Das Mixtape des Sommers kommt aus Kanada. Und, obgleich die Abwechslung der Vermutung trotzt, wird es mit Stücken nur einer Band kompiliert.
(cause=time)
Broken Social Scene ist ein derzeit zehnköpfiges Ensemble aus Toronto/Montreal, und verantwortlich für eine der sublimsten Platten der letzten Jahre. Die Band aus dem direkten Umfeld von Do Make Say Think und Godspeed You! Black Emperor, den kanadischen Aushängeschildern dessen, was man heute langläufig unter dem Subgenre Postrock verstehen mag, wirken wie eine Gruppe Indie Rock Kids, die mit der Zeit gelernt haben, wie sie ihre Instrumente spielen, jedoch nicht vergessen haben, wie es sich anfühlte, als sie es noch nicht beherrschten. Die zwangsläufige Komplexität einer solch illustren Gemeinschaft, wirkt bei Broken Social Scene auffallend eingängig. Eine Wendung, über die man sich beruhigt freuen kann. Es gibt immer wieder Augenblicke, da scheint es für kurze Zeit so, als würde sich der musikalische Untergrund in einen intelligenteren Mainstream verwandeln können, als jenen, welchen man vom wegschalten aus dem Radio oder MTVIVA kennt. Vielleicht gelingt genau das dieser Band mit diesem, ihrem zweiten Album "You Forgot It In People", welches unergründlich fast zwei Jahre verspätet in Deutschland veröffentlicht wird. In Nordamerika haben Broken Social Scene einen achtbaren Erfolg mit eben diesem klangexperimentellen Pop Album erreicht, und es ist wünschenswert, dass man sich auch hier auf die ebenso grazilen wie kantigen Stücke einigen kann. Trotz alledem, war die Band auch dort zunächst ein Geheimtipp, ungleich sie bereits ein beachtenswertes Vorgängeralbum, sowie zwei 7" veröffentlicht haben. Wie Brendan Canning, Bassist der Band, dem es immer wieder gelingt unvergleichbare Hooks in die exzentrischen Läufe zu bringen, mitteilt, haben sich viele Menschen ihr Album aus dem Internet heruntergeladen, ein Thema, welches auch bei uns gerade eine differenzierte Diskussion fordert. Die Band beurteilt diese Tatsache jedoch durchweg als positiv, und auch das beheimatete Label Arts & Crafts, welches mit dieser Veröffentlichung das Licht der Welt erblickte, konnte hierdurch an Popularität gewinnen.
Die dreizehn Stücke auf "You Forgot It In People", unter welchen es so ungewöhnliche Titel wie Anthems For A Seventeen-Year Old Girl oder Late Nineties Bedroom Rock For The Missionaries zu entdecken gilt, zeigt auf, dass es im Pop Bereich durchaus Raum und Hoffnung dafür gibt, dass sich Musik mal wieder neu erfinden darf. Subtile Gitarren verweben sich mit Streicher-, und Bläserarrangements, manipulierte Klänge, Keyboards und ein verstimmtes Banjo erwachsen zu atmosphärischen Rockstücken, geformt, aber in ihrer Richtung unbegrenzt. Während der Opener Capture The Flag, ein Klangteppich, nuanciert mit einer Trompete, soundsphärisch einlädt, überrascht das nächste Stück KC Accidential – betitelt nach einem alten Soloprojekt der Bandmitglieder Charles Spearin und Kevin Drew, letzterer de facto der Kopf der Band, der nicht nur für den Gesang sondern auch für die experimentelle Eigenständigkeit zuständig ist –, welches mit psychedelischen, schnarrenden Gitarren beginnt, bis ein treibender Beat das Lied nach vorne bringt. Looks Just Like The Sun hingegen klingt genauso verspielt wie der Titel verspricht, mit zurückgelehntem Gesang und harmonisch verwobenen Gitarrenmelodien.
Auf seine ganz eigene, subtile Art erscheint "You Forgot It In People" ein wenig nach dem Mixtape des Sommers, auf welchem wir eine sehr rare Auswahl an wunderschönen Pop Kompositionen hören, während wir im Gras liegen.
foto:
"you forgot it in people"
arts&crafts / city slang 2004 cd / lp
broken social scene
Broken Social Scene [You Forgot In In People]
The Good Life
"what i really always wanted to do, was to become a writer."
(tim kasher)
Euer neues Album liegt dem tendenziell eher statischen Konzept eines Zyklus zu Grunde. Hattest Du dieses Konzept von Beginn an im Kopf?
"Ich hatte schon vor ein paar Jahren die Idee, ein Album zu schreiben, das sich inhaltlich in dem Zyklus von einem Jahr bewegt, aber es ergab sich nie die Gelegenheit, sie umzusetzen. Als ich dann die ersten Songs für das neue Album schrieb, spürte ich, dass jetzt der Zeitpunkt gekommen ist, dieses Konzept auszuprobieren."
Der Name “Album Of The Year” impliziert eine gewisse Selbstsicherheit, andererseits klingen die Songs teilweise sehr melancholisch und fragil. Wie gelang es, die Balance zwischen diesen beiden Polen zu halten?
"Uns war von Anfang an klar, dass viele den Titel missverstehen würden. Mich amüsiert irgendwie, dass die Leute so eine wahnsinnig eigenständige Interpretation von unserem Schaffen haben. Aber der Name gibt einfach sehr gut den Charakter des Albums wieder. Es ging mir ja darum, ein Album für diese Frau zu schreiben to fulfill the story."
