"can you hear the power?"
(fraktus)
Festivals sind schrecklich. Unüberschaubare Massen von Menschen schieben sich wie eine riesige Bisonherde über schier endlose Äcker, Flughafen-Vorfelder oder Motorsport-Rennstrecken, um ihre Idole in Stecknadelgröße auf riesigen Bühnen herumturnen zu sehen. Zwischendurch sucht man wahlweise bei 30 Grad Celcius vergeblich nach Schatten auf dem weiten Feld oder ein Platzregen verwandelt die gesamte Veranstaltung in eine reine Schlammschlacht. Das Zelt, in dem man eigentlich schlafen wollte, ist entweder überflutet oder voller Stechmücken, während die Nachbarn Tag und Nacht Flogging Molly in Clublautstärke hören und einem die sowieso spärlichen Biervorräte klauen.
Wer Festivals aus diesen und vielen anderen Gründen hasst, der geht normalerweise aufs Melt!. Die Anzahl der Besucher ist ebenso überschaubar wie das Gelände, das mit seinen riesigen Tagebaubaggern eine verführerische post-apokalyptische Urbanität ausstrahlt. Dazu haben die Organisatoren, die aus dem Hause der Zeitschrift Intro stammen, eine Booking-Abteilung, die in der deutschen Festivallandschaft ihresgleichen sucht. Da nimmt man auch mal ein Wochenende lang das ungeliebte Camping auf sich. In den letzten beiden Jahren herrschte eitel Sonnenschein, was zum direkten Sprung vom Zelt in den See, der die Halbinsel Ferropolis umgibt, verführte. In diesem Jahr herrschte allerdings kaum Badewetter, weder im wörtlichen noch im übertragenen Sinne, was sich allerdings im Vorfeld schon erahnen ließ. Zwar wurde mit Björk ein formidabler Headliner gebucht, dafür musste das Programm auf drei Tage gestreckt werden. Erstmals sollte nicht nur freitags und samstags die Nacht hindurch gefeiert werden, der Sonntag Abend sollte nun als Höhepunkt der Feierei die Krone aufsetzen. Passend dazu wurde Lützenkirchens drei Tage wach zur Melthymne erklärt, eine deutliche Abkehr vom bisher gepflegten Understatement.
Zu diesem Zeitpunkt war das Programm bereits in vollem Gange, wer noch nicht auf dem Gelände war, verpasste auf der Hauptbühne Acts wie die Fotos, Lightspeed Champion oder Blood Red Shoes. Richtige Stimmung wollte aber zunächst nur auf der Gemini Stage aufkommen, die man an diesem Abend durchaus in Underaged Tent hätte umbenennen können. Dúné machten den Anfang, doch vor allem Late Of The Pier brachten das sehr junge Publikum schon früh zum Tanzen und Schwitzen. Bei all der gepflegten Gute-Laune-Langeweile, den die New-Rave-Welle versprüht, gehören die vier jungen Briten zu den wenigen Bands, die wirklich spannende Sounds generieren. Gefällig aber ebenso auch substanzlos präsentierten sich anschließend The Teenagers, deren Sänger neben all seiner Aufgedrehtheit vor allem durch Beschwerden wegen blendender Scheinwerfer auffiel.
Ärgerlich war der Ausfall sicherlich, doch vor allem war dessen Vermittlung symptomatisch für die mangelnde Kommunikation zwischen Organisation und Publikum: Über die reichlichen Verschiebungen im Zeitplan wurde man nicht informiert, obwohl diese bereits um Mitternacht auf fast jeder Bühne bis zu einer Stunde betrugen. Zwar wurde jede Band und jeder DJ mit teilweise großartigen Visuals auf hinter den Bühnen angebrachten Leinwänden bedacht, auf gleiche Art und Weise Aktualisierungen des Zeitplans anzukündigen, kam den Machern allerdings nicht in den Sinn. Einzig der Big Wheel Floor versorgte die Masse ununterbrochen und zuverlässig mit Beats, im Rahmen eines Kompakt-Specials legten unter anderem Größen wie Burger/Voigt, Gui Boratto oder Sascha Funke auf.
Im Laufe der Nacht klarte der Himmel zunehmend auf und mit der Trockenheit füllte sich auch das Veranstaltungsgelände immer mehr. So war der Platz vor der Hauptbühne ausschließlich bei den Editors einigermaßen voll, Robyn stieß anschließend trotz einer sehr angenehmen Bühnenpräsenz nur auf mäßige Resonanz. Währenddessen platzte bei Alexander Marcus der Melt!Klub aus allen Nähten und auch die Gemini Stage war zeitweise völlig überlaufen. Eine paradoxe Situation war durch die Neuaufteilung des Geländes entstanden, die aus der Erhöhung der Publikumszahlen resultierte.
