jenen, und ganz nebenbei liefern W&S ein musikalisch wie atmosphärisch wahrlich erstklassiges Konzert ab. Jeder Song eine Sahneschnitte, Johannes Stankowski spielt Gitarre singt mit herrlich angerauter Stimme, eigenwillig und unverwechselbar, mit einem unfassbaren Gefühl für Glaubhaftigkeit und Melodieführung. Nebenan zieht Simon Werle alle Register seines elektronischen Könnens, immer mit einem wachsamen Auge und Ohr auf den Songwriter, und mit größtmöglicher Aufmerksamkeit und absoluter Perfektion in Sachen Timing.
Es macht großen Spaß zuzusehen wie beide jungen Männer Gefallen an dem finden, was sie tun, beinahe verliebt werfen sie sich Blicke und Komplimente zu, ein gewisser Chris F. ist für Getränkeversorgung und Kommentierung vom Bühnenrand zuständig, Künstler und Publikum sind abwechselnd überwältigt vom Stimmungsgehalt des Konzertes, das mehr und mehr einer Party im 400-man starken Freundeskreis gleicht. Zu guter letzt steht sogar ein Herr mit einem Heiratsantrag auf der Bühne, das Underground bebt auch noch nach sage und schreibe drei Zugabenblöcken und Werle & Stankowski heben zu ihrem letzten Kracher der 2007-Tour an: Johnnys Spelunke, einen 30er-Jahre Schlager über alkoholische Annehmlichkeiten und Freundschaften im kühlen Sibirien: Herrlich!
Hier hat man es zu keinem Zeitpunkt nötig affektiert zu reden oder zu tanzen, es geht Werle und Stankowski nicht darum sich dem Publikum überlegen, sondern ebenbürtig zu zeigen. Und diese Suggestion kommt an, hier stehen zwei völlig unterschiedliche, aber normale, und wunderbar wenig stilisierte Männer.
Einer klein, ein wenig ruhig und vergnügt, der andere riesig, redselig und beschwipst. Und zusammen lösen sie das aus, was man sich von allen Konzerten verspricht, aber viel zu selten mit nach Hause nimmt: zwei Stunden Glückseligkeit.
foto: judith wiemers
werle & stankowski