Das Album klingt teilweise sehr britisch.
"Ja, ich bin mit sehr viel English Pop aufgewachsen, habe viel von den Smiths, The Cure, The Specials und so gehört, der ganze 80er-Jahre-Kram eben. Das hat sich auf jeden Fall in diesem Album niedergeschlagen, auch wenn ich ja ursprünglich eher aus der Songwriterecke komme, Tom Waits und Elvis Costello haben mich besonders inspiriert. Was mich als nächstes gepackt hat waren Fugazi. Die Rhythmen und die Aggressivität sind phantastisch, besonders der Cursive-Sound ist stark davon beeinflusst."
The Good Life und Cursive haben jeweils einen eigenen sehr charakteristischen Sound. Hängt das stärker mit deinem Songwriting oder den Aufnahmen im Studio zusammen, wenn die übrigen Bandmitglieder in den Entwicklungsprozess eingebunden sind?
"Grundsätzlich gehe ich unterschiedlich an den Kompositionsprozess heran, denn meistens bin ich mir vorher schon im Klaren, ob ich den Song dann mit Cursive oder The Good Life umsetzen möchte. Aber natürlich haben die anderen im Studio auch mitzureden. Bei den Texten ist das weniger der Fall. Ich begreife mich als eigenständigen Autor, unabhängig von dem Projekt an dem ich arbeite. Es sind in jeder Band immer noch meine Lyrics, aber sie sind selbstverständlich auf die Musik abgestimmt, weshalb es letzten Endes auch Unterschiede gibt."
Du bist gleichzeitig Frontmann von The Good Life und Cursive, kommt es da öfters zu Reibungen?
"Natürlich, aber bis jetzt habe ich das recht gut hinbekommen. Es sind schließlich viele Leute in beiden Bands involviert, die gleichzeitig auch noch mit manch anderen Projekten beschäftigt sind, da liegt das in der Natur der Sache. Aber bis jetzt sind wir alle mit den Ergebnissen sehr zufrieden. Die meisten von uns kennen sich ja fast schon aus dem Sandkasten. Wir sind also recht gut aufeinander abgestimmt und wissen miteinander umzugehen. Wir haben schon als Teenager gemeinsam in verschiedenen Bands gespielt. Was wir damals aufgebaut haben führen wir auch fort, was ja typisch für viele lokale Szenen in den USA ist. Natürlich gibt es auch gewisse Wechsel, manche steigen aus, andere Musiker stoßen dazu, wir leben in einem Zustand der Veränderung. Trotzdem ist noch vieles wie früher."
Saddle Creek hat ja derzeit einen sehr großen Erfolg. Wie stark ist da noch der Bezug der lokalen Szene zum Label?
"Saddle Creek ist einfach Teil des Ganzen. Als wir mit dem Label angefangen haben, ging es uns einfach darum, unsere Musik veröffentlichen zu können. Heute arbeitet Saddle Creek immer noch als Kollektiv, soweit das technisch noch funktioniert. Wenn schwerwiegende Entscheidungen getroffen werden, versuchen wir, möglichst viele der involvierten Personen zu beteiligen. Der große kommerzielle Erfolg im Moment ist da wie ein Erdbeben. Die Verantwortungen bleiben alle quasi in der Familie und das ist eine große Herausforderung. Besonders die Bright Eyes Veröffentlichungen machen mir fast schon Angst, weil das einfach eine so große Sache geworden ist, und weil sie einen unglaublichen Einfluss auf die gesamte Musikszene in den USA und auch weltweit haben. Saddle Creek ist an seine Grenzen gelangt, größer kann es eigentlich nicht mehr werden. Es gibt auch Veränderungen, weil wir alle älter werden, aber das ist ja keine schlechte Sache. Und vor allem kann Saddle Creek in den nächsten Jahren in sicheren finanziellen Verhältnissen weitermachen, was ein sehr beruhigendes Gefühl ist."
Du hast einen riesigen Output, spürst Du da manchmal Momente der Leere?
"Selten. Ich mache seit ca. 16 Jahren Musik, und durch die Veränderungen in der Zeit habe ich auch ein anderes Verhältnis zur Musik gewonnen. Sie ist ein noch natürlicherer Bestandteil meines Lebens als früher. Was mich im Allgemeinen sehr stört ist die Industrialisierung von Musik, weil vieles nicht ernst genommen wird und viele nicht wirklich an die Musik glauben die sie produzieren und veröffentlichen. Stattdessen wird versucht, die Fans auszuquetschen und möglichst schnell möglichst viel Geld zu verdienen. Das ist so unglaublich gefühllos. Darum geht es mir nicht, ich möchte mich kreativ und emotional ausleben und den Menschen einfach eine gute Zeit bereiten. Und es ist großartig, wie sich Jugendliche davon inspirieren lassen selber Musik zu machen und sich am Songwriting ausprobieren. Es ist schade, dass dieses Wort Emo neu besetzt und jetzt dabei ein negativer Unterton mitschwingt. Es schreckt davon ab, Musik zu schreiben, die auf Gefühlen basiert und von Bestand sein kann. Emotion wurde zu einem bösen Wort, it’s like a world scared of drama. Es ist absurd."
Hast Du jemals darüber nachgedacht, das professionelle Musikmachen aufzugeben?