Wenig später schien das halbe Festivalpublikum in den Melt!Klub zum Auftritt von The Whitest Boy Alive zu drängen, dem inoffiziellen Geheimtipp des Abends. Wie auch schon vor zwei Jahren an gleicher Stelle war die Räumlichkeit viel zu klein, so dass nur die Wenigsten die Band um Erlend Øye tatsächlich zu sehen bekamen. Offizieller Headliner des Samstages waren Franz Ferdinand, die allerdings mächtig enttäuschten. Zwar waren sie bemüht, doch der Sound war völlig drucklos, die Rhythmussektion schien vor lauter Behäbigkeit fast einzuschlafen. Ganz anders hingegen Roisin Murphy: Die ehemalige Sängerin von Moloko gab die Diva, wechselte zu fast jedem Song ein Kleidungsstück, setzte ihren eigenen elektronischen Popentwurf gekonnt in Szene. Ihr Auftritt war extravagant und mitreißend, ohne je aufgesetzt zu wirken.
Auf den übrigen Bühnen war zu diesem Zeitpunkt das Partyprogramm bereits in vollem Gange. Die Crookers brachten den intimen Music Academy Floor mit ihrer italienischen Version von Electro House zum kochen. Ein kurzer Blick auf die Gemini Stage genügte, um festzustellen, dass Uffie tatsächlich die Paris Hilton der Elektro-Szene ist und kaum mehr vermag, als naiv mit den Hintern zu wackeln. Bei Boys Noize schien das Publikum ganz selbstreferentiell jeden Track abzufeiern, was ein wenig clownesk anmutete. Entspannter ging es da auf dem Big Wheel Floor zu, wo Mathew Johnson allerdings ein wenig Anlauf brauchte, um in Fahrt zu kommen.
Danach gab es nur noch das Warten auf den unumstrittenen Festivalhöhepunkt. Eine angenehme Spannung machte sich breit und das gesamte Publikum schien sich nur auf einen Moment zu konzentrieren. Die Bagger verschwanden erstmals im Dunkeln, während die Bühne mit bunten Fahnen und Bildschirmen ausgestattet wurde. Schließlich marschierte Björk mit großem Blechbläserensemble auf und löste die Anspannung der Vorfreude in einem wohligen Schauer auf. In 80 Minuten entschädigte sie für all die unangenehmen Momente des Festivals. Ob Bläser-Arrangements oder bollernde Beats, das Publikum war völlig verzaubert.
Das Melt fand so einen versöhnlichen Abschluss, auch wenn es zuvor manchen Ärger gegeben hatte. Das Festival zehrte von der großartigen Kulisse, tollen Bands und Künstlern und nicht zuletzt von dem guten Ruf, den es sich in den letzten Jahren aufgebaut hatte. Die Vergrößerung auf über 20.000 zahlende Gäste hat der Veranstaltung nicht gut getan, vor allem schien die Organisation mit der Masse überfordert. Der Nimbus als einzigartiges Festival von überschaubarer Größe und nahezu intimem Charakter ist jedenfalls verloren. Im nächsten Jahr werden die Macher jedenfalls einiges an Energie aufwenden müssen, um das verloren gegangene Vertrauen wiederzugewinnen, sonst droht es im allgemeinen Festivalsumpf stecken zu bleiben.
foto: uta bohls
melt! festival
intro
Melt! Festival [Gräfenhainichen, 18.-20.07.2008]
My Sister Grenadine [Shine In The Dark]
Als Kollegin Nadja die Besprechung zum Debüt von Polaroid Liquid schrieb, der Band, in welcher der My Sister Grenadine Kopf Vincenz Kokot Gitarre spielt und singt, assoziierte sie diese ebenfalls mit den jungen, experimentierfreudigen Dichtern des 18. Jahrhunderts. Zufall?
"i float around in circles and i walk on to the end of the peer."
(ballad of joy)
Was wir so nicht vermögen, ist hinter die Musik zu blicken, uns zu den Anfängen der Entstehung einer Text- oder Notenzeile durch zu fühlen und zu hören. Um das zu ergründen, müssen wir ein Empfinden entwickeln um Assoziationen entstehen zu lassen, um aus der Musik keinen universellen Sinn, sondern einen persönlichen, rein subjektiven Gehalt zu ziehen.