"Als ich mit Musik angefangen habe war ich überrascht, was für tolle Reaktionen ich bei meinen Auftritten bekam, because what i really always wanted to do was to become a writer. Von dem Moment an spürte ich, dass ich dieses Musikding durchziehen möchte. Meine wildesten Träume waren damals, Erfolg zu haben und mein Leben mit Musik zu verbringen. Eigentlich ist es ja eine sehr seltsame Sache, vom eigenen Künstlertum zu leben. An genau diesem Punkt bin ich angelangt und ich könnte mir nichts Großartigeres vorstellen. Aber ich bin mir bewusst, dass auch eine große Portion Glück dazugehört. Deshalb habe ich noch keine Sekunde an den Gedanken verschwendet, einen Großteil meiner Zeit einer anderen Sache zu widmen."
foto: simon traut
the good life
cursive
Casiotone For The Painfully Alone [Twinkle Echo]
Owen Ashworth schildert die alltägliche Verzweiflung an den kleinen Dingen des Lebens auf so liebevoll ergreifende Weise, dass man nicht umher kann, ihn ins Herz zu schließen.
"i wish we could kiss the same as before, but i don't have it anymore."
(it wasn't the same somehow)
Die Texte erzählen allesamt von kurzen Einblicken in die alltäglichen Tragödien junger Menschen. Unweigerlich möchte man an Rivers Cuomo, Mark Everett oder ähnlich bittersüße Gestalten denken, die in unser aller Leben ihren hoffnungsvoll schwermütigen Raum gefunden haben, aber Ashworth macht doch etwas ganz anderes. Seine Songs sind allesamt auf billigen, batteriebetriebenen Keyboards eingespielt, welche zu beabsichtigen scheinen, LoFi ganz neu buchstabieren zu wollen. Die immer wieder neuen Drumpattern, welche die kurzen Stücke vorantreiben, klingen allesamt sehr noisy und vielleicht sogar wenig kalkuliert, aber dennoch ist man, wenn man Glück hat, schon beim ersten hören so in Ashworths herzzerbrechenden Barriton verliebt, dass man nicht umher kann, die Zwei-Minuten-Charakter-Studien über das Leben in seinen kleinsten und so ehrlichen Details zu lieben, und immer und immer wieder hören zu müssen. Kleine, zarte Flötenmelodien harmonieren mit übersteuerten Keyboardakkorden, und man beginnt sich zu wünschen mehr über die Menschen zu erfahren, deren zufällige Bekanntschaft wir in den Songs machen.
Die vierzehn zerbrechlichen Stücke auf "Twinkle Echo" scheinen durch ihre Texte zu leben, konzentrieren sich auf diese kleinen Begebenheiten, auf das Mark, dass einem zu Gute geführt wird, und lassen die Musik Nebensache werden. Sie halten sich nicht mit großen Melodien oder gar instrumentellen Teilen auf (bis auf das letzte, den absurden Titelsong des Albums). Vielleicht ist dies auch der Grund, weshalb man sich wünscht, diese klaustrophobisch kurzen Fragmente, nicht so schnell verlassen zu müssen, viel lieber einen Augenblick mit dem wie durch Zufall begegneten Protagonisten des Stückes verweilen möchte, ihn in den Arm nehmen, und sagen, dass alles gut werden wird. Aber dazu lässt Ashworth keine Zeit. Ohne Umschweife richtet man seinen Blick auf einen anderen Ort, eine weitere Situation, und fokussiert einen anderen Menschen, der in seiner kleinen Welt so verloren traurig wirkt; auf die Cellistin Edith Wong, die vor ihrem Leben in Kinofilme flieht, aber beim Abspann bereits wieder allein ist. Oder auf Eleanor, die verlassen wurde, und nach dem Grund zu suchen scheint, und sich völlig in dieser Suche verliert, ohne zu bemerken, dass da doch noch jemand ist, der auf sie acht gibt. Diesen Mensch mit dem man zu Schulzeiten immer Urlaub in Phoenix machte, heute aber kaum noch trifft, und auf Toby, den Weltrekord Gewinner und größten Smith Fan, der sich heute nicht mehr aus dem Haus wagt. Nicht ohne Grund erscheinen die Inhalte wie fragile Kurzfilme, war Owen Ashworth doch, bevor er '97 mit der Musik anfing, an einer Filmhochschule, die er vor dem Abschluss noch abbrach.
foto: debra a. zeller
casiotone for the painfully alone
"twinkle echo"
tomlab 2003 cd
casiotone for the painfully alone
Michael Schorr [Schultze Gets The Blues]
Die lakonische Odyssee eines anhaltinischen Frührentners auf der Suche nach sich selbst, lässt Tradition und Freiheitstrieb in authentisch intimen Bilden aufeinander treffen.
gott mag es lenken, gott mag es schenken, er hat die gnad'."