Genau dieser Inhalt, mit dem jeder Rezipient ein Musikstück füllt, ist das tiefe und erfolgsbegründende Wesen der Popmusik. Und anders als in Autor-negierenden Ansätzen in der Literaturwissenschaft darf der Urheber, der Musiker in dem Diskurs um Bedeutung und Aussage kräftig mitmischen.
Auch bei My Sister Grenadine darf und sollte man nach dem Mann hinter der Musik und nach seinen Einflüssen fragen. Vincenz Kokot wohnt in Berlin, sieht gut aus, ist jung und hat eine imaginäre Schwester namens Grenadine, die ihn inspirierend durch die Songs seines Debutalbums "Shine In The Dark" begleitet und ein etwas seltsames, unentschlüsseltes Gegenbild zu dem Musiker darstellt, der sich als Rahmen seiner Arbeiten an die Bedingungen eines klassichen Singer/Songwriters hält. So begnügt er sich mit Gitarre, Stimme und der für ihn charakteristischen Ukulele. Ein Instrumentarium, dass den Songs von vornherein Bombast, gewaltige Klangmassen und hochtrabende Experimente verweigert, und das, zum Glück und zum Genuss des Hörers.
Kokots Lieder sind geprägt von dem unglaublich feinen Gespür für die Wirkung musikalischer Parameter und dessen Ausführung auf zweifellos hohem musikalischen Niveau. Er experimentiert mit einer breiten Palette von Stimmfarben, Lautstärken und Tempi, malt und schmückt aus und bleibt dabei doch schlicht. Alle Songs wirken leicht, fast sommerlich und im Grunde optimistisch, driften jedoch nie in eine jackjohnsonesk gleichgültige Fröhlichkeit ab, sondern bewahren stets eine gewissen Schwermut, einen melancholischen Gedanken. Dabei verfällt Kokot weder in eine selbstzerstörerische Conor Oberst-Manier, noch drückt er auf die Kitschdrüse des leichten Popsongs. Die dringlichen, vorwärts treibenden Pickings, die verworrenen, nie enden wollenden Harmonien sind alles andere als Pop-verträglich. Keine Musik zum mitsingen, sondern zum nachdenken. Nicht für den anonymen Hörer, sondern für jemand Vertrauten gemacht. Da plätschert keine Note, kein Ton wird der Eingängigkeit wegen wiederholt, es gibt weder Refrains, noch Strophen, die dem verwöhnten Ohr das Hören leicht machen könnten. Denn Vincenz Kokot macht nicht Musik um zu gefallen, sondern, wenn sich hier und dort Analogien zu José Gonzales einschleichen, macht sich diese musikalischen Vorlieben zu eigen und bleibt in seiner jugendlichen Unruhe immer authentisch. Man bleibt mit dem Gefühl zurück, noch lange nicht angekommen zu sein, wo auch immer die Reise hingehen soll. Neben uns sitzt Grenadine, grinst und schaut dann wieder aus dem Fenster, an dem die Bäume und Felder wie im Zeitraffer vorbei fliegen.
foto: anja conrad
my sister grenadine
"shine in the dark"
solaris empire 2008 cd
my sister grenadine
Nicolas Mahler [Die Zumutungen Der Moderne]
(jyrki heikkinen)
Nun sind die latent kauzigen Geschichten, die Mahler in seinem episodenhaften Stil entwickelt nicht grundsätzlich witzig, doch sicherlich komisch. Wenigstens in mindestens einer der beiden Verwendungen des Wortes, und eben dieser Moment des deadpan Komischen in der Beobachtung von Alltagsbanalitäten scheint mir die große Gabe des Österreichers zu sein, welche er mit wenigen Strichen und Worten zu Papier bringt. Das weiß er sicherlich, weshalb sein langnäsiges, immer in schwarz gekleidetes Comic Alter-Ego auch fast ausschließlich als Beobachter auftritt. Meist verharrt er stoisch, wie ein ausgedienter Leuchtturm im hektischen Treiben um ihn herum und löst sich nur selten aus seiner Passivität, etwa wenn er aufgeregt den Kunstdiebstahl – eines seiner Werke! - an der Rezeption des Hotels Schweizerhof meldet. Ansonsten erfahren wir nach einem kurzen Rückblick in die Jugend des Herrn Mahlers, Portraitskizzen dessen, was ihm nach dem Erfolg von "Kunsttheorie" und seiner Animationsfilmadaption von "Flaschko" als jetzt renommierten Künstler widerfährt: er begegnet Finnen mit übermäßigem Alkoholkonsum – die in den Anmerkungen mit „You did a very good portrait of our country, it is us“ von Mahler zitiert werden –, Craig Thompson und Marjane Satrapi auf Festivals, teilt in einem Traum mit H. R. Giger ein Hotelzimmer, wird ad hoc für zehn Tage als Artist in Residence zum Fumetto Comix Festival nach Luzern eingeladen und wir lernen, dass sich Trickfilm zu Film verhält, wie Comic zu Literatur.
Durch das Belegen von Details, das Ergänzen durch Fußnoten und Materialien am Ende des Buches, wird dem Leser eine Authentizität der Geschichten vorgespielt – in "Kunsttheorie" hieß es im Vorwort noch plakativ "Dennoch ist kein Wort frei erfunden, alles ist genau so passiert" -, der man gern gewillt ist zu glauben. Wohlweislich, dass es sich hier um eines der verführerischsten Medien von allen handelt, denn die suggestiven Wort-Bild-Verschmelzungen scheinen sich einer rationellen Argumentation zu entziehen: Wie können wir schließlich bezweifeln, was uns vor Augen geführt wird?
In den "Zumutungen der Moderne" fasst Mahler seine scheinbar wahllos zusammengewürfelten Beobachtungsfragmente, die sich meist über vier bis acht Panels erstrecken, unter diesem zunächst kryptisch anmutenden Titel zusammen. Erst im Verlauf seiner Erzählungen stellt sich heraus, was hiermit gemeint ist und man muss auf zwei höchst befremdliche Dinge zurückgreifen, um die Bezeichnung nachvollziehbar zu machen: DJ Bobo und den Eurovision Song Contest. Aufklärende Wirkung in diese seltsame Verflechtung bietet ein im Anhang abgedruckter Zeitungsartikel vom 21. April 2007 mit der Schlagzeile "DJ Bobo darf singen": "Der Bundesrat will und kann den Song 'Vampires Are Alive' von DJ Bobo nicht verbieten. Dies schrieb die Landesregierung in ihrer Antwort auf eine Petition der EDU (Eidgenössisch-Demokratische Union, Anm. des Verf.). Der Entscheid, welcher Song die Schweiz am Eurovision Song Contest vertrete, werden von einer Jury gefällt. Die EDU ist von der Antwort enttäuscht und schreibt von einer 'Kapitulation des Bundesrates'." Der campy Umgang der wertkonservativen und bibeltreuen Partei mit dem Thema Pop führt schließlich in erwähnter Petition zum titelgebenden Zitat. Dort schrieb man empört bezüglich des boboschen Vampir Songs: "49000 Leute haben genug von den gottlosen Zumutungen der Moderne". Durch den Blick des Beobachters Mahler wird in seinem Buch diese Perspektive geschickt dekonstruiert, entblößt Mahler seinerseits jene konservative Haltung als an ihn, im Alltäglichen immer aufs Neue herangetragene Zumutungen der Moderne, welche er in seinen Beobachtungen porträtiert, sammelt, katalogisiert. Vielleicht hat im Nachhinein auch einer der Petitionsunterzeichner aufgrund dieser "Beflegelungen" Mahler wütend angerufen und ihm, wie der anonyme Anruf eines in Wien lebenden iranischen Monarchisten, der sich bei Mahler über Satrapis "Persepolis" beschwerte, mitgeteilt: "Ich habe das Buch gelesen und ich habe mich darüber so aufgeregt ... ich habe Blut geschissen!" Sollte dies so sein, werden wir es hoffentlich als Randnotiz im nächsten Band der mahlerschen Reihe gelungener Selbstportraits erfahren.
nicolas mahler
"die zumutungen der moderne"
reprodukt verlag 2007
nicolas mahler
Beatpoeten [Unterwegs]
"und das plakat ist wie ein spiegel deiner selbst;
zerrissen und kaputt und die reste treibt der wind."