(anton wilhelm florentin von zuccalmaglio)
Dem Regisseur ist mit seinem Kinodebüt eine beschauliche und lakonisch dokumentierte Entdeckung der Langsamkeit gelungen, eine ambivalente Charakterstudie über das Leben vor dem Tod im Mikrokosmos einer brachliegenden Provinz. Beschaulich dreht sich das Windrad in der Totalen, während wir darauf warten, dass Schultze mit dem Fahrrad die Ebene passiert. Die detailreichen Betrachtungen unter Tage erscheinen wie schmutzige Bilder einer Ausstellung, und die Symmetrie der Doppelhaushälften, die Vorgärten und Reihenhaussiedlungen verleihen dem Film eine skurrile Wirklichkeit. "Schultze Gets The Blues" brilliert ganz allgemein durch seine bizarre Authenzität, und die mitwirkenden Laiendarsteller verleihen dem Film einen semidokumentarischen Charakter, und so erscheint es fast selbstverständlich, dass wir den Augenblick nicht abbrechen, sondern den gesamten drei Strophen des Bergmannsliedes Glück Auf, Der Steiger Kommt in all seiner bittersüßen Herbe lauschen.
Horst Krause prägt den Film vor allem durch seine einsilbige Passivität, wenn der Zuschauer durch die konstant beobachtende Kameraarbeit immer wieder Einblicke in private Momente des Protagonisten erhascht. Stillschweigend verharren wir, wenn Schultze zu seiner Scheibe Brot in eine rohe Zwiebel beißt, und über ihm eine Fliege im Lampenlicht tanzt; Wenn er sich auf das Sofa legt, hustet, aufsteht, das Fenster einen Spalt öffnet, um sich dann erneut hinzulegen. Der Stillstand des Augenblicks, nicht die Entwicklung der Bewegung prägt den Film als Stilmittel und visualisiert mit seinen ausharrenden Momenten die öde Tristesse. Immer wieder fängt die Kamera den Bild füllenden Kaliberg als Leitmotiv und Epizentrum des kleinen Ortes ein, welcher Schultzes Gartenlaube perspektivlos im Vordergrund verblassen lässt, und ihn scheinbar unabdingbar an seine veränderungslose Existenz erinnert.
Als Schlüsselszene der Geschichtsentwicklung dient eine herrlich lakonische Aufnahme, in der Schultze mit einem Nachthemd in seiner Wohnung auftaucht, sein altes Transistorradio anstellt, zunächst mürrisch eine Gesundheitssendung über die Zusammenhänge zwischen seinem ehemaligen Beruf und Lungenkrebs wegdreht, um sich dann mit einer kurzen Akkordeonmelodie konfrontiert zu sehen, die sein Leben ändern soll. Erst überrascht, dann belächelt stellt er das Radio entschlossen ab, hält kurz darauf inne, um kehrt zu machen, und sich die Melodie noch einmal zu Gemüte zu führen, und schließlich verlegen, ob seines eigenen Mutes, Tasten suchend auf seinem Akkordeon nachzuspielen. Zydeco, eine artverwandte, Akkordeon getragene multikulturell verschmolzene Musikrichtung der amerikanischen Südstaaten, scheint Schultzes phlegmatischen Geist zu beflügeln. Diese ausgiebige Sequenz, in welcher der Regisseur bewusst überspitzt phantastische Elemente der alltags Lethargie entgegensetzt, stellt den Umschlag in "Schultze Gets The Blues" dar. Musik als Inspirationsquelle geistiger Jugend. Auch Jürgen (Harald Warmbrunn), Schultzes ehemaliger Bergbaukumpel kommentiert den beobachteten Wendepunkt überrascht in einem kurzen Dialog: "Das musst du dir mal vorstellen." sagt er. "Was? - Na das hier? - Was hier? - Wir haben zusammen gearbeitet, wir haben zusammen geangelt, wir haben zusammen in der Kneipe gesoffen und wider zusammen gearbeitet. Und jetzt sitzen wir das erste Mal bei Schulze zusammen und futtern."
Gefangen in der immer währenden Monotonie aus Polka und Kein-Schöner-Land-Chören, kämpft Schulze mit sich selbst, Spontaneität der akzeptierten Tradition gegenüber zu stellen, und die Kameraden seines Musikvereines Harmonie quittieren seine emanzipierte musikalische Neuausrichtung zum Fest des 50. Jubiläums deutschtümelnd als "Scheiß Negermusik". In dieser Szene wird die Statik der Kameraführung ein erstes Mal gebrochen, schwenkt sie, anfangs noch im Rücken Schultzes mit Blick auf das Jubiläumspublikum des Musikvereines, langsam um den Protagonisten herum, isoliert ihn von den anderen, die ihn nicht verstehen können, und widmet, in der Nahaufnahme, Schultze, mit geschlossenen Augen, einen seiner intimsten Momente, und fordert als einzig mögliche Konsequenz seinen Auszug aus der gewohnten Gemeinschaft. Das Exil als letzte Konsequenz zur Auflösung der Inneren Ruhe. Es folgt eine bittersüße Szene, in der sich Schultze von seiner Situation endgültig trennt, bildlich dargestellt, als er zu Hause ankommend, das Foto seines Vaters - eines traditionelles Polka Musikers - an der Wand umdreht, und kopfschüttelnd quittiert, woran sich sein gewohntes Leben orientiert. (Die im Fernsehen gezeigte Reportage über die juristisch eingeleitete Beseitigung von aus Polen stammenden gefälschten Gartenzwergen vom ORB, ist wie so vieles im Film tatsächlich authentisch.) Amerika – in letzter Zeit selten so untypisch positiv und Klischee los im ursprünglichen Sinne des Landes der, vielleicht doch begrenzten Möglichkeiten betrachtet - dient Schultze als Katharsis, als Neuanfang, um in sprachlicher Isolation die Musik als universelles Kommunikationselement für sich zu entdecken.