(menschliche fackel)
"Unterwegs" ist die Quintessenz dieser Zusammenkunft. Ein Album, das nicht lange wartet, bis es nach dem Einlegen in den CD-Spieler sein wahres Gesicht zeigt. Zu Zeiten in denen sich Poetry Slams sogar bereits auf eine Bekanntheitsebene der Öffentlichen-Rechtlichen Fernseh-Kanäle hoch gekämpft haben und man irgendwie immer im Hinterkopf hat, wie man doch am liebsten und in welcher Art und wo die Betonung und überhaupt die Worte um die Ohren geschlagen bekommen haben will, ist schon das erste Stück Leben im Bücherschrank die Abwechslung auf die man gewartet hat. Ein mit Effekten gespickter Beat ertönt neben Jan Egge Sedelies Worten, die nicht den Fehler machen zu überragen. Sie passen sich an. Die Stimme beherrscht die Stücke einfach nicht mit der sonst gewohnten Autorität, sondern unterliegt stattdessen eher dem vorgegebenen Rhythmus, wird von ihm geformt, angepasst und ausgespuckt. Die Beatpoeten vertonen keine Texte, sie spielen solange mit ihnen, bis der Körper sich bewegen, die Ohren zuhören und der Kopf verarbeiten will.
Die textliche Qualität der Stücke zeugt von Jan Egge Sedelies langjährigen Erfahrungen im Bereich des Poetry Slams: sozialkritisch, politisch, ironisch, humorvoll, realitätsnah. Mit Dorothy Gale bei Pantheon Rococo ist ein ideales Beispiel für zeitnahe Lyrik, die weder die Hand im Schritt noch die Tränen im Knopfloch hat. Stattdessen gibt es das gute alte Mann-trifft-Frau-Spiel auf Diskoebene mit allem, was der Alkohol, die dröhnende Musik, die Hitze und die links orientierte politische Haltung dazu beizutragen haben: „Du starrst sie an. Schwitzt. Sie hält kurz inne. Spürt deinen Blick. Öffnet die Augen. Atmet durch. Lächelt. Konzentration. Konzentration? Konzentration ist ein Begriff der Privilegierten. Was hätte der Che jetzt getan? Mh. Schlechtes Beispiel. Vermutlich auf eine Zigarre auf die bevorstehende Revolution eingeladen. Zumindest hätte er es so gesagt, vieldeutig zwinkernd und seine Mundwinkel zu einem Lächeln verzogen. Und wenn sie dankend abgelehnt, erschossen – wie die eigenwilligen Bauern auf Cuba. Ganz schlechtes Beispiel.“
Hier fehlt der Platz und vor allem die Zeit, um das ganze Maß der textlichen und musikalischen Grenzen, die die Beatpoeten brechen und wieder neu aufziehen, detailgetreu und repräsentationsgerecht widerzuspiegeln. Allerdings sei eines erwähnt: Es braucht Zeit. "Unterwegs" ist kein Album, das man einlegt, wenn man einfach nur tanzen will. Im Ganzen ist es vielmehr ein Eintauchen in ein Experiment, das geglückt ist. So merkt man spätestens beim letzten Stück, Gleichgültige Gleichzeitigkeiten, das einen subjektiven Blick auf die Weltgeschichte von 1980 bis heute wirft, wie viel Seriosität doch in diesem Album steckt und es deswegen keineswegs als verspielte Elektrogefrickel-Trend-Platte abgestempelt werden darf. Das hätte es nicht verdient. Sonnenblumen pflanzt man schließlich auch nicht einfach neben Brennnesseln ein.
„Deine Geschichte ist Vorgeschichte. Vorgeschichte ist Weltgeschichte. Weltgeschichte ist Vorgeschichte. Die Genesis liegt noch vor dir. Du grübelst über Spuren und versteckte Wegweiser und stolperst über einen Ernst-Bloch-Satz zu Krimiromanen: 'Etwas ist nicht geheuer, damit fängt es an'.“
foto: felix seuffert
beatpoeten
"unterwegs"
sprechstation verlag 2008 cd
beatpoeten
Haldern Pop [Rees-Haldern, 07.-09.08.2008: Vorschau]
Ein Vorgucker auf die Dinge die da kommen.
(festival motto 2008)
Das Konzept ist nach wie vor: Teilweise meilenweit von Mainstream entfernte Bands, die ihre große Zeit oft noch vor sich haben gepaart mit einer für alle Seiten erträglich großem Publikum. Statt der Jagd auf Number-One-Hits und Stilikonen forschen die Organisatoren lieber nach handverlesenem und innovativem, schließlich sind sie nicht in erster Linie Veranstaltungsmanager, sondern Musikliebhaber.