Michael Schorr transportiert seine detailverliebte, latent humoristische doch niemals wertende Gesellschaftsbeobachtung auch über den Atlantik hinaus, und weiß mit der fotografisch brillanten Komposition von Wirklichkeit und erzählerischer Situation zu begeistern, während der Zuschauer die Odyssee des oft so unbeholfen natürlichen Protagonisten intensiv verfolgt. Und mit den Worten aus Schillers Die Räuber als umfassendes Metapher, bedenkt der junge Schrankenwärter am stets geschlossenen Bahnübergang Schultze, als er ihn passieren lässt;
"So fall’ ich dieses zerbrechliche Leben an, bis den Furientrupp zuletzt schließt die Verzweiflung! Triumph! Triumph! Der Plan ist fertig. Wohl an denn!"
foto: 20th century fox
Lali Puna [Faking Tho Books]
"i'll be true again, but until then, i fake the books"
(faking tho books)
Was Lali Puna zweifellos eine Sonderstellung im elektronischen Popbereich einräumt, sind die meist politisch orientierten Texte, die dem Zuhörer aufgrund der vermeintlich verträumten Melodien sublimiert werden. Bereits bei dem Vorgängeralbum war es der Band wichtig die oft kritischen Texte mit abzudrucken. Was durchaus auch resolut geschrieen in einem Punksong seine funktionelle Berechtigung finden würde, umhüllt Trebeljahr klangvoll mit ihrer beseelten Stimme. In dem Stück Call 1-800-FEAR beschäftigt sie sich mit der Macht der instrumentalisierten Angst, und den Folgen einer bewusst geschürten Panik. „Fear keeps you quiet. It shuts your mouth when you should talk“: paranoid verschanzt man sich in seinem Panic Room, während andere die Macht an sich reißen.
„They spend your money on mini-nukes. So you should talk.“
Nicht zuletzt seit dem mit "Scary World Theory" nostradamisch vor dem 11.09.01 betitelten zweiten Album, konstatiert die Band eine kritische Weltanschauung. Mit dem bereits erwähnten Stück B-Movie diskutieren Lali Puna die medial vorangetriebene kalifornische Gouverneurswahl des Österreichers Schwarzenegger. „It’s like in a B-Movie, you always know what’s coming next. Bad guys all around. But don’t let Arnie be our last hope.” Und in Micronomic entleihen sie gar dem großen Softwarekonzern den Slogan, um ihn sinnentfremdet in einem eingängigen Chorus zu verarbeiten: „Where do you want to go today?“ Immer wieder fallen Lali Puna auf ihrem neuen Werk neben den lauteren, dennoch elektronisch orientierten Stücken, in die Ästhetik des traurigen Liedes, und fordern Aufmerksamkeit für das Detail. Besonders die opulenten, jedoch gar nicht pathetischen Streicher, die zum Ende des letzten Stückes Crawling by Numbers einsetzen und das Album ausklingen lassen, betören durch zarte Eleganz. Und Radiohead, dieses Statement musste auch hier kommen, sind Fans von Lali Puna. Namedropping? Vielleicht.
foto: john-patrick morarescu
lali puna
"faking the books"
morr music 2004 cd / lp
lali puna
Helge Schneider [Jazzclub]
Sag Nochmal.
Jazz, Jazz.
Nochmal, Nochmal!
Jazz, Jazz, Jazz.
(Pflasterverkäufer)
Wenn Teddy die Straßenbahn verpasst und an der belebten Haltestelle auf die Nächste wartet, verharrt die Kamera regungslos auf diesem Bild, und vermittelt den Eindruck, dass dieser Mann nicht in die ihn umgebende Welt zu passen scheint. Teddy gibt sich als vermeintlich spanischer Callboy Rodriguez der Agentur Senora Fuck älteren Damen hin, begibt sich in den frühesten Morgenstunden auf eine aussichtslose Odyssee als Zeitungsausträger nur um einige Stunden später hart arbeitend als Fischverkäufer für das Kleinunternehmen Happy Fisch sein letztes zu geben. Mutter und Sohn des Familienbetriebes treten allmorgendlich mit Gummistiefeln aus der Haustür, und beginnen ihren einzigen Angestellten argwöhnisch denunzierend bei der Arbeit zu beobachten. „Der frühe Vogel fängt den Wurm“ ist der überhebliche Kommentar des Ladenbesitzers (Eddy Kante).
Die Geschichte von Jazzclub bietet, was die Ernsthaftigkeit betrifft, tatsächlich all die tragisch hoffnungslosen Elemente eines Working Class Dramas der Zeit der wirtschaftlichen Depression, transkribiert in die heutige Zeit, die ja ebenfalls von Arbeitslosigkeit geprägt scheint. Trotz alledem ist es ein Film von Helge Schneider, und die polarisierenden Erwartungen werden sowohl für die eine als auch für die andere Seite erfüllt. Wenn sich Teddy nach einer kurzen, im Schlaf immer wieder von Alpträumen verfolgten Nacht, mit Badeschlappen und Regenmantel auf den Weg zum Zeitungsaustragen macht, dann beobachten wir immer wieder aufs neue, wie Schneider improvisierend gegen aufkommende Windböen und Regenschauern biblischen Ausmaßes anzukämpfen versucht, aussichtslos wie ein urbaner Don Quijote, und die zu Pappmasche deformierten Tageszeitungen ("Was für ein Klumpatsch.") dennoch pflichtbewusst in die Briefkästen steckt. Es sind diese improvisierten Kleinigkeiten die Schneiders Filme so sehr begeistern lassen, wenn er Alltäglichkeiten durch seine Herangehensweise Sinnentleert. Wir beobachten ihn an der Haltestelle, wie er den Arm anhebt, um auf die Uhr zu sehen, letztlich aber nie darauf blickt, oder er sich beim Krabbenpulen selbst reflektiert, ohne darauf zu achten, ob die Feinkost auch in den dazugehörigen Behältern landet. Auch in einer weiteren Rolle brilliert Schneider mit diesem Konzept, wenn er als Psychiater Teddys Ehefrau die Existenzgrundlage des menschlichen Denkens an einem Modelgehirn erläutert: "Gucken, Kacken, Picken, Packen. Das ist alles."