Ihren Dank für diese Konzepttreue und die charakterliche Stärke, die zweifellos hinter dem Unterfangen steht, zeigt das Publikum mit Vertrauen in das Line-Up und einem familiären, und angenehm „normalen“ Verhalten. Während sich auf anderen Festivals bierselige Grüppchen mit lautstarker Eigenbeschallung, die sich mehr für Reibereien mit Zeltnachbarn und Grillgut interessieren als für die Musik wie Löwenzahn vermehren, ist die Camp-Gemeinschaft auf den Kuhwiesen des Haldern angenehm homogen und friedfertig geblieben. Man pilgert zusammen zum Eiswagen oder hilft sich großzügig mit Heringen und Klopapier aus. Da verwundert es auch nicht, dass zwischen den Zelten und Autos bis in die Abendstunden Kinder rumwuseln und Fussball spielen. Später sieht man sie dann auf Papas Schultern mit Ohrenschützern vor der Hauptbühne im Takt mitwippen, und die Haldern-Kiddies aus dem Dorf helfen sogar beim Getränke verkaufen. Trotz seiner Familienfreundlichkeit ist das Haldern Pop Garant für jugendliche Hipness, ohne aufgesetzt zu sein, wie eine Art Talentschmiede werden jährlich neue Bands von neugierigen, wissenshungrigen Musiknerds heiss erwartet und unter die Lupe genommen, anstatt genau zu wissen was einen erwartet gehen die Besucher gerne das Risiko ein, sich auch mal überraschen zu lassen.
Neben Programm und Menschen bietet der Veranstaltungsort im beschaulichen Rees weitere Vorzüge. Es gibt da beispielweise einen Bahnhof mit kostenlosem Abholservice, zwei auf Festivalbesucher eingestellte Supermärkte, viel flache und idyllische Landschaft und es gibt den beinahe sagenumwobenen See.
Zum Geburtstag gibt’s dieses Jahr wie immer kleine Geheimtipps und ein paar gefeierte Kracher auf den Bühnen. Unter dem Motto „Ich glaube, ich kenne jemanden, der das weiß“ wird dieses Jahr von 7. - 9. August den ganzen Tag Musik gehört und gesehen, die Karten sind schon ausverkauft, also bleibt nur noch zu sagen: Hofft auf gutes Wetter und zählt die Tage!
foto: marcus beine
haldern pop
Lite [Phantasia]
Mit mathematischer Präzision und diskreter Härte spielen die vier Herren aus Tokio ihr zweites Album in voller Länge ein.
"thanks for the recommendation but i already do love them a lot."
(eintrag in einem postrock forum)
Wo andere Bands wie Kinski oder Crashing Dreams ihre instrumentalen Rockkompositionen langsam in kraftvollen Mustern entwickeln, herrscht bei dem japanischen Quartett Lite eine distinguierte Hektik. Vom ersten impulsiven Gitarrenriff des Eröffnungsstückes Ef an, wird dem Zuhörer kaum die Möglichkeit zum Verschnaufen eingeräumt. Mit enormer Geschwindigkeit tragen die vier Herren ihre von zwei Gitarren getragenen Stücke vor. Was bei anderen Künstlern nach Kollektivimprovisationen im Studio klingt, scheint im Falle Lites präzises und bis ins kleinste Detail kalkuliertes Songwriting zu sein. Improvisation würde am Ende Zeit benötigen, zum Denken, zum Anpassen und Reagieren, was in den supersonischen Arrangements als kaum möglich erscheint. Doch dieses technisch versierte Spiel, der hoch komplexe, oft durch Sollbruchstellen und ad hoc neu einsetzenden Rhythmen und Harmonien getragene Stil, verlangt vom Zuhörer ein hohes Maß an Konzentration. Allein die verschachtelte Rhythmik, die ein ums andere Mal auf das etablierte Viervierteltaktmuster des klassischen Rock verzichtet und an dessen Stelle stakkatohaft malträtierte Drumpattern im asymmetrischen Sieben- oder gar Dreizehnachteltakt stellt, bewegt die liteschen Stücke auf dem schmalen Grad zwischen avantgardistischer Genialität und unhörbarem Kauderwelsch. Was dem Metalhead zu diffizil mathematisch daherkommen, dem Indiegitarrenfanboy hingegen zu hart und rau konzeptioniert anmuten mag, muss sich eine Nische im Zwischen-den-Stühlen der Rockgenres suchen.
Den beiden Gitarristen Nobuyuki Takeda und Kozo Kusumoto gelingt es innerhalb der elf Stücke beinahe dialektische eine Synthese aus repetitiven, statischen Gitarrenmotiven und dichten, dynamischen Spannungsbögen aufzubauen, welche durch eben dieses Zusammenspiel – oder Gegeneinanderarbeiten, wie man will - der beiden Instrumente charakteristisch für die Band wird. Ganz gleich ob über staubtrockene Beats (Infinite Mirror), zu dem elegischen Spiel eines Cellos (Sequel To The Letter) oder brachial stampfend in dem fünfeinhalb Minuten Monster Shinkai. Das zart besaitete Interlude im Zentrum des Albums separiert "Phantsia" dann auch - wenn man die Analogie mit der Mathematik weiterspielen möchte - wie die Achse in einem Koordinatensystem in zwei sich gegenüberstehende Flächen. Zwei Seiten einer Münze, wenn man so will. Überwiegt in der zweiten Hälfte doch das eher organische, harmonische Spiel etwa im hiesigen Kontext beinahe als fragil erscheinenden, behände tänzelnden Ghost Dance – in welchem der Schlagzeuger seine unfassbare Geschwindigkeit unter anderem an einem Woodblock demonstriert -, dem sich hier fast als zeitlupenhaft entfaltenden Solitude, oder dem zwischen düster-grimmigen und erhellend-fröhlichen Momenten oszillierendem Fade.
Dieser technokratische Aspekt, das fraktale Moment im kalkulierten Spiel von Variationen und Spiegelungen, findet sich auch in der grafischen Gestaltung von "Phantasia“ wieder. In der pastellfarbenen Unörtlichkeit des Covers blicken zwei Gesichter zueinander, die mit nervös arrangierten Mustern aus Hochhaussilhouetten und Blütenkelchen überlagert sind. Das Spannungsfeld von Natürlich-Organischem und Artififziell-Technischem greift vielleicht auch das dualistische Verhältnis von uralter Tradition und High Tech Kultur auf, welches man Japan selbst zuschreibt. „Alles, was irgend ist, ein Konkretes ist und in sich selbst Unterschiedenes und Entgegengesetztes.“ Dieser hegelsche Gedanke drängt sich am Ende des Albums auf. „Was überhaupt die Welt bewegt“, so folgert dieser schließlich, „das ist der Widerspruch“.
foto:
lite
"phantasia"
transduction records 2008 cd / lp
lite
September Malevolence [After This Darkness, There's A Next]
"oh my god, it's been ages, look at you now."
(i shut doors and windows)
Das ausweglos Klaustrophobische ist der rote Faden, den September Malevolence durch ihr Werk ziehen; geflochten aus Stillstand, Resignation und das sich selbst Aushändigen ins Unausweichliche. Nach der kritisch fragenden Veröffentlichung aus dem Jahr 2005 mit dem Titel "Tomorrow We'll Wonder Where This Generation Gets Its Priorities From", artikuliert man sich dieser Tage tatsächlich mit Worten. Das postrocksche Schweigen des Debüts wird durch den immer irgendwie im Abwesenden stehenden Gesang von Bassist Martin Lundmark gebrochen und es sind düstere Visionen, für die er hier Worte findet. Wie die Nicht-Örtlichkeit eines finsteren Utopia, scheint auch die Nicht-Vordergründigkeit dieses Gesangs das vorliegende Album zu prägen. Gerade dieses Unpräzise, Unperfekte an der Stimme Lundmarks gibt den Stücken ihre Stärke, auch wenn das sich antithetisch aus dem Momenthaften, Konkreten speisende "Anprangern von gesellschaftlichen Misständen" (aus dem Pressetext stolz in beinahe allen Rezensionen aufgenommen) vielleicht nicht das geschickteste Thema für eine solche Veröffentlichung zu sein scheint. Agitprop, wenn man ihn ernst nehmen soll, geht anders, das weiß man.