Nur im Jazzclub selbst, wenn die drei begnadeten Musiker, die auch in der Realität gemeinsam Konzerte veranstaltet haben, in ihrer Musik aufgehen, möchte Schneider offensichtlich, dass wir den Jazz genießen, denn dort verzichtet er absichtlich auf versteckte Pointen, und verweilt bei den dargebotenen, selbstverständlich von ihm komponierten Stücken. Auch sonst hält die Kamera gelegentlich für kurze Augenblicke still, und fängt unverfälscht das triste Dasein verschiedener Figuren des Films ein, wodurch sich sogar eine für Schneiders Filme unbekannte Atmosphäre von Einsamkeit und Verlorenheit entwickelt. Ein melancholischer Unterton, der sich da in die farbenfrohe Komposition eingeschlichen hat, und Schneiders Film ebenso gut zu Gesicht steht, wie die wunderbare Musik.
foto: senator film gmbh
The Books [The Lemon Of Pink]
"should i laugh or should i cry? i laugh."
(there's a body in a car somewhere)
"The Lemon Of Pink" ist die zweite Veröffentlichung der Books, und eine so wunderbar unkonventionelle Platte, der man auch die Verwirrung verzeihen möchte, dass gleich zwei Stücke als Titelsong fungieren. Aufgenommen haben de Jong und Zammuto das Album in einem selbstgebauten Studio in Massachusetts mit Blick auf ein idyllisches Dorf, und in direkter Küchennähe. Unterstützt wurden die beiden von Anne Doerner, einer befreundeten Musikerin und Mathematiklehrerin. Sie ist für den viel verwendeten Einsatz des Banjos und der Geigen, sowie dem wunderbaren Gesang verantwortlich. Eine Vielzahl von akustischen Instrumenten verwendend - Gitarre, Cello, Banjo, Violine - verfällt die Platte in eine grazile Stimmung, die mich an das Penguin Café Orchestra erinnert, was vielleicht auch daher rührt, dass die Books, ganz unähnlich vergleichbarer Bands wie oben erwähnte Frankfurter März, bei ihren Songs sehr minimalistisch mit den Beats umgehen. Wenn diese nicht gänzlich fehlen, werden sie das eine Mal von Stepp Schuhen oder Händeklatschen, das andere Mal auch durch sich rhythmisch wiederholende Schritte auf einem Kiesweg vertreten. Das Penguin Café arbeitete Anfang der achziger Jahre mit Gummibändern oder Telefontasten um die orchestralen Akustiksongs zu unterlegen. Die Lautmalerei, die wundersam beschwingte Ruhe die den dreizehn Stücken innewohnt, wird durch ein prägnantes Stilmittel durchzogen: die ausgefeilte Verwendung der menschlichen Sprache. Die Books selbst sagen in einem Interview, dass sie die Stimme als den am stärksten aufgeladenen Klang des Menschen betrachten. Vom Schall her so komplex wie musikalischer Klang, aber mit der Fähigkeit Bedeutung durch Worte zu transportieren.
Mit diesem Gedanken der sprachlichen Wertschätzung im Kopf, ist es nur folgerichtig, dass die Auswahl der verwendeten Sprachauszügen eine ganz besondere ist: Da spricht die Flugbegleiterin ihren ganz unprätentiösen Text so, als würde er schon immer im Rhythmus des Stückes Tokyo gesprochen, dann erklingt ganz unverkennbar die Stimme Albert Einsteins, welcher bei einem Radio Interview 1950 über die gewaltfreien Leitmotive Gandhis referierte, mal wird das Ende eines Stückes mit den letzten Zeilen des Vater Unser verbunden, und in dem Lied Take Time erklingt ein Zitat vom 6. Februar 1952: "For the first time in the history of the world, a young girl climbed into a tree one day - she climbed down from the tree next day - God bless her." Gut, das ist eine etwas verkürzte Fassung der Krönungslegende von Queen Elisabeth, aber vielleicht steht dieses Bild metaphorisch für das was die Books ausmacht: wir hören Dinge, die wir schon immer gehört haben, die so einfach zu sein scheinen, und dann sind sie auf ihre Weise doch etwas ganz besonderes.
foto:
the books
"the lemon of pink"
tomlab 2004 cd / lp
the books
Franz Ferdinand [Franz Ferdinand]
Vier Schotten, eine Hipster-Debatte, Rockmusik, tanzende Mädchen, Kunststudenten, Prügelein, Ferien und Schampus.