Die musikalische Interpretation dieser ins Unendliche potenzierten Tristesse versucht alle Register des Prätentiösen und Pompösen zu ziehen, die einer Gitarrenband zur Verfügung stehen. Und doch erscheint die aus den donnernden Crescendi mittels warmer Lap-Steel Gitarre und zierlichem Glockenspiel aufblitzende Melancholie geradezu wie ein zweischneidiger Hoffnungsschimmer aus dieser paralytischen Welt. "Trust and betrayal / there's a hope, a crude light / and alone at last / I succumb to all my fears / with eyes wide shut." (Exxon Valdez, betitelt nach dem 1989 eine der größten Umweltkatastrophen verursachenden Öltanker.) Gerade hier finden sich die besten Momente der Platte, hält man mit weit aufgerissenen Augen den Atem an. Die überwiegende Auswahl an Songideen weiß zu überzeugen, man bewegt sich in bekannten Gefilden; für die Band, als auch den Zuhörer. Sowohl die langsam anschwellenden Hymnen wie Moments, als auch die kurzen, innehaltenden Versatzstücke wie Brandskar sind vertreten und man weiß solide mit den Themen umzugehen. Bereits bei dem eröffnenden Stück Who Watches The Watchmen? (Eine Hommage an Alan Moore?) und dessen irgendwo aus dem Off kommenden Klavierklängen wird klar, dass man dieses Album laut hören muss, um dessen viele Perspektiven auf die allgegenwärtige Verzweiflung alle Ehre zu erweisen; Erst dann fühlt man sich so verloren wie im cartesischen Strudel, bei dem man weder an die Oberfläche noch auf den Grund zu reichen mag. Und das ist, so vermute ich, das adäquate Gefühl diesem Monster gegenüber.
foto:
september malevolence
"after this darkness, there's a next"
a tender vision records 2008 cd
september malevolence
Those Dancing Days [Those Dancing Days]
"I wanna know how i think and what i’m feeling, what i want my life to be."
(hitten)
Doch der Hype ist nicht ganz unbegründet. Tatsächlich scheint der Pop, der uns aus Richtung Norden erreicht irgendwie tiefer empfunden, innovativer und musikalisch geschickter als vergleichbares aus westliche Gefilden. Im Kopf klingeln Namen wie Tiger Lou, Jens Lekmann und Anna Ternheim und nur zu leichtfertig wird bei neuen Bands Nationalität mit Qualität gleichgesetzt. So sehr Bands wie Those Dancing Days von diesem Bonus und der Vorarbeit anderer profitieren, so sehr muss der Hörer aufpassen, unvoreingenommen an die Sache, bzw. die CD heranzugehen, bzw. hineinzuhören.
Erstmal die Fakten, fünf blutjunge Mädchen an klassischen Popinstrumenten machen klassischen Indiepop. Einfache Melodien, eingängige Rhythmusmuster, Teenietexte. All das untergebracht auf einer fünf Song-EP ergeben das musikalische Endprodukt der zweijährigen Zusammenarbeit der Schweden, die in erster Linie Freundinnen und nicht Musikerinnen sind. So weisen die Songs wenig an musikalisch Neuem oder technisch anspruchsvollem Material auf, das etwas zu hektische Schlagzeug ist bisweilen unrhythmisch und die Gitarre schrebbelt noch etwas uninspiriert auf seinen Akkorden herum.
Doch darf man auch nicht 18-jährige mit Endzwanzigern oder Dreißigern messen, dessen Anspruch doch ein ganz anderer ist und auch sein muss als der, den diese im wahrsten Sinne des Wortes „Anfängerinnen“ mitbringen. Hier geht es darum eigene Songs zu gestalten, auf den vorhandenen Fähigkeiten, die es in der Zufunkt noch auszubauen gilt.
Es geht um Popkultur und die Mode die eigenen Hör- und Tanzvorlieben zur Musik zu machen. So lässt sich auch die etwas hochnäsige und selbstbewusste Attitüde der Mädchen erklären, die einfach empfänglicher für Hype und Klamottenestile sind, als die mit mehr Lebenserfahrung ausgestatteten, abgebrühten "Oldies" im Musikgeschehen (und Oldie wird man hier immer schneller). Dass man hier der momentanen Mode um das Bild vom süßen Indiegirl mit Vintage-Kleidchen, Intelligenz und Gitarre aufsitzt, ist ebenso verständlich wie normal, und nicht unsympathisch. Noch nicht. Und tatsächlich haben die Songs, besonders Hitten (schwedisch: Hit) das Potential zu kleinen Popschlagern einer gewissen, und ganz bestimmt sehr jungen Klientel, was im ganz besonders hohen Maße der wahrlich außergewöhnlich interessanten und angenehm tief gefärbten Stimme der Sängerin Linnea zuzuschreiben ist. Schon jetzt ist die junge Band auf dem besten Weg zum internationalen Hype, wir warten brav vor dem Radio und verfolgen gespannt was da ganz bestimmt noch spannendes kommt.
Those Dancig Days sind schnell, gehen vorwärts, und sind unruhig. So wie Jugend sein soll.
foto: motorfm
those dancing days
"those dancing days"
wichita 2008 ep
those dancing days