(this fire)
Dennoch: Glasgow ist nicht New York, Franz Ferdinand nicht die Strokes. Und wenn schon unvermeidlich der Name Strokes fällt: ein weiteres Stichwort welches man platzieren könnte, schließlich wird jede Jungsband in letzter Zeit, die irgendwie nach sechziger, siebziger Rockmöblierung klingt, mit diesen fünf Herren verglichen und bemessen. Aber wie sieht denn die Realität aus? Immer wieder werden Bands dazu heraufbeschworen die Retter von irgendetwas zu sein, was doch eigentlich gar nicht gerettet werden muss. Während die Strokes rotzig mit Velvet Underground sympathisieren, die Australier Jet mehr zwischen AC/DC und einer abgespeckten Version der Who balancieren, sind Franz Ferdinand trotz schrammeliger Gitarre verdammt tanzbar und haben ihre Wurzeln unanzweifelbar im achtziger sixties Revival, namentlich Orange Juice, Joesph K. oder Echo & the Bunnymen. Ein zu gern zitierter Ausspruch ihrer selbst besagt ja auch "wir machen Musik, zu der Mädchen tanzen sollen". Nett. Schließlich wissen nicht nur die Strokes - "and girlfriends, they don’t understand" - dass zu Rock nur wenig Mädchen tanzen. Die Book-Ends der Platte, Jaqueline und 40", beweisen dies zutiefst. Ersterer ist ohnehin dieser eine Song, der zunächst mit Banalitäten wie Jaqueline und Seventeen beginnt, und dann mit dem einsetzenden Bass und Schlagzeug und den beiden loshechtenden Gitarren "it’s always better on holiday" beschwört. Aber es sind nicht nur diese beiden Stücke, die Belle and Sebastian mit den Strokes auf dem Tanzboden eines Clubs vereint; die ausstehende dritte Single Matinee, dessen Gitarren nach jüdischem Folkslied klingen, oder auch das bereits erwähnte Darts of Pleasure folgen ad hoc.
Trotzdem ist da eine Sache, die Franz Ferdinand mehr beherrschen als alle the-Bands zusammen: sie haben ein wunderbares Gespür für gute Popmelodien die sich, trotz Chartsstürmung, nicht in Belanglosigkeit verlieren, die wunderbar verschrobenen Gitarren nicht außen vor lassen, und einen liebevollen Hauch von Ironie versprühen: Während die Hipster Englands zu gern ein paar deutsche Floskeln in ihrer urbanen Umgangssprache unterbringen, waten Franz Ferdinand mit der oben genannten, völlig sinnentleerten Schampus-Lachsfisch-Zeile auf, und führen das elitäre Gehabe ad absurdum, denn dass diese Zeile wenig Sinn macht, dürfte besonders Nick McCarthy wissen, der schließlich in München aufgewachsen ist, und dem wir es verdanken können, dass man in unseren Gefilden den Bandnamen endlich einmal phonetisch korrekt ausspricht. And now: auf Achse.
foto:
Kolja Mensing [Wie Komme Ich Hier Raus?]
"weihnachten nicht nach hause zu fahren wog mindestens soviel wie zwei umzüge."
(kolja mensing)
Der taz Kulturredakteur Kolja Mensing entfaltet das erste Kapitel noch als ein Treffen zweier fiktiver Charaktere - die vom Leser vermeintlich zu Protagonisten des Romans erkoren werden - nur um von nun an herrlich abstrahierend provinzielle Errungenschaften in reportagenhaften Essays zu kommentieren, wobei er ironisch, jedoch niemals arrogant anmaßend zu beschreiben weiß. Mensing unterlässt größtenteils den zu erwartenden Ich-perspektivischen Erzählstil persönlicher Anekdoten über Jugend und Adoleszenz im Angesicht der umgebenen provinziellen Tristes, stattdessen brilliert er durch gekonnte Beobachtungsgabe und detailreiche, hintergründig recherchierte Episoden über die Entwicklungsprozesse deutscher Kleinstädte und Vororte von den Bebauungsplänen der Siebziger Jahre bis zur aktuellen urbanen Angliederung. So werden viele im Wandel der Zeit aufgekommene Errungenschaften bissig disputiert; von der Fußgängerzone über das Jugendzentrum und dem Teeladen bis hin zum Weltkulturerbe Fury in the Slaughterhouse, der Achtziger Jahre Band, bei der man alkoholverschleiert Time to Wonder in der heimischen Dorfdisco noch Jahre später mitsingt.
Über die zehn Kapitel von "Wie Komme Ich Hier Raus?" wird der oft seltsam anmutende Weg kleinstädtischer Evolution der Bundesrepublik seit der Nachkriegszeit beleuchtet. In sicherer Distanz Platz nehmend beobachtet der Leser wie im Zeitraffer die oftmals vergeblich wirkenden Versuche, urbane Atmosphäre in kleinen, expliziten Dosen auf das familiär isolierte, vorstädtisch landwirtschaftliche Gebiet der Provinz und ihrer Bewohner zu versprühen. Oft wurde bei diesen Fortschritten die direkte Konsequenz zu Gunsten der Modernisierung außer Acht gelassen. So beobachtet Mensing den, aufgrund der großflächig angelegten Fußgängerzonen und dezentral gelegenen Einkaufszentren, fortschreitenden Verfall des Einzelhandels in Form kleiner Familienbetriebe, die mit der Zeit auch aus dem Antlitz der letzten deutschen Kleinstädte verschwinden. Ebenso spitzfindig kommentiert der Autor das mutmaßliche Eindringen befremdender Subkulturen in die wohlbehüteten heimischen Neubausiedlungen: Die Gothikszene fand in der nicht verstädterten Provinz ihren Sehnsuchtsmoment traditioneller Gemeinschaft, nur dass sie sich hier, als Grufties und Friedhofskinder betitelt, mit einem medialen Aufsehen im Bezug auf Satanismus konfrontiert sahen. Mediale Omnipräsenz, in Bildzeitung, dem Spiegel oder der Bravo, informierten so alle gesellschaftlichen Gruppierungen.
Wortgewand beobachtet der Neu-Hauptstädter Mensing, gebürtig aus einer niedersächsischen Kleinstadt, den jugendlichen Drang, die Provinz als Teil des Erwachsenwerdens zu Gunsten der Metropolen zu verlassen, um sich dort die ökonomische und kulturelle Potenz zu eigen zu machen. Dennoch fragt er resümierend "wohin man gehen soll, wenn überall Provinz ist", wohl wissend, dass die neuerliche Entwicklung und Vielfalt der Metropolen wie Berlin erst aufgrund der emigrierenden Provinzler zustande kommt, ging man doch ursprünglich in die Stadt, um der Provinz zu entkommen. Und so endet dieses Buch, wie es begann, mit der Provinz nicht als statisch-topographischer Ort auf einer Landkarte, sondern mit einem Lebensgefühl tief in einem verankert, welches man, wohin auch immer, sein Leben lang mit sich tragen wird.
foto: juliane henrich
kolja mensing
"wie komme ich hier raus?"
kiwi 2002
Dana Bönisch [Rocktage]
"die liebe in der zeit der maul-, und klauenseuche."
(dana bönisch)
Dana Bönisch hat eine Welt in ihrem Roman erschaffen, die, wenn der Name Kafka fallen würde, nicht Franz sondern Markus meint. Der Protagonist lebt und verzweifelt in der Medienhochburg Köln an Werten, die er sich in seinem Leben selbst aufgelegt hat, und die alles ihn Umgebende zu zerstören ersucht. Das Sehnsuchtsmoment aus den Leiden des jungen Werther scheint mit den Ausbruchsversuchen aus der künstlichen Welt die Jim Carreys Charakter Truman im gleichnamigen Kinofilm veranstaltet, verschmolzen zu sein. Hochkultur trifft Popkultur. Puck fühlt sich stets so, als würde ihn eine Kulisse umgeben, die man ihm immer wieder aufs Neue versperrt, wenn er einen neuen Versuch startet, sie zu durchbrechen, um an das wahre Leben dahinter zugelangen. Ein großes Thema, welches sich die junge Autorin ganz bestimmt nicht dadurch erleichtert hat, dass sie das Leben durch die Augen eines Jungen betrachtet. Die Idee ist gut, doch die Welt noch nicht bereit.
Die Autorin verspielt Mal um Mal die Chance einer tiefgründigen Auseinandersetzung mit dem Thema, zu Gunsten von oberflächlichen Gefühlsausbrüchen, ihrer Art die Interpunktion neu.zu.gestalten oder desolaten Wortkonglomeraten wie Gitarrenwandglücksschutzpanzer. Motive werden entwickelt, Metapher erschaffen, bleiben dann jedoch unberührt, während der langatmigen Beziehungsentwicklung zwischen Puck und Gwen, und die Autorin beschäftigt sich erst zum Ende hin nur unzulänglich mit ihnen. Auf diesen wenigen letzten Seiten entfaltet die Geschichte eine neue Perspektive, einen neuen charakterlichen Aspekt, welchem mehr Aufmerksamkeit hätte geschenkt werden sollen.
Und dann ist da noch das Identitätsstiftende Motiv der Musik. Dieses Thema der immensen Wichtigkeit dieses als Hobby verunglimpften Lebensinhaltes ist schwerlich zu beschreiben, wenn man nicht gerade Nick Hornby heißt. Auf dem neuen Album der Sportfreunde Stiller singen diese ironisch "Jetzt zum allerletzten Mal, wir waren nie die erste Wahl", und genau das ist der Punkt. Bönisch scheint Puck von dem vermeintlichen Hauptstrom der popkulturellen Wahrnehmung abgrenzen zu wollen, nur um seine Wünsche und Hoffnungen doch auf Texten der Songs basieren zu lassen, die sich in dem Spalt angesiedelt haben, welchen die Musikindustrie eröffnete, als man bemerkte, dass sich ein neuer, ertragreicher Markt jenseits des gecasteten Irrsinns erschließen ließe. In sakramentalem Eifer entdeckt Puck einen hell leuchtenden Stern am Himmel und Peter Brugger erscheint ihm als Prophet, woraufhin er das Bizarre Festival bereist, als wäre es sein Mekka, nur um die schmerzliche Erfahrung machen zu müssen, dass sein Messias (Ash Frontmann Tim Wheeler) ihm nicht den Weg zur Ewigkeit beschreiben kann. Eine überzogen unecht wirkende Religiosität, welche der Musik, oder vielmehr ihrer vermarktenden Umgebung aufgebürdet wird, hinterlässt einen unangenehmen Geschmack auf der Zunge
foto:
dana bönisch
"rocktage"
kiwi 2003
